Hällas: "Panorama" (2026)

Hay discos que no piden permiso: se abren como una puerta secreta y te invitan a cruzar. Hällas siempre ha jugado a eso, a construir pasadizos entre el hard rock setentero, la épica progresiva y un romanticismo de ciencia ficción que no entiende de modas. Panorama (2026) no es una excepción; es, más bien, la confirmación de que la banda sueca procedente de Jönköping ha aprendido a mirar su propio universo desde una altura nueva, más amplia, más serena.

Desde el primer tema "Above the Continuum" de algo mas de 21 minutos, el disco despliega una sensación de viaje continuo, en esta ocasión con un tono ochentero con sintetizador estilo synthwave, vocacer y ecos a New age, ejemplo Holal'esticERA. No hay prisas ni golpes de efecto gratuitos. Las guitarras dibujan líneas melódicas que parecen heredadas de un vinilo gastado de los años setenta, pero el sonido es nítido, casi cinematográfico. El tema se vuelve épico a lo Yes, los teclados no decoran: guían. Y la voz, siempre en ese punto entre la nostalgia y la proclamación heroica, actúa como narrador de un relato que nunca se explica del todo, porque no lo necesita.

El tema elegido como sencillo "Face of an Angel" tiene gancho y el video impresiona.

Lo interesante de Panorama es su equilibrio. Hällas ya no se esfuerza por demostrar que sabe hacer rock progresivo, porque eso quedó claro hace tiempo. Aquí hay más espacio, más aire entre notas, más atención al desarrollo que al impacto inmediato. Las canciones crecen despacio, se repliegan, vuelven a abrirse. Todo fluye con una naturalidad que delata madurez, no acomodamiento.

Hay ecos de aventuras cósmicas, de carreteras infinitas bajo cielos imposibles, pero también una melancolía muy humana, casi doméstica. Como si la banda hubiera entendido que la épica funciona mejor cuando se filtra a través de emociones reconocibles. No es un disco de himnos inmediatos; es un álbum para dejar correr entero, de principio a fin, y descubrir cómo cada tema gana sentido cuando dialoga con el siguiente.

Panorama no pretende reinventar nada. Y ahí reside su fuerza. Es un álbum que mira atrás con cariño, al presente con inteligencia y al futuro sin ansiedad. Un disco que se escucha como se observa un horizonte amplio: sin saber exactamente qué hay más allá, pero con la certeza de que merece la pena quedarse mirando un rato más.

Temas:

1. Above the Continuum (21:30)

2. Face of an Angel (5:03)

3. The Emissary (6:44)

4. Bestiaus (4:33)

5. At the Summit (6:22)

Total Time 44:12

Musicians:

- Tommy Alexandersson / vocals, bass

- Rickard Swahn / guitar

- Marcus Petersson / guitar

- Nicklas Malmqvist / keyboards

- Kasper Eriksson / drums

Releases information

Label: Äventyr Records

Format: Vinyl (Ltd. Cream White, Black), CD, Digital

January 30, 2026

Flame Dream: "Supervision" (1981-2026) Digitally Remastered

Listening to Supervision (Remastered) today feels like opening a carefully polished time capsule. Flame Dream’s album breathes again with a clarity that does not betray its era—it embraces it. The tone is reflective, almost confessional. The remaster does not show off technical muscle; it simply brings light where there was once shadow, restoring depth to an album that always looked forward without completely severing its ties to the symphonic past.

Released in 1981, Supervision inhabits that borderland shaped by Drama-era Yes, UK, the debut of Asia, and the technological elegance of The Alan Parsons Project. Post-progressive, yes, but without cynicism: keyboards that already smell of silicon, more direct rhythms, and a melodic sensibility that never abandons thematic development. The remaster balances this pulse beautifully—synthesizers gain air, the rhythm section becomes firmer without hardening, and the vocals sit up front with a natural presence that was previously slightly veiled.

As for the songs and the musicians, the album stands on a band chemistry very much rooted in the Central European school: precision, economy of gesture, and a musical narrative that unfolds in layers. Nothing feels superfluous and nothing is rushed. The shorter pieces act as waystations, refining the emotional climate and preparing the ground for the final act.

That final act is “Paradise Lost,” the EL&P suite that alone justifies this reissue. Here Flame Dream looks classic prog straight in the eye, without complexes: an atmospheric introduction, contrasted sections, leitmotifs that return with genuine dramatic purpose, and a conclusion that seeks not easy applause but the inner resolution of the journey. The remaster does justice to the entire arc—solid low end, rich midrange, and a stereo image that lets every transition breathe. It is the kind of suite that does not impose itself; it reveals itself, gaining weight with each listen.

The opening track “Blackmail” also deserves mention, with its highly rhythmic, unmistakably early-’80s sound, somewhere between Drama-era Yes and, thanks to the vocoder touches, ELO’s Time.

The title track “Supervision” lays out Flame Dream’s sonic identity and musical intent in its purest form: dense, complex, and wrapped in an unsettling atmosphere. After the ballad “Signs of Solitude,” which closes with an energetic, very Genesis-like ending, comes “Tragedy,” an extremely slow and sorrowful piece with a solemn, almost classical compositional undercurrent. “Time for a Change” brings clear echoes of Drama-era Yes and UK, even bearing a certain resemblance to “The Only Thing She Needs” from UK’s Danger Money.

In sum, Supervision (Remastered) does not try to rewrite history. It orders it. It returns Flame Dream to that precise moment when progressive rock was learning to coexist with modernity without losing its soul. Heard today, it sounds less like nostalgia and more like historical coherence: that of 1981, when drama, melodic ambition, and studio engineering found a fragile yet beautiful balance.

It’s always a real pleasure to listen to and share Flame Dream’s music through these carefully prepared reissues, which allow the albums to be rediscovered from a fresh perspective

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In spanish...

Escuchar Supervision (Remastered) hoy es como abrir una cápsula del tiempo cuidadosamente pulida. El disco de Flame Dream vuelve a respirar con una claridad que no traiciona su época: la abraza. En el tono reflexivo, casi confesional. El remaster no presume de músculo técnico; se limita a poner luz donde antes había penumbra y a devolver profundidad a un álbum que siempre jugó a mirar hacia delante sin romper del todo con el pasado sinfónico.

Publicada en 1981, Supervision pertenece a ese territorio fronterizo que dejó Drama de Yes, UK, el debut de Asia y la elegancia tecnológica de The Alan Parsons Project. Post-progresivo, sí, pero sin cinismo: teclados que ya huelen a silicio, ritmos más directos y un gusto melódico que no renuncia al desarrollo temático. El remaster equilibra ese pulso: los sintetizadores ganan aire, la base rítmica se afirma sin endurecerse y la voz se sitúa al frente con una naturalidad que antes quedaba algo velada.

En cuanto a los temas y los músicos, el álbum se sostiene por una compenetración de banda muy propia de la escuela centroeuropea: precisión, economía de gestos y una narrativa musical que avanza por capas. Nada sobra y nada se precipita. Las piezas más concisas funcionan como estaciones de paso, afinando el clima emocional y preparando el terreno para el gran acto final.

Y ese acto final es “Paradise Lost”, la EL&P suite que justifica por sí sola esta reedición. Aquí Flame Dream se permite mirar a los ojos al gran prog sin complejos: introducción atmosférica, secciones contrastadas, leitmotivs que regresan con sentido dramático y un cierre que no busca el aplauso fácil, sino la resolución interna del viaje. El remaster hace justicia al arco completo: graves firmes, medios ricos y una escena estéreo que deja respirar cada transición. Es el tipo de suite que no se impone; se revela con cada escucha, ganando peso con el tiempo.

No podemos dejar de mencionar la inicial Blackmail con un sonido muy ritmico y ochentero, entre los Yes de Drama y quizas por los vocoder a la ELO con su "Time".

El tema que da título al álbum "Supervision" manifiesta el sonido y apuesta musical de forma clara en estado puro de Flame Dream, un tema denso y complejo con una atmosfera inquietante. Tras la balada "Signs of Solitude" con un final energico muy a lo Genesis, viene "Tragedy", una canción extremadamente lenta y triste con un transfondo de composición solemne de música clásica. "Time for a Change" es un tema con reminiscencias al Yes de Drama y UK, de hecho tiene cierto parecido a  "The Only Thing She Needs" del Danger Money de UK.

Siempre es un verdadero placer escuchar y compartir la música de Flame Dream a través de estas cuidadas reediciones, que permiten redescubrir los álbumes desde una nueva perspectiva.

Temas:

1 Blackmail 4:41

2 Dancing Into Daylight 2:11

3 Supervision 5:19

4 Signs Of Solitude 4:11

5 Tragedy 5:12

6 Time For A Change 5:40

7 Woman's Art? 3:04

8 Paradise Lost 12:08

Musicos:

Bass, Guitar, bass pedal – Urs Hochuli

Drums, percussion – Pit Furrer

Keyboards, piano, organ, sequencer, vocoder – Roland Ruckstuhl

Voice, flute, saxophones, percussion – Peter Wolf

Analogue recordings and mixing: John Acock (October 1981)

Digital mastering: Michael Brändli (2026)

Tritop: "Tritop 120" (2025)

 

Tritop · Tritop 120

🇬🇧 

With Tritop 120, Tritop deliver a record that firmly places them within the realm of modern progressive rock, while deliberately avoiding excess. The album clearly echoes bands like Haken and Dream Theater, yet adopts a noticeably softer, more restrained approach, favoring musical flow and cohesion over sheer technical display.

Complex rhythms, shifting time signatures and carefully layered keyboards are all present, but always serving the composition rather than dominating it. Tritop seem more concerned with building a consistent musical narrative than showcasing virtuosity for its own sake, which gives the album a sense of balance and maturity.

The undisputed highlight is the long-form suite, the true backbone of the record. Here the band fully unfolds its compositional strengths: thematic development, smooth transitions and a patient, almost cinematic progression that rewards focused listening. This is not a track designed for instant gratification, but one that reveals its depth gradually, in true progressive rock tradition.

Overall, Tritop 120 is an album that benefits from repeated listens and will particularly appeal to fans of modern prog who appreciate sophistication, melody and a more subtle, nuanced take on the genre

SPANISH

Tritop 120 confirma a Tritop como una banda que entiende el rock progresivo moderno no como un ejercicio de virtuosismo desbocado, sino como un espacio de equilibrio entre técnica, melodía y emoción contenida. El disco se mueve claramente en territorios cercanos a Haken y Dream Theater, aunque filtrados por un enfoque más soft, menos agresivo y más atento a la fluidez del discurso musical.

Las comparaciones son inevitables: hay patrones rítmicos complejos, cambios de compás bien integrados y un uso muy consciente de los teclados, pero todo aparece presentado con una elegancia que evita el exceso. Tritop parece más interesado en construir atmósferas coherentes que en impresionar al oyente a cada compás, y ahí reside buena parte del atractivo del álbum.

El punto culminante del disco es, sin duda, la suite larga, auténtico eje vertebrador del trabajo. En ella la banda despliega todo su potencial compositivo: desarrollo temático, transiciones orgánicas y una narrativa musical que avanza con paciencia, dejando que las ideas respiren y maduren. No es una pieza pensada para el impacto inmediato, sino para la escucha atenta, casi contemplativa, como mandan los cánones del progresivo bien entendido.

En conjunto, Tritop 120 es un álbum que crecerá con el tiempo y las escuchas, ideal para quienes disfrutan del prog moderno pero agradecen un enfoque más cálido y accesible, sin renunciar a la complejidad ni a la ambición artística.

                                               

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Tracks:

1 - Rebuild Nothing (01.19);

2 - Master of Drama (13.11);

3 - Wanderlust (09.43);

4 - Asymmetrical Reflections Of A Restless Heart (23.32).

Músicos:

- Ivo Di Traglia: Drums, Composer, Arranger;

- Pierfrancesco Di Pofi: Keys, Piano, Hammond, Synth, Mellotron, Voice;

- Francesco Caponera: Electric Guitar, Acoustic Guitar, Voice;

- Jacopo Tuzi; Electric Bass, Acoustic Guitar, Voice;

- Mattia Fagiolo:Lead Voice, Lyrics (4);

- Iacopo Di Traglia: Classic Guitar (1), Composer (1), Lyrics (2, 3).

Female Coir in "Asymmetrical Reflections Of A Restless Heart":

Roberta Campoli;

Annalaura Talpa;

Eleonora Belfiore.

Aufklärung: EP "Nell'idea di un tempo che" (2025)

 

Hay regresos que no son simples retornos, sino recomienzos que te trasladan a momentos ya vividos como un dejà vu. Los Aufklärung, aquella banda neo progresiva creada en Brindisi en 1990, vuelven treinta años después con un EP que no mira atrás con nostalgia, sino con la serena lucidez de quien ha sobrevivido a sus propias mutaciones. Desde aquellos años de fusión entre dos bandas locales, pasando por la escritura febril del 92–93 y la grabación del mítico "De la Tempesta l’Oscuro Piacere", el grupo siempre fue más una forma de pensar que un equipo estable. Y esa esencia permanece hoy en el 2025.

Reformados en plena pandemia, Michele Martello y Marco Mancarella recuperaron 30 años después, viejas ideas guardadas en un cajón para someterlas, con paciencia casi artesanal, a un nuevo diálogo creativo. El ingreso de Michele De Luca, y con él, la apuesta por el italiano como lengua expresiva principal, desbloqueó lo que llevaba décadas en estado latente: cuatro temazos que por fin encontraban la luz.

"Nell’idea di un tempo che" retiene algo del ADN progresivo original, pero se inclina más hacia un viaje emocional que hacia la exhibición técnica. Cada tema es un estado de ánimo, una sensación distinta dentro de una misma idea interior.

"Respiro nº1" abre como una lenta dilatación del tiempo: armonías  cálidas, una respiración que parece colectiva, casi ceremonial. 

"Urlo", contrario a lo que promete el título, es el eco del grito, no el grito mismo: tensión contenida, vibración eléctrica, un temblor que no rompe.

"Apnea" suspende el movimiento; la música deja de avanzar y simplemente flota, como si el oyente escuchara desde debajo del agua.

"Ansia" cierra el ciclo con melodías suaves, altibajos mínimos, emociones con el sonar de la flauta, misterio y un final abierto que sigue resonando en el silencio.

En conjunto, estos cuatro temas funcionan como un pequeño concept-album sobre la respiración emocional del ser humano: el aire, el grito, la suspensión y la inquietud. No se trata de un EP para poner de fondo; es un EP que “entra cuando uno le abre la puerta”, y que transforma, sin hacer ruido, la habitación donde suena.

Aufklärung no regresa para repetir su pasado: regresa para afinarlo, para hacerlo respirable en este tiempo que es otro. Un trabajo precioso, íntimo y profundamente honesto.

Temas:

1. Respiro n. 1 (13:46)

2. Urlo (06:33)

3. Apnea (09:14)

4. Ansia (13:09)

Músicos:

Michele De Luca - Voz

Dante Di Giorgio - Bajo y guitarra

Marco Mancarella - Teclados

MIchele Martello - Guitarra

RETREAT FROM MOSCOW: "The Illusion of Choice" (2025)

More than forty years have passed since those young men from Cardiff, known as Retreat From Moscow, carved out a small place for themselves amid the whirlwind of the late seventies. Many thought their story would remain buried in the folds of memory… and yet, here they are, with a third album that sounds like a statement of purpose, a reconciliation, and, above all, a declaration of passion for what they believe in.

The Illusion of Choice is not an album of artifice or gratuitous technical display. It is a calm, unhurried work of long tempos, where melody takes the lead and emotion seeps through every note. The production is clean, allowing you to hear the air between the instruments. Everything sounds in its place, without urgency.

There is in these grooves an air of elegant melancholy, that sense of having learned that life, like music, doesn’t always grant second takes.

“Bones Will Sing” stands out as the album’s central piece: the guest vocals by Christina Booth (Magenta) give the track an almost spiritual texture. The violin and harp that accompany her reinforce that sense of transcendence. It’s a song that doesn’t need to raise its voice to move you. Also worth mentioning is the opener, “Time Traveller,” with its restrained energy and excellent guitar work, while “Moments in Time” and “Reflections” reveal the band’s more contemplative side. Everything is woven with exquisite taste for dynamics and atmosphere.

The Illusion of Choice is not a record that aims to surprise; rather, it invites you to pause, to listen without haste, to let the music breathe. It is the testimony of a band that returns not out of nostalgia, but from a genuine need for expression.

Perhaps that is its greatest virtue: it sounds honest, coherent, and deeply human. In these times of noise and instant consumption, that alone is almost an act of resistance.

Rating: 6.5 / 10

Recommended for: lovers of classic progressive rock, fans of Magenta, IQ, or Pendragon, and for those who still believe that songs can grow old with dignity.Han pasado más de cuarenta años desde que aquellos jóvenes de Cardiff que respondían al nombre de Retreat From Moscow se abrieron un hueco entre la vorágine de finales de los setenta. Muchos pensaron que su historia quedaría sepultada entre los pliegues de la memoria… y sin embargo, aquí están, con un tercer disco que suena a reivindicación, a reconciliación y, sobre todo, a pasión por lo que creen.

IN SPANISH

The Illusion of Choice no es un álbum de artificios ni de exhibición técnica gratuita. Es un trabajo reposado, de tempos largos, en el que la melodía manda y la emoción se filtra por cada nota. Se percibe una producción limpia que permite escuchar el aire entre los instrumentos. Todo suena en su sitio, sin urgencias.

Hay en estos surcos un aire de melancolía elegante, esa sensación de haber aprendido que la vida, como la música, no siempre concede segundas tomas. 

Destaca “Bones Will Sing” que se erige como la pela central: la voz invitada de Christina Booth (Magenta) dota al tema de una textura casi espiritual. El violín y el arpa que la acompañan refuerzan la sensación de trascendencia. Es una canción que no necesita levantar la voz para conmover. Mencionar tambien la que abre el disco “Time Traveller” con energía contenida y un magnífico trabajo de guitarras, mientras que “Moments in Time” y “Reflections” muestran la cara más contemplativa de la banda. Todo está tejido con un gusto exquisito por la dinámica y la atmósfera.

The Illusion of Choice no es un disco que busque sorprender; más bien invita a detenerse, a escuchar sin prisas, a dejar que la música respire. Es el testimonio de una banda que vuelve no por nostalgia, sino por necesidad de expresión. 

Quizá esa sea su mayor virtud: suena honesto, coherente, humano. En estos tiempos de ruido y consumo rápido, eso ya es casi un acto de resistencia.

Valoración: 6,5 / 10

Recomendado para: amantes del rock progresivo clásico, fans de Magenta, IQ o Pendragon, y para quienes aún creen que las canciones pueden envejecer con dignidad.

Músicos:

John Harris - guitars, harp, keyboards, Roland GR300 guitar synth, mandolin, flute, vocals

Andrew Raymond - keyboards, Steinway grand piano, guitar, pedal steel guitar

Tony Lewis - Wal Bass, Wal fretless bass, backing vocals

Greg Haver - drums, percussion

Special Guests

Christina Booth - vocals on Bones Will Sing

Jillian Slade - vocals on Polina

Les Penning - recorders on Earth-Stepper

TRACK LIST

1.The Illusion of Choice

2.Earth-Stepper

3.Bones Will Sing

4.Navigators Of The Trym

5.Polina

6.Snowfall Road

7.Black Mist

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Doping Hornets: "Delirium Dive" (2025)

The Canadian band Doping Hornets delivers a progressive/rock album featuring the genre's most potent characteristics: energy, melody, narrative intensity and a dense sonic texture. 

From the outset with "The Flood" (5:25) to the finale with the epic title track, "Delirium Dive" (9:13), the album takes us on a journey that blends urgency, moments of reflection and atmospheres of progressive angst. 

Tracks such as "Dr Pills" and "Massive Anaesthesia" move between hard-hitting riffs, free-tempo developments and passages of moderate tension that hark back to what the most modern progressive music contributes to the seventies' legacy.

What makes Delirium Dive truly valuable is its balance: on the one hand, the sheer power ("Mechanical Slavery", at almost seven minutes, pulls no punches), and on the other, its ability to show restraint and build atmosphere ("Ruins of Mankind", "Into the Void"). This alternation gives the album a dynamic feel and holds the listener's attention.

The production is crisp but not sterile; you can pick out nuances, layers, and contrasts. And while it's not an album that completely revolutionises the genre, it does so with honesty and conviction. For those of us who follow prog and are keen for "something new" to keep the classic flame alive, this work has a lot to offer.

Ultimately, Delirium Dive is a serious step for Doping Hornets: without abandoning their roots, they strive for refinement, explore the extended structure and show that there is life beyond the established names. It's a listen that deserves attention, both for fans of the genre and for anyone interested in some well-thought-out rock.

En castellano:

La banda canadiense Doping Hornets entrega un álbum de corte progresivo/rock con los rasgos más potentes del género: energia, melodía, intensidad narrativa y textura sonora densa.

Desde el inicio con “The Flood” (5:25) hasta el final con la épica titular “Delirium Dive” (9:13), el disco nos lleva por caminos que mezclan urgencia, espacios de reflexión y atmósferas de angustia progresiva.

Temas como “Dr Pills” o “Massive Anaesthesia” se deslizan entre riffs contundentes, desarrollos de tempo libre y pasajes de tensión moderada que remiten a lo que el progresivo más moderno aporta al legado de los setenta.

Lo que hace realmente valioso a Delirium Dive es su equilibrio: por un lado, la potencia (“Mechanical Slavery” con casi siete minutos no perdona) por otro, la capacidad de contención y construcción de climas (“Ruins of Mankind”, “Into the Void”). Esa alternancia da al disco dinamismo y sostiene la atención.

La producción suena limpia, pero no estéril: se perciben matices, capas, contrastes. Y aunque no se trata de un disco que revolucione por completo el género, sí lo hace con honestidad y convicción. Para quienes seguimos el progresivo con ganas de que “algo nuevo” mantenga la llama de lo clásico, este trabajo tiene mucho que aportar.

En definitiva, Delirium Dive es un paso serio de Doping Hornets: sin abandonar sus raíces, busca el refinamiento, explora la estructura extensa y muestra que hay vida más allá de los nombres consagrados. Una escucha que merece atención, tanto para fans del género como para quienes les interesa un rock bien pensado.

Songs / Tracks Listing

1. The Flood (5:24)

2. Dr Pills (5:41)

3. Ruins of Mankind (4:42)

4. Mechanical Slavery (6:42)

5. Into the Void (4:04)

6. Massive Anaesthesia (6:59)

7. Delirium Dive (9:13)

Total Time 42:45

Line-up / Musicians

- Pierre-Olivier Vachon / guitar

- Jonathan Vézina / vocals

- Christian Reeves Riopel / keyboards

- Sébastien St-Onge / bass

- William Savaria-Lefebvre / drums, flute

Flame Dream: "Elements" (1979/2025) Digitally Remastered

The news of the re-release and remastering of a Swiss symphonic rock classic like Flame Dream's Elements in the midst of 2025 is, without a doubt, a cause for celebration for nostalgics and an excellent opportunity for newcomers to the world of 70s 'prog'. In its day, this band of omnipresent keyboards and no guitar carved out a small niche of followers, and this 1979 album is considered by many to be their best work.

What made Flame Dream special was, precisely, their ability to evoke the greats of the genre without the main element of rock. Roland Ruckstuhl, at the helm of the keyboards, creates a wall of sound that, in this new version, feels richer and fuller than ever thanks to the remastering. His piano, which recalls Keith Emerson's heavenly cascades in pieces like "Take a Pebble," now sounds even more ethereal, and his Moog has an arpeggio and presence worthy of the best of Yes.

The album, a concept disc about the four elements, opens with (1) "Sun fire," where the majestic mellotron and synthesizers create a delicate yet epic atmosphere. Next, in (2) "Sea monsters," the more seasoned will notice a Hammond motif that evokes Genesis, although the band adds its personal touch with a more adapted synthesizer solo and a somewhat irregular rhythm. The voice, which at times recalls the Peter Gabriel of the era or the singer of Fruupp, moves with ease among the instrumental passages. 

(3) "Earth song" is perhaps the most avant-garde piece of the set, with Peter Wolf's flute and saxophone taking more prominence, which gives it an air of Van der Graaf Generator and a slight Canterbury tint, albeit with the musicality of Happy the Man. The work following with the crown jewel, (4) "A poem of dancing," an elegant composition with very advanced piano passages that, towards the end, evokes Genesis' "Afterglow."

The album ELEMENTS was originally recorded and mixed analogically in 1979 by Jean Ristori (former member of MAINHORSE with Patrick Moraz) at the Aquarius Studios in Geneva (Switzerland) and was finally released in January 1980 on the VERTIGO label, distributed by Phonogram.

The sound of this remastering is, simply, first-rate, taking great care in the digitization of the original analog recordings in late autumn 2024 and bringing out all the details that were lost in previous editions at the hands of the specialist Michael Brändli at the Hard Studios Winterthur in Switzerland, with the guidance and support of Urs Käch.

Ultimately, while Flame Dream did not invent the wheel, they were able to masterfully exploit the genre in a hostile era for progressive rock. This album, which sounds convincing and natural, is a true forgotten classic of symphonic prog, and the 2025 re-release is the perfect time to rediscover it. It's like manna from heaven for fans of the purest prog and, without a doubt, an album that will be on many of the year-end 'top tens.

En castellano:

La noticia de la reedición y remasterización de un clásico del rock sinfónico suizo como Elements de Flame Dream en pleno 2025 es, sin duda, un motivo de celebración para los nostálgicos y una excelente oportunidad para los recién llegados al mundo del 'prog' setentero. En su día, esta banda de teclados omnipresentes y sin guitarra se ganó un pequeño nicho de seguidores, y este disco de 1979 es considerado por muchos su mejor obra.

Lo que hacía a Flame Dream especial era, precisamente, su habilidad para evocar a los grandes del género sin el elemento principal del rock. Roland Ruckstuhl, al mando de los teclados, crea un muro de sonido que, en esta nueva versión, se siente más rico y pleno que nunca gracias a la remasterización. Su piano, que recuerda a las cascadas celestiales de Keith Emerson en piezas como "Take a Pebble", ahora suena aún más etéreo, y su Moog tiene un arpegio y presencia digno de los mejores Yes.

El álbum, un disco conceptual sobre los cuatro elementos, se abre con (1) "Sun fire", donde el majestuoso mellotrón y los sintetizadores crean un ambiente delicado y a la vez épico. A continuación, en (2) "Sea monsters", los más avezados notarán un motivo de Hammond que evoca a Genesis, aunque la banda añade su toque personal con un solo de sintetizador más adaptado y un ritmo algo irregular. La voz, que en ocasiones recuerda al Peter Gabriel de la época o al cantante de Fruupp, se mueve con soltura entre los pasajes instrumentales.

(3) "Earth song" es quizá la pieza más vanguardista del conjunto, con la flauta y el saxofón de Peter Wolf tomando más protagonismo, lo que le da un aire a Van der Graaf Generator y un ligero tinte Canterbury, aunque con la musicalidad de Happy the Man. El trabajo sigue con la joya de la corona, (4) "A poem of dancing", una composición elegante con pasajes de piano muy avanzados que, hacia el final, evoca a "Afterglow" de Genesis.

El álbum ELEMENTS fue originalmente grabado y mezclado analógicamente en 1979 por Jean Ristori (ex-miembro de MAINHORSE con Patrick Moraz) en los estudios Aquarius de Ginebra (Suiza) y finalmente fue publicado en enero de 1980 en el sello VERTIGO, distribuido por Phonogram.

El sonido de esta remasterización es, simplemente, de primer nivel, poniendo gran cuidado en la digitalización de las grabaciones analógicas originales a finales del otoño de 2024 y sacando a relucir todos los detalles que se perdían en ediciones anteriores de la mano del especialista Michael Brändli en los Hard Studios Winterthur de Suiza con la guía y soporte de Urs Käch.

En definitiva, si bien Flame Dream no inventó la rueda, supo exprimir el género de forma magistral en una época hostil para el progresivo. Este álbum, que suena convincente y natural, es un auténtico clásico olvidado del sinfónico, y la reedición de 2025 es el momento perfecto para redescubrirlo. Es como maná caído del cielo para los fans del prog más puro y, sin duda, un disco que estará en muchos de los 'top ten' de fin de año. 

Songs / Tracks Listing

1. Sun Fire (9:53)

2. Sea Monsters (13:31)

3. Earth Song (6:53)

4. A Poem of Dancing (13:10)

5. Savate? Nose (1:26)

Total Time 44:53

Line-up / Musicians

- Pit Furrer – kit drums, percussion

- Urs Hochuli – bass, bass pedals, voice

- Roland Ruckstuhl – grand-piano, organ, keyboards, tapes

- Peter Wolf – voice, flute, oboe, saxophones, percussion

Elements – CD-digipack | Flame Dream

Credits:

Music, arrangements, orchestration: Roland Ruckstuhl

except Earth Song: Roland Ruckstuhl/Peter Wolf

Lyrics:

SUN FIRE: written by Peter Wolf

SEA MONSTERS: a poem by Edmund Spenser

EARTH SONG: a poem by Ralph Waldo Emerson

A POEM OF DANCING: a poem by John Davies

Cover art: Urs Hochuli

Pit Furrer plays PAISTE cymbals and gongs

Analogue recordings: Jean Ristori

@Aquarius Studios Geneva/Switzerland – October 1979

Mixing: Jean Ristori@Aquarius – produced by FLAME DREAM

Original mastering vinyl LP: @Turicaphon and @PolyGram Dischi S.p.A.

Photos: Urs Hochuli/Wada Jossen

Copyright music/lyrics: SUISA 1979

Original release date LP: January 1980

Label: VERTIGO (Phonogram) STEREO 6326 976

Special thanks:

Jean Ristori, Patrick Moraz, Eroll Maibach, Nancy Meropi Ypsilantis Dupree, La Belotte/Geneva

Re-release CD-digipack – thanks:

Digital mastering: Michael Brändli/Hardstudios Winterthur/Switzerland

Coordination, guidance and support: Urs Käch/FLAME DREAM MUSIC

This album ELEMENTS is an independent production © 2025