Ring van Möbius: "Firebrand" (2025)

 Ring van Möbius – Firebrand (2025)

Firebrand | Ring Van Möbius

Ring Van Möbius – Firebrand (2025)

The Norwegians are back with Firebrand and, to be fair, this one sounds rather solid. They stick to their guns: that vintage prog spirit straight out of the early ’70s, full of Hammond warmth, Moog squiggles and a whiff of ELP, Crimson and VDGG. But the key point is, it doesn’t come across as a cheap pastiche. There’s genuine affection for the sound, and a sense of purpose.

The album kicks off at a leisurely pace, making it clear they’re not in a rush. Long passages, steady build-ups, and that curious feeling you’ve just stumbled upon some lost vinyl from ’73. The centrepiece, “Firebrand Suite”, does most of the heavy lifting: moody twists, symphonic swells, darker turns – all stitched together with a confidence that feels earned.

The strengths? Tight playing, a proper sense of drama, and a band that sounds truly locked-in. The drawbacks? At times they lean a little too heavily on the same tricks, and you might catch yourself glancing at the clock during certain stretches.

Still, if you’re after prog that’s proudly old-school, drenched in keyboards and utterly unashamed of sounding retro, this will do nicely. To my ears it’s a step up from their previous outing – more mature, more weighty. Just don’t come expecting cutting-edge innovation; Firebrand is all about nostalgia done right, and in that regard Ring Van Möbius nail it.

Recommended for those who still swoon over Trilogy, early Greenslade, or the darker corners of VDGG.

In spanish.

Los noruegos vuelven a la carga con Firebrand y, oye, la cosa suena bastante seria. Estos muchachos siguen en su línea de rescatar el progresivo setentero más añejo, ese que huele a Hammond calentito, a Moog analógico y a Crimson, ELP y compañía, pero sin sonar a copia barata. Aquí hay mimo, hay respeto y sobre todo hay ganas de sonar actuales dentro de ese marco.

El disco arranca con un corte que te deja claro que lo suyo no es la prisa. Pasajes largos, desarrollos que se cocinan a fuego lento y esa sensación de estar escuchando un vinilo perdido del 73. El tema largo, “Firebrand Suite”, es el corazón del trabajo, con sus quiebros, sus cambios de humor y esa manera tan suya de pasar de lo sinfónico a lo más oscuro sin que chirríe.

Lo bueno: suenan compactos, inspirados y con un punto de dramatismo que engancha. Lo no tan bueno: a veces da la impresión de que se recrean demasiado en los mismos recursos y puede que algún oyente acabe mirando el reloj.

Pero vamos, si te gusta el progresivo con sabor añejo, con teclados de verdad y sin miedo a sonar “anticuados”, este disco te va a dar muchas alegrías. A mí me ha parecido un paso adelante respecto a su anterior, más maduro y con más empaque. Eso sí, si esperas modernidad o riesgo extremo, aquí no lo vas a encontrar. 

Esto va de nostalgia bien entendida, y en eso Ring Van Möbius lo clavan.

Recomendado para los que aún suspiran con Trilogy de ELP, el primer Greenslade o las atmósferas más densas de VDGG. Escuchar Firebrand es como acercarse lentamente a una hoguera crepitante: primero percibes el calor lejano, después notas el fuego danzar en las brasas. Ring van Möbius ha creado en este disco un paisaje sonoro que arde en matices, no en estridencias.

01. Firebrand 09:33
02. The Fever 13:32
03. False Dawn 24:42

Músicos:

Thor Erik Helgesen: Vocals, Spectral Modular Synthesis System, Hammond L100, Steinway grand piano, Fender Rhodes piano, Yamaha upright piano, Mellotron, Yamaha YC-20, tape flanging, tape-loops through Korg MS20

Dag Olav Husås: Tubular bells, timpani, chimes, drums, glockenspiel, gong, cymbals

Håvard Rasmussen: Fender Electric Bass VI, Roland Space Echo, Moog Ring Modulator, Geilo flathead screwdriver, cello bow

Sigilu: "Beta" (2025)

Beta | Sigilu

Listening to Beta is like stepping into a mirror where distortion and silence reflect each other. Galician trio Sigilu have delivered a record that refuses to be background noise; it pulls you in, demands you walk its corridors, and leaves you with the echo of your own questions.

From the opening Neuropa, the music expands and contracts like a living organism. Guitars throb with urgency, the bass grinds as if chiselling stone, and the drums shift from heartbeat to earthquake in a matter of seconds. This isn’t virtuosity for its own sake, but a dialogue — a tension between collapse and rebuilding, between fury and contemplation.

The lyrics, sung in Spanish, cut through the layers of sound with disarming clarity. They speak of alienation, of a society drowning in mirrors and markets, of the struggle to remain human in an age that erases us with the flick of a screen. They don’t offer answers; instead, they leave wounds open, as art should.

Beta carries traces of Tool’s ritual intensity and The Mars Volta’s feverish dynamism, yet it avoids the trap of pastiche. What Sigilu achieve here is a sense of identity — progressive not as a nostalgic label, but as an act of resistance, of searching for new ways to tell stories through sound.

This is not an easy record. It resists immediacy, it pushes back against casual listening. But those who surrender to its weight will find themselves in a space both intimate and immense, where silence has as much power as noise. In the end, Beta is less an album and more a rite of passage: proof that Sigilu have crossed a threshold, and that whoever listens with open ears will not come back unchanged.

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La banda gallega Sigilu nos sorprende con Beta, su segundo trabajo largo tras Singularidad o barbarie (2017). Formados por Nacho Cuesta (guitarras y voces), Ángel Boquete (bajo) y Pablo Saavedra (batería), este trío demuestra que el progresivo español sigue vivo y con propuestas que se alejan de lo acomodaticio.

Estamos ante un álbum de unos 50 minutos repartidos en nueve cortes, que van desde los desarrollos largos y tensos hasta pasajes más breves y atmosféricos. Ya con el tema inicial, Neuropa, de más de ocho minutos, queda claro que aquí no se juega a lo inmediato: riffs pesados, ambientes densos y cambios de tempo que recuerdan a los Tool más hipnóticos, pero con un sello propio en la manera de introducir silencios y contrastes.

La música de Sigilu oscila entre la contundencia del hard rock moderno, la densidad del metal alternativo y la experimentación del progresivo. Hay ecos de The Mars Volta en los giros inesperados y en la electricidad casi caótica de algunos pasajes, pero también un gusto por la atmósfera oscura y repetitiva, que se convierte en un recurso expresivo más que en un adorno.

El bajo de Boquete tiene un peso central, no solo sosteniendo, sino marcando direcciones y tensiones. La batería de Saavedra resulta especialmente flexible, capaz de pasar de ritmos contenidos a explosiones con gran naturalidad. La guitarra de Cuesta, siempre cargada de efectos y distorsión, aporta el color dominante del disco, y su voz en castellano añade una cercanía poco habitual en el género.

En el aspecto lírico, Beta aborda la alienación contemporánea, la voracidad del mercado y la deshumanización tecnológica. No son letras complacientes ni fáciles; su tono crítico y a veces críptico encaja con la densidad de la música y potencia el conjunto.

La producción es notable: Arturo Vaquero, junto al propio Cuesta, consigue un sonido robusto y equilibrado, donde cada instrumento conserva su fuerza sin enmascarar al resto. También destaca el cuidado en el arte gráfico, en consonancia con la propuesta conceptual del álbum.

Beta no es un disco sencillo ni accesible a la primera escucha. Exige atención, paciencia y predisposición a dejarse llevar por climas oscuros y contrastes sonoros. Pero tras varias vueltas, se revela como un trabajo coherente, ambicioso y con identidad propia. Un paso adelante claro en la trayectoria de Sigilu, que se sitúa ya como una de las propuestas progresivas más interesantes de nuestro país.

Temas:

1. Neuropa 08:16

2. Gracias y Perdón 05:56

3. Sagitario A* 06:38

4. Tribu Virtual 04:26

5. Señal|Ruido 05:49

6. Lloviembre 05:00

7. [i.4] 05:26

8. Concursología 05:21

9. Epílogo 03:16

Músicos:

- Nacho Cuesta: Guitarras, voz

- Pablo Saavedra: Batería

- Ángel Boquete: Bajo

Bakelit: "No Fear of Drowning" (2025)

 

Bakelit – No Fear of Drowning (2025)

The Swedish group Bakelit returns in 2025 with No Fear of Drowning, an album that confirms the strength of a sound sitting somewhere between contemporary prog, post-rock, and sonic experimentation. If their debut drew attention for its freshness and boldness, this new release shows that the band has reached a remarkable level of compositional and conceptual maturity.

The record unfolds across six tracks that feel like movements of a single piece. From the opener “Below the Surface”, where clean guitars and ethereal atmospheres echo Carptree—unsurprising given the shared keyboardist, though here with a more introspective tone—to the extended “Undercurrents”, stretching past 15 minutes, the band strikes a balance between ambient passages and bursts of progressive energy.

Musically, Bakelit handle dynamics with ease: precise riffs, bass lines that add weight, and drumming that shifts seamlessly between restraint and power. The use of analog synthesizers gives the music an organic, retro feel, evoking both the pioneers of 70s symphonic prog and the modern sensibility of acts like Carptree or even shades of David Bowie.

Lyrically, the album takes water as a metaphor for transformation and resilience, exploring human fragility in the face of fear while also celebrating adaptability and flow. Tracks like “Tidal Memory” and “The Last Breath” provide a narrative thread that deepens the conceptual impact.

What stands out most about No Fear of Drowning is its refusal to indulge in the excesses often associated with the genre. Instead of gratuitous grandeur, the album offers an emotional journey driven by nuance and atmosphere. Some listeners may miss bolder twists or extreme technical displays, but the focus on clarity and emotional resonance makes this one of the most compelling progressive releases to emerge from Europe in 2025.

In Spanish...

El grupo sueco Bakelit regresa en el 2025 con "No Fear of Drowning", un trabajo que confirma la solidez de una propuesta situada entre el prog contemporáneo, el post-rock y la experimentación sonora. Si su debut despertó atención por la frescura y el riesgo, este nuevo álbum demuestra que la banda ha alcanzado un grado de madurez compositiva y conceptual notable.

El disco se articula en seis cortes que funcionan casi como movimientos de una misma obra. Desde la apertura con “Below the Surface”, donde guitarras limpias y atmósferas etéreas recuerdan a Carptree, no obstante en los teclados se encuentra un miembro del mismo, aquí suenan más introspectivos, hasta la extensa “Undercurrents”, que supera los 15 minutos, el grupo logra un equilibrio entre pasajes ambientales y estallidos de energía progresiva.

Musicalmente, Bakelit maneja con soltura la dinámica: riffs precisos, líneas de bajo que aportan cuerpo y una batería que oscila entre la contención y la contundencia. El uso de sintetizadores analógicos añade un carácter orgánico y retro, evocando tanto a los pioneros del prog sinfónico de los 70 como a la sensibilidad moderna de bandas como CarpTree o David Bowie.

En lo lírico, el álbum aborda el agua como metáfora de transformación y resiliencia, explorando la fragilidad humana frente al miedo, pero también la capacidad de fluir y adaptarse. Temas como “Tidal Memory” y “The Last Breath” dotan al conjunto de una narrativa cohesionada que potencia la experiencia conceptual.

Lo más destacable de No Fear of Drowning es que evita los excesos habituales del género: no busca la grandilocuencia gratuita, sino un viaje emocional sostenido por el detalle y la atmósfera. Si bien puede que algunos echen en falta giros más arriesgados o complejidad técnica extrema, la apuesta por la claridad y el impacto emocional convierte a este disco en uno de los lanzamientos más interesantes del prog europeo en 2025.

Temas:

1. From the Underground 07:49

2. Moment of Peace 05:15

3. We still hate you 06:23

4. Weak immature agressive 07:20

5. No Fear of Drowning 06:00

6. Bombs in My Head 06:25

Músicos:

- Carl Westholm – Electric piano, organ, synthesizers, bass, theremin, vocoder, and background vocals

- Öivin Tronstad – Lead and background vocals

- Cia Backman – Lead and background vocals

- Jonas Källsbäck – Drums

- Ulf Edelönn – Guitars

Flame Dreams : "Out In The Dark" (1981) Remastering (2025)

Con motivo de la reciente remasterización producida de forma independiente con la ayuda de Michael Brändli en Hardstudios, Winterthur (Suiza), vale la pena volver a detenerse en este trabajo originalmente publicado por VERTIGO (Phonogram) y que, pese al paso de los años, conserva un encanto particular dentro del rock sinfónico europeo.

Flame Dream, banda suiza poco conocida fuera de su país, se distinguió en sus inicios por una singularidad: carecían de guitarra eléctrica, recurso sustituido con instrumentos de viento —principalmente saxofón y flauta—, hasta que en "Out of the Dark" decidieron dar un giro e incorporar al guitarrista Dale Hauskins.

La música del grupo bebe directamente de las fuentes más clásicas del progresivo setentero, con influencias evidentes de Gentle Giant, Genesis y Yes, aunque en este álbum aparecen destellos que evocan también a Alan Parsons Proyects o incluso a Queen.

El disco se abre con la alegre (1) "Full Moon", pieza que me recuerda inevitablemente a la complejidad compositiva de "Knots" de Gentle Giant y en algo al "Pyramid" de Alan Parsons Projects. Le sigue (2) "Nocturnal Flight", balada con alta carga emotiva y estructura de música clásica, con similitudes a "Nous sommes du Soleil" de Yes.

El tema (3) "Out in the Dark" explora territorios algo más personales, aunque no exentos de guiños, la incorporación de vientos, nos trae recuerdos de "Firth Of Fifth" y no dejar de mencionar este toque jazz rock latino alegre del final. 

En (4) "Wintertime Nights" introducido a lo Alan Parsons Project, reaparece el homenaje a Gentle Giant, antes de dar paso a la suite final "Strange meeting", dividida en tres partes. Aqui es donde Flame Dream alcanza sus momentos más inspirados,desarrollos instrumentales que, aunque ingenuos en ocasiones, muestran un notable pulso sinfónico con reminiscencias a Genesis. Destacan especialmente las melodías recurrentes y el protagonismo de los teclados de Roland Ruckstuhl, inequívocamente cercanos al estilo de Tony Banks.

En conclusión, Out of the Dark es un trabajo curioso y entrañable: músicos virtuosos en la ejecución, pero con una cierta candidez en la escritura, que nos entregan una primera parte marcada por claras referencias a Gentle Giant y Yes, para desembocar en una suite sinfónica de espíritu muy Genesis. Una obra que, aun con cierta ingenuidad compositiva, resulta finalmente encantadora y cuya nueva remasterización permite redescubrirla con renovado brillo.

Temas:

1.- Full Moon (5:22)

2.- Nocturnal Flight (5:33)

3.- Out in the Dark (9:29)

4.- Wintertime Nights (4:04)

5.- Strange Meeting (16:34)

- Part One

- Kaleidoscope 

- Part two

Músicos

- Pit Furrer / drums, percussion, tapes

- Urs Hochuli / bass, bass pedals, vocals

- Roland Ruckstuhl / keyboards, sequencer, vocoder

- Peter Wolf / vocals, flute, saxophones, percussion

and

- Dale Hauskins / electric guitar

Credits:

Music, arrangements, orchestration: Roland Ruckstuhl

Lyrics:

FULL MOON: a poem by Robert Graves

NOCTURNAL FLIGHT: written by Peter Wolf

OUT IN THE DARK: a poem by Edward Thomas

WINTERTIME NIGHTS: a poem by Thomas Hardy

STRANGE MEETING: a poem by Wilfred Owen

Cover art: Urs Hochuli

Pit Furrer plays PAISTE cymbals and gongs

Special thanks: Dale Hauskins, Patrick Moraz, Jean Ristori, John Acock, Kevin Metcalfe

Rehearsals: @theEDEN mobile – summer 1980

Analogue recordings: John Acock and Jean Ristori

@Aquarius Studios Geneva/Switzerland – November 1980

Mixing: John Acock@Aquarius – produced by John Acock & FLAME DREAM

Original mastering vinyl LP: Kevin Metcalfe/Utopia Studios London

Photos: Urs Hochuli/Wada Jossen

Copyright music/lyrics: SUISA 1980

Original release date LP: January 1981

Label: VERTIGO (Phonogram) STEREO 6367 016

Re-release CD-digipack – thanks:

Digital mastering: Michael Brändli/Hardstudios Winterthur/Switzerland

Coordination, guidance and support: Urs Käch/FLAME DREAM MUSIC

This album OUT IN THE DARK is an independent production © 2025

Dream Theater: "Parasomnia" (2025)

  

The return of Mike Portnoy to Dream Theater had generated enormous expectations, but Parasomnia ultimately feels like the band chose to play it safe rather than take risks. Marketed as a concept album about sleep disorders, the narrative comes across as vague, and the songs—despite their length and supposed epic scope—often feel unnecessarily stretched.

Musically, the record delivers what one expects from Dream Theater: technical virtuosity, heavy riffs, lush keyboards, and sprawling progressive suites. However, much of the material sounds recycled from past ideas. The instrumental passages, far from surprising, tend to repeat overly familiar and predictable formulas.

James LaBrie’s vocals don’t do much to elevate things either. While there are moments where he fits the music, his range now feels increasingly limited, draining drama from a concept that demanded greater intensity. Even Portnoy, though energetic behind the kit, seems confined to an overly rigid script.

John Petrucci’s production is technically flawless, yet cold and sterile: everything sounds polished and meticulously controlled, but without the rawness or edge that once made the band such an unstoppable progressive force.

In the end, Parasomnia is a professional and well-executed record, but one lacking the creative spark that many fans hoped for from Portnoy’s much-hyped return. Dream Theater deliver the basics, but fail to excite or innovate. For some fans that may be enough, but for those expecting a work that would mark a bold new chapter in the band’s career, the result will likely feel disappointing.

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El regreso de Mike Portnoy a Dream Theater había generado enormes expectativas, pero Parasomnia deja la sensación de que la banda ha preferido apostar por la seguridad antes que arriesgar. Aunque se presenta como un álbum conceptual sobre los trastornos del sueño, la narrativa resulta algo vaga y las canciones, pese a su duración y pretensión épica, en ocasiones parecen estiradas más de lo necesario.

Musicalmente, el disco ofrece lo que se espera de Dream Theater: virtuosismo técnico, riffs pesados, teclados exuberantes y largas suites progresivas. Sin embargo, gran parte del material suena reciclado de ideas pasadas. Los pasajes instrumentales, lejos de sorprender, tienden a repetir fórmulas demasiado conocidas y previsibles.

Las voces de James LaBrie tampoco ayudan: aunque hay momentos correctos, su registro se percibe cada vez más limitado, lo que resta dramatismo a un concepto que pedía una interpretación más intensa. Incluso Portnoy, pese a aportar energía en la batería, parece atrapado en un guion demasiado rígido.

La producción de John Petrucci es impecable en lo técnico, pero transmite frialdad: todo suena pulido y controlado, sin el riesgo ni la crudeza que alguna vez hicieron de la banda una fuerza imparable dentro del progresivo.

En resumen, Parasomnia es un disco profesional y bien ejecutado, pero carente de la chispa creativa que muchos esperaban del “retorno histórico” de Portnoy. Dream Theater cumple con lo básico, pero no logra emocionar ni innovar. Para algunos fan será suficiente, pero para quienes buscaban una obra que marcara una nueva etapa en la carrera del grupo, el resultado puede sentirse decepcionante.

Temas:

1. In The Arms Of Morpheus [5:22]

2. Night Terror [9:53]

3. A Broken Man [8:30]

4. Dead Asleep [11:05]

5. Midnight Messiah [8:01]

6. Are We Dreaming? [1:25]

7. Bend The Clock [7:26]

8. The Shadow Man Incident [19:35]

A.C.T: "Eternal Winter" (2025)

 

A.C.T – Eternal Winter (2025)

On August 8, 2025, under the Actworld label, Swedish band A.C.T unveiled their latest work — a concise album running just over half an hour, released in the middle of a blazing summer yet centered thematically around winter landscapes and family ties.

The band remains true to their distinctive style, full of bright melodies, intricate vocal harmonies, and those cinematic and theatrical arrangements that have always set them apart. However, compared to their previous records, this new effort feels more restrained: there is less compositional risk, fewer abrupt rhythmic shifts, and a step away from the kind of grand symphonic statements that once defined their sound.

The result is a record that leans on melodic clarity and pop-prog elegance, while toning down the more overt progressive-metal edge. With this release, A.C.T seems to embrace maturity and expressive simplicity, keeping their identity intact yet favoring directness and charm over complexity.

                             

El 8 de agosto de 2025, bajo el sello Actworld, los suecos A.C.T presentaron su nuevo trabajo, un álbum breve, poco más de media hora, que llega con temas invernales y familiares en plena ola de calor de este verano 2025.

El grupo mantiene su estilo característico, con melodías luminosas, armonías vocales elaboradas y esos arreglos de aire cinemático y teatral que siempre han distinguido su propuesta. Sin embargo, frente a discos anteriores, se percibe un enfoque más sobrio: hay menos riesgo compositivo, menor presencia de cambios rítmicos abruptos y una renuncia a las grandes epopeyas sinfónicas.

El resultado es un trabajo más contenido y melódico, que se apoya en la elegancia pop-progresiva de la banda, dejando de lado la faceta más cercana al metal progresivo. A.C.T. parece optar aquí por la madurez y la sencillez expresiva, sin renunciar a su sello, pero apostando por la claridad y el encanto directo de las canciones.

Тemas:

• 01. Eternal Winter Intro (0:49)

• 02. The Family (3:51)

• 03. A New Beginning (3:27)

• 04. When Snow Was White (3:19)

• 05. Waiting for the Sun (3:07)

• 06. This Special Day (3:59)

• 07. Signs (4:00)

• 08. Home (7:32)

• 09. The Big Parade (2:23)

Line Up:

- Peter Asp / electric & synth basses

- Thomas Lejon / drums

- Ola Andersson / lead & backing vocals, electric & acoustic guitars

- Herman Saming / lead & backing vocals

- Jerry Sahlin / lead & backing vocals, synthesizers, sound effects

Ekzilo: "Quantum Phase Transition" (2025)

 

On April 18, 2025, Spanish band Ekzilo, led by José Ruiz, unveiled their second studio album, Quantum Phase Transition, released via Astronomy Recording Music.

This record stands out for its bold fusion of progressive rock, experimental metal, and Andalusian influences, resulting in a sound that feels both immersive and refreshingly distinctive.

Comprising six tracks, the album finds its conceptual core in the epic “Evolution”, a nearly 19-minute journey that serves as the backbone of the work. Personally, the highlight comes with “Dunas”, a heartfelt nod to the tradition of Andalusian rock.

Musically, Ekzilo weaves together electric and flamenco guitars, atmospheric keyboards, and dynamic percussion that shift seamlessly between shadowy intensity and melodic passages. The interplay of clean vocals and occasional growls adds further depth, giving the music a heightened emotional weight.

Vocalist Paula Rodríguez provides a commanding presence, her delivery bringing to life lyrics that meditate on death, personal transformation, and resilience. These themes entwine with the instrumentation to create an introspective and enveloping listening experience.

Quantum Phase Transition ultimately positions itself as a daring statement within today’s prog landscape, blending extreme metal, jazz fusion, and classic progressive rock touches. Admittedly, a few moments toward the end may lose some of the initial momentum, but the overall journey remains striking and memorable.

In the end, this is a work that challenges prog’s traditional formulas, offering an original, emotional, and adventurous sonic voyage.El 18 de abril de 2025, la banda española Ekzilo liderada por José Ruiz presentó su segundo trabajo de estudio "Quantum Phase Transition", bajo el sello Astronomy Recording Music. 

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Este álbum destaca por su combinación de rock progresivo, metal experimental y matices de la música andaluza, creando una propuesta sonora envolvente y distinta.

Conformado por seis composiciones, el disco tiene como eje central la épica “Evolution”, que se extiende cerca de 19 minutos y constituye el corazón conceptual del álbum. 

Yo me quedo sin dudarlo con el homenaje al rock andaluz en "Dunas".

Ekzilo mezcla guitarras eléctricas y flamencas, teclados que generan atmósferas profundas y una percusión dinámica que alterna entre momentos sombríos y pasajes melódicos. La incorporación de voces limpias y, en algunos momentos, guturales, aporta una capa emocional que intensifica la riqueza musical de la obra.

La vocalista Paula Rodríguez aporta un gran componente expresivo, con letras que exploran temáticas como la muerte, la transformación personal y la resiliencia. Estas historias se entrelazan con la música para ofrecer una experiencia introspectiva y envolvente.

Quantum Phase Transition se muestra como un disco audaz dentro del panorama progresivo, fusionando metal extremo, jazz fusión y pasajes de rock progresivo clásico. Hay que reconocer que algunas secciones pierden un poco de intensidad hacia el final

En resumen, el álbum representa un desafío a las fórmulas tradicionales del rock progresivo, ofreciendo un viaje sonoro original y lleno de emociones. 

Songs / Tracks Listing

1. Patibulum (9:10)

2. La fábrica de barro (6:25)

3. Dunas (9:09)

4. Brujería (9:13)

5. Evolution (18:50)

6. Epílogo (1:56)

Line-up / Musicians

- Paula Rodríguez / keyboards, vocals

- Jose Ruiz / electric & flamenco guitars

- Angel Veas / bass

- Abelix Tudela / drum