Doping Hornets: "Delirium Dive" (2025)

The Canadian band Doping Hornets delivers a progressive/rock album featuring the genre's most potent characteristics: energy, melody, narrative intensity and a dense sonic texture. 

From the outset with "The Flood" (5:25) to the finale with the epic title track, "Delirium Dive" (9:13), the album takes us on a journey that blends urgency, moments of reflection and atmospheres of progressive angst. 

Tracks such as "Dr Pills" and "Massive Anaesthesia" move between hard-hitting riffs, free-tempo developments and passages of moderate tension that hark back to what the most modern progressive music contributes to the seventies' legacy.

What makes Delirium Dive truly valuable is its balance: on the one hand, the sheer power ("Mechanical Slavery", at almost seven minutes, pulls no punches), and on the other, its ability to show restraint and build atmosphere ("Ruins of Mankind", "Into the Void"). This alternation gives the album a dynamic feel and holds the listener's attention.

The production is crisp but not sterile; you can pick out nuances, layers, and contrasts. And while it's not an album that completely revolutionises the genre, it does so with honesty and conviction. For those of us who follow prog and are keen for "something new" to keep the classic flame alive, this work has a lot to offer.

Ultimately, Delirium Dive is a serious step for Doping Hornets: without abandoning their roots, they strive for refinement, explore the extended structure and show that there is life beyond the established names. It's a listen that deserves attention, both for fans of the genre and for anyone interested in some well-thought-out rock.

En castellano:

La banda canadiense Doping Hornets entrega un álbum de corte progresivo/rock con los rasgos más potentes del género: energia, melodía, intensidad narrativa y textura sonora densa.

Desde el inicio con “The Flood” (5:25) hasta el final con la épica titular “Delirium Dive” (9:13), el disco nos lleva por caminos que mezclan urgencia, espacios de reflexión y atmósferas de angustia progresiva.

Temas como “Dr Pills” o “Massive Anaesthesia” se deslizan entre riffs contundentes, desarrollos de tempo libre y pasajes de tensión moderada que remiten a lo que el progresivo más moderno aporta al legado de los setenta.

Lo que hace realmente valioso a Delirium Dive es su equilibrio: por un lado, la potencia (“Mechanical Slavery” con casi siete minutos no perdona) por otro, la capacidad de contención y construcción de climas (“Ruins of Mankind”, “Into the Void”). Esa alternancia da al disco dinamismo y sostiene la atención.

La producción suena limpia, pero no estéril: se perciben matices, capas, contrastes. Y aunque no se trata de un disco que revolucione por completo el género, sí lo hace con honestidad y convicción. Para quienes seguimos el progresivo con ganas de que “algo nuevo” mantenga la llama de lo clásico, este trabajo tiene mucho que aportar.

En definitiva, Delirium Dive es un paso serio de Doping Hornets: sin abandonar sus raíces, busca el refinamiento, explora la estructura extensa y muestra que hay vida más allá de los nombres consagrados. Una escucha que merece atención, tanto para fans del género como para quienes les interesa un rock bien pensado.

Songs / Tracks Listing

1. The Flood (5:24)

2. Dr Pills (5:41)

3. Ruins of Mankind (4:42)

4. Mechanical Slavery (6:42)

5. Into the Void (4:04)

6. Massive Anaesthesia (6:59)

7. Delirium Dive (9:13)

Total Time 42:45

Line-up / Musicians

- Pierre-Olivier Vachon / guitar

- Jonathan Vézina / vocals

- Christian Reeves Riopel / keyboards

- Sébastien St-Onge / bass

- William Savaria-Lefebvre / drums, flute

Flame Dream: "Elements" (1979/2025) Digitally Remastered

The news of the re-release and remastering of a Swiss symphonic rock classic like Flame Dream's Elements in the midst of 2025 is, without a doubt, a cause for celebration for nostalgics and an excellent opportunity for newcomers to the world of 70s 'prog'. In its day, this band of omnipresent keyboards and no guitar carved out a small niche of followers, and this 1979 album is considered by many to be their best work.

What made Flame Dream special was, precisely, their ability to evoke the greats of the genre without the main element of rock. Roland Ruckstuhl, at the helm of the keyboards, creates a wall of sound that, in this new version, feels richer and fuller than ever thanks to the remastering. His piano, which recalls Keith Emerson's heavenly cascades in pieces like "Take a Pebble," now sounds even more ethereal, and his Moog has an arpeggio and presence worthy of the best of Yes.

The album, a concept disc about the four elements, opens with (1) "Sun fire," where the majestic mellotron and synthesizers create a delicate yet epic atmosphere. Next, in (2) "Sea monsters," the more seasoned will notice a Hammond motif that evokes Genesis, although the band adds its personal touch with a more adapted synthesizer solo and a somewhat irregular rhythm. The voice, which at times recalls the Peter Gabriel of the era or the singer of Fruupp, moves with ease among the instrumental passages. 

(3) "Earth song" is perhaps the most avant-garde piece of the set, with Peter Wolf's flute and saxophone taking more prominence, which gives it an air of Van der Graaf Generator and a slight Canterbury tint, albeit with the musicality of Happy the Man. The work following with the crown jewel, (4) "A poem of dancing," an elegant composition with very advanced piano passages that, towards the end, evokes Genesis' "Afterglow."

The album ELEMENTS was originally recorded and mixed analogically in 1979 by Jean Ristori (former member of MAINHORSE with Patrick Moraz) at the Aquarius Studios in Geneva (Switzerland) and was finally released in January 1980 on the VERTIGO label, distributed by Phonogram.

The sound of this remastering is, simply, first-rate, taking great care in the digitization of the original analog recordings in late autumn 2024 and bringing out all the details that were lost in previous editions at the hands of the specialist Michael Brändli at the Hard Studios Winterthur in Switzerland, with the guidance and support of Urs Käch.

Ultimately, while Flame Dream did not invent the wheel, they were able to masterfully exploit the genre in a hostile era for progressive rock. This album, which sounds convincing and natural, is a true forgotten classic of symphonic prog, and the 2025 re-release is the perfect time to rediscover it. It's like manna from heaven for fans of the purest prog and, without a doubt, an album that will be on many of the year-end 'top tens.

En castellano:

La noticia de la reedición y remasterización de un clásico del rock sinfónico suizo como Elements de Flame Dream en pleno 2025 es, sin duda, un motivo de celebración para los nostálgicos y una excelente oportunidad para los recién llegados al mundo del 'prog' setentero. En su día, esta banda de teclados omnipresentes y sin guitarra se ganó un pequeño nicho de seguidores, y este disco de 1979 es considerado por muchos su mejor obra.

Lo que hacía a Flame Dream especial era, precisamente, su habilidad para evocar a los grandes del género sin el elemento principal del rock. Roland Ruckstuhl, al mando de los teclados, crea un muro de sonido que, en esta nueva versión, se siente más rico y pleno que nunca gracias a la remasterización. Su piano, que recuerda a las cascadas celestiales de Keith Emerson en piezas como "Take a Pebble", ahora suena aún más etéreo, y su Moog tiene un arpegio y presencia digno de los mejores Yes.

El álbum, un disco conceptual sobre los cuatro elementos, se abre con (1) "Sun fire", donde el majestuoso mellotrón y los sintetizadores crean un ambiente delicado y a la vez épico. A continuación, en (2) "Sea monsters", los más avezados notarán un motivo de Hammond que evoca a Genesis, aunque la banda añade su toque personal con un solo de sintetizador más adaptado y un ritmo algo irregular. La voz, que en ocasiones recuerda al Peter Gabriel de la época o al cantante de Fruupp, se mueve con soltura entre los pasajes instrumentales.

(3) "Earth song" es quizá la pieza más vanguardista del conjunto, con la flauta y el saxofón de Peter Wolf tomando más protagonismo, lo que le da un aire a Van der Graaf Generator y un ligero tinte Canterbury, aunque con la musicalidad de Happy the Man. El trabajo sigue con la joya de la corona, (4) "A poem of dancing", una composición elegante con pasajes de piano muy avanzados que, hacia el final, evoca a "Afterglow" de Genesis.

El álbum ELEMENTS fue originalmente grabado y mezclado analógicamente en 1979 por Jean Ristori (ex-miembro de MAINHORSE con Patrick Moraz) en los estudios Aquarius de Ginebra (Suiza) y finalmente fue publicado en enero de 1980 en el sello VERTIGO, distribuido por Phonogram.

El sonido de esta remasterización es, simplemente, de primer nivel, poniendo gran cuidado en la digitalización de las grabaciones analógicas originales a finales del otoño de 2024 y sacando a relucir todos los detalles que se perdían en ediciones anteriores de la mano del especialista Michael Brändli en los Hard Studios Winterthur de Suiza con la guía y soporte de Urs Käch.

En definitiva, si bien Flame Dream no inventó la rueda, supo exprimir el género de forma magistral en una época hostil para el progresivo. Este álbum, que suena convincente y natural, es un auténtico clásico olvidado del sinfónico, y la reedición de 2025 es el momento perfecto para redescubrirlo. Es como maná caído del cielo para los fans del prog más puro y, sin duda, un disco que estará en muchos de los 'top ten' de fin de año. 

Songs / Tracks Listing

1. Sun Fire (9:53)

2. Sea Monsters (13:31)

3. Earth Song (6:53)

4. A Poem of Dancing (13:10)

5. Savate? Nose (1:26)

Total Time 44:53

Line-up / Musicians

- Pit Furrer – kit drums, percussion

- Urs Hochuli – bass, bass pedals, voice

- Roland Ruckstuhl – grand-piano, organ, keyboards, tapes

- Peter Wolf – voice, flute, oboe, saxophones, percussion

Elements – CD-digipack | Flame Dream

Credits:

Music, arrangements, orchestration: Roland Ruckstuhl

except Earth Song: Roland Ruckstuhl/Peter Wolf

Lyrics:

SUN FIRE: written by Peter Wolf

SEA MONSTERS: a poem by Edmund Spenser

EARTH SONG: a poem by Ralph Waldo Emerson

A POEM OF DANCING: a poem by John Davies

Cover art: Urs Hochuli

Pit Furrer plays PAISTE cymbals and gongs

Analogue recordings: Jean Ristori

@Aquarius Studios Geneva/Switzerland – October 1979

Mixing: Jean Ristori@Aquarius – produced by FLAME DREAM

Original mastering vinyl LP: @Turicaphon and @PolyGram Dischi S.p.A.

Photos: Urs Hochuli/Wada Jossen

Copyright music/lyrics: SUISA 1979

Original release date LP: January 1980

Label: VERTIGO (Phonogram) STEREO 6326 976

Special thanks:

Jean Ristori, Patrick Moraz, Eroll Maibach, Nancy Meropi Ypsilantis Dupree, La Belotte/Geneva

Re-release CD-digipack – thanks:

Digital mastering: Michael Brändli/Hardstudios Winterthur/Switzerland

Coordination, guidance and support: Urs Käch/FLAME DREAM MUSIC

This album ELEMENTS is an independent production © 2025

Lars Fredrik Frøislie: "Quattro Racconti" (2025)

Lars Fredrik Frøislie – Quattro Racconti (2025)

¿Queda algo por decir del progresivo escandinavo de la vieja escuela? Pues sí. Lars Fredrik Frøislie vuelve a demostrarlo con Quattro Racconti, una versión completamente nueva —y en italiano— de su extraordinario debut Fire Fortellinger (2023).

Aquel primer disco ya fue toda una celebración del sinfonismo analógico más puro: Hammond, Mellotron, Moog, Chamberlin… una oda a la calidez y al detallismo de los años setenta, que bebía directamente de los clásicos pero con sello propio. Ahora, con Quattro Racconti, Frøislie da un paso más allá y convierte su homenaje en un verdadero acto de amor hacia el prog italiano, una de sus grandes pasiones.

El detonante fue la grabación de “Un posto sotto il cielo”, versión italiana de “Et sted under himmelhvelvet”, publicada en 2024 como vinilo de 10”. En ella, Frøislie contó nada menos que con Stefano “Lupo” Galifi, la voz legendaria de Museo Rosenbach. La química fue tal que, meses después, aprovechando una visita a Italia durante un festival de Wobbler, Lars y Galifi decidieron completar juntos el proyecto: grabar todas las voces del álbum en italiano.

El resultado es sencillamente impresionante.

El material mantiene la estructura y el espíritu del original, pero la interpretación de Galifi transforma por completo su carácter. Su voz, ligeramente rasgada pero llena de fuerza y alma, aporta una dimensión emocional y teatral que acerca el disco al universo mediterráneo de Banco, Le Orme o Museo Rosenbach, sin perder el sello nórdico, introspectivo y melancólico que distingue a Frøislie.

El propio Lars lo explica así:

“Cuando escribí Et sted under himmelhvelvet, imaginé una versión italiana con la voz de Galifi. Siempre ha sido uno de mis cantantes favoritos. Me emociona que haya aceptado cantar en este disco y que siga sonando igual de potente y lleno de alma que hace cincuenta años. Escuchar una voz que he amado toda mi vida interpretando mis propias canciones ha sido algo a la vez surrealista y profundamente conmovedor.”

Esa emoción se nota en cada nota. Quattro Racconti no es una simple traducción: es una reinterpretación completa, una nueva lectura que une la sensibilidad escandinava con la expresividad italiana. Los arreglos suenan más cálidos, más narrativos; los paisajes sonoros tienen un aire cinematográfico y casi espiritual.

Frøislie vuelve a demostrar su maestría con los teclados vintage, recreando atmósferas que podrían haber salido de un estudio de 1973, pero con una producción impecable y moderna. Cada instrumento está tratado con mimo, cada textura tiene sentido. Y la voz de Galifi eleva todo a otro nivel: el de la emoción pura.

En definitiva, Quattro Racconti es un encuentro entre generaciones y geografías, un puente entre los fiordos noruegos y los Apeninos italianos, entre la nostalgia y la renovación. Un trabajo que reafirma a Lars Fredrik Frøislie como uno de los grandes alquimistas del progresivo actual, y que nos recuerda que este género sigue vivo, evolucionando con respeto y pasión.

Grandioso trabajo.

Formación:

Lars Fredrik Frøislie – Hammond C3, Mellotron M400, Minimoog D, Chamberlin M1, Hohner Clavinet D6, spinet, Yamaha electric piano, ARP Axxe & Pro Soloist, Solina String Ensemble, Rhodes MKII, Wurlitzer 200, tremoloa (zither), flauta dulce, batería y voces.

Con:

Nikolai Hængsle – bajos eléctricos Fender y Rickenbacker

Stefano “Lupo” Galifi (Museo Rosenbach) – voz

Ring van Möbius: "Firebrand" (2025)

 Ring van Möbius – Firebrand (2025)

Firebrand | Ring Van Möbius

Ring Van Möbius – Firebrand (2025)

The Norwegians are back with Firebrand and, to be fair, this one sounds rather solid. They stick to their guns: that vintage prog spirit straight out of the early ’70s, full of Hammond warmth, Moog squiggles and a whiff of ELP, Crimson and VDGG. But the key point is, it doesn’t come across as a cheap pastiche. There’s genuine affection for the sound, and a sense of purpose.

The album kicks off at a leisurely pace, making it clear they’re not in a rush. Long passages, steady build-ups, and that curious feeling you’ve just stumbled upon some lost vinyl from ’73. The centrepiece, “Firebrand Suite”, does most of the heavy lifting: moody twists, symphonic swells, darker turns – all stitched together with a confidence that feels earned.

The strengths? Tight playing, a proper sense of drama, and a band that sounds truly locked-in. The drawbacks? At times they lean a little too heavily on the same tricks, and you might catch yourself glancing at the clock during certain stretches.

Still, if you’re after prog that’s proudly old-school, drenched in keyboards and utterly unashamed of sounding retro, this will do nicely. To my ears it’s a step up from their previous outing – more mature, more weighty. Just don’t come expecting cutting-edge innovation; Firebrand is all about nostalgia done right, and in that regard Ring Van Möbius nail it.

Recommended for those who still swoon over Trilogy, early Greenslade, or the darker corners of VDGG.

In spanish.

Los noruegos vuelven a la carga con Firebrand y, oye, la cosa suena bastante seria. Estos muchachos siguen en su línea de rescatar el progresivo setentero más añejo, ese que huele a Hammond calentito, a Moog analógico y a Crimson, ELP y compañía, pero sin sonar a copia barata. Aquí hay mimo, hay respeto y sobre todo hay ganas de sonar actuales dentro de ese marco.

El disco arranca con un corte que te deja claro que lo suyo no es la prisa. Pasajes largos, desarrollos que se cocinan a fuego lento y esa sensación de estar escuchando un vinilo perdido del 73. El tema largo, “Firebrand Suite”, es el corazón del trabajo, con sus quiebros, sus cambios de humor y esa manera tan suya de pasar de lo sinfónico a lo más oscuro sin que chirríe.

Lo bueno: suenan compactos, inspirados y con un punto de dramatismo que engancha. Lo no tan bueno: a veces da la impresión de que se recrean demasiado en los mismos recursos y puede que algún oyente acabe mirando el reloj.

Pero vamos, si te gusta el progresivo con sabor añejo, con teclados de verdad y sin miedo a sonar “anticuados”, este disco te va a dar muchas alegrías. A mí me ha parecido un paso adelante respecto a su anterior, más maduro y con más empaque. Eso sí, si esperas modernidad o riesgo extremo, aquí no lo vas a encontrar. 

Esto va de nostalgia bien entendida, y en eso Ring Van Möbius lo clavan.

Recomendado para los que aún suspiran con Trilogy de ELP, el primer Greenslade o las atmósferas más densas de VDGG. Escuchar Firebrand es como acercarse lentamente a una hoguera crepitante: primero percibes el calor lejano, después notas el fuego danzar en las brasas. Ring van Möbius ha creado en este disco un paisaje sonoro que arde en matices, no en estridencias.

01. Firebrand 09:33
02. The Fever 13:32
03. False Dawn 24:42

Músicos:

Thor Erik Helgesen: Vocals, Spectral Modular Synthesis System, Hammond L100, Steinway grand piano, Fender Rhodes piano, Yamaha upright piano, Mellotron, Yamaha YC-20, tape flanging, tape-loops through Korg MS20

Dag Olav Husås: Tubular bells, timpani, chimes, drums, glockenspiel, gong, cymbals

Håvard Rasmussen: Fender Electric Bass VI, Roland Space Echo, Moog Ring Modulator, Geilo flathead screwdriver, cello bow

Sigilu: "Beta" (2025)

Beta | Sigilu

Listening to Beta is like stepping into a mirror where distortion and silence reflect each other. Galician trio Sigilu have delivered a record that refuses to be background noise; it pulls you in, demands you walk its corridors, and leaves you with the echo of your own questions.

From the opening Neuropa, the music expands and contracts like a living organism. Guitars throb with urgency, the bass grinds as if chiselling stone, and the drums shift from heartbeat to earthquake in a matter of seconds. This isn’t virtuosity for its own sake, but a dialogue — a tension between collapse and rebuilding, between fury and contemplation.

The lyrics, sung in Spanish, cut through the layers of sound with disarming clarity. They speak of alienation, of a society drowning in mirrors and markets, of the struggle to remain human in an age that erases us with the flick of a screen. They don’t offer answers; instead, they leave wounds open, as art should.

Beta carries traces of Tool’s ritual intensity and The Mars Volta’s feverish dynamism, yet it avoids the trap of pastiche. What Sigilu achieve here is a sense of identity — progressive not as a nostalgic label, but as an act of resistance, of searching for new ways to tell stories through sound.

This is not an easy record. It resists immediacy, it pushes back against casual listening. But those who surrender to its weight will find themselves in a space both intimate and immense, where silence has as much power as noise. In the end, Beta is less an album and more a rite of passage: proof that Sigilu have crossed a threshold, and that whoever listens with open ears will not come back unchanged.

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La banda gallega Sigilu nos sorprende con Beta, su segundo trabajo largo tras Singularidad o barbarie (2017). Formados por Nacho Cuesta (guitarras y voces), Ángel Boquete (bajo) y Pablo Saavedra (batería), este trío demuestra que el progresivo español sigue vivo y con propuestas que se alejan de lo acomodaticio.

Estamos ante un álbum de unos 50 minutos repartidos en nueve cortes, que van desde los desarrollos largos y tensos hasta pasajes más breves y atmosféricos. Ya con el tema inicial, Neuropa, de más de ocho minutos, queda claro que aquí no se juega a lo inmediato: riffs pesados, ambientes densos y cambios de tempo que recuerdan a los Tool más hipnóticos, pero con un sello propio en la manera de introducir silencios y contrastes.

La música de Sigilu oscila entre la contundencia del hard rock moderno, la densidad del metal alternativo y la experimentación del progresivo. Hay ecos de The Mars Volta en los giros inesperados y en la electricidad casi caótica de algunos pasajes, pero también un gusto por la atmósfera oscura y repetitiva, que se convierte en un recurso expresivo más que en un adorno.

El bajo de Boquete tiene un peso central, no solo sosteniendo, sino marcando direcciones y tensiones. La batería de Saavedra resulta especialmente flexible, capaz de pasar de ritmos contenidos a explosiones con gran naturalidad. La guitarra de Cuesta, siempre cargada de efectos y distorsión, aporta el color dominante del disco, y su voz en castellano añade una cercanía poco habitual en el género.

En el aspecto lírico, Beta aborda la alienación contemporánea, la voracidad del mercado y la deshumanización tecnológica. No son letras complacientes ni fáciles; su tono crítico y a veces críptico encaja con la densidad de la música y potencia el conjunto.

La producción es notable: Arturo Vaquero, junto al propio Cuesta, consigue un sonido robusto y equilibrado, donde cada instrumento conserva su fuerza sin enmascarar al resto. También destaca el cuidado en el arte gráfico, en consonancia con la propuesta conceptual del álbum.

Beta no es un disco sencillo ni accesible a la primera escucha. Exige atención, paciencia y predisposición a dejarse llevar por climas oscuros y contrastes sonoros. Pero tras varias vueltas, se revela como un trabajo coherente, ambicioso y con identidad propia. Un paso adelante claro en la trayectoria de Sigilu, que se sitúa ya como una de las propuestas progresivas más interesantes de nuestro país.

Temas:

1. Neuropa 08:16

2. Gracias y Perdón 05:56

3. Sagitario A* 06:38

4. Tribu Virtual 04:26

5. Señal|Ruido 05:49

6. Lloviembre 05:00

7. [i.4] 05:26

8. Concursología 05:21

9. Epílogo 03:16

Músicos:

- Nacho Cuesta: Guitarras, voz

- Pablo Saavedra: Batería

- Ángel Boquete: Bajo