Más Allá de Nuestras Mentes Diminutas

Mis 30 mejores discos progresivos del 2011

2012-02-01T13:29:00.006+02:00

Aquí van mis mejores discos del 2011

1. Steven Wilson - Grace For Drowning
2. Beardfish - Mammoth
3. The Divine Baze Orchestra - Dead but dreaming
4. Wobbler - Rites At Dawn
5. Opeth - Heritage
6. Magic Pie - The Suffering Joy
7. Syndone - Melapesante
8. Neal Morse - Testimony Part 2
9. AKT - Blemmebeya
10. Moogg - Le Ore I Giorni Gli Anni
11. Wicked Minds - Visioni, Deliri E Illusioni
12. Arabs in Aspic 2 - Strange Frame in Mind
13. Höstsonaten - Summereve
14. White Willow - Terminal twilight
15. Paatos - Breathing
16. Le Orme - La Via Della Seta
17. Riverside - Memories in My Head
18. Senogul - III
19. Glass Hammer - Cor Cordium
20. The Tangent - COMM
21. Sithonia - La Soluzione Semplice
22. Nemo - R€volu$ion
23. DeWolff - Orchards/Lupine
24. Herba d’Hamelí - Girafes A Sibèria
25. Albatros - Ursus
26. Garden Wall - Assurdo
27. Glazz - Cirquelectric
28. Pandora - Sempre e Ovunque Oltre il Sogno
29. Varios: Decameron "Ten Days in 100 Novellas" (Parte 1)
30. Ignatius: "Lights From the Deep

... y ahora mi acostumbrado resumen disco por disco.

1. Steven Wilson - Grace For Drowning

Esa implicación o colaboración no mostrada en el tercer trabajo de BLACKFIELD, proyecto del cual ya ha anunciado su partida, esos momentos dedicados plenamente a mezclar los trabajos para la celebración del 40 aniversario de los albums de King Crimson, cierto punto de inflexión en determinado momento de su carrera con Porcupine Tree previo al In Absentia o quizás el redescubrimiento del jazz y su importancia en la música progresiva, todo esta dentro de este envoltorio llamado "Grace for Drowning", segundo trabajo en solitario de STEVEN WILSON, dedicado a experiencias cercanas a la muerte vividas especialmente por los casi ahogados.

Un buen trabajo de rock progresivo y otras hierbas, que no llega a ser ni mucho menos una obra maestra, pero si supera y con creces a su anterior trabajo “Insurgentes”, el cual me pareció muy difuso y "Recycling" a manera de "aprovecho la morralla de todo lo que no he editado en mis proyectos tanto personales como de colaboración que nadie se dará cuenta", en cambio aquí en "Grace for Drowning" se nota que se lo ha currado y de que manera.

No se si son las atmósferas misteriosas, trágicas, nostálgicas y filmicas o las rupturas brutales de ritmo en el momento mas inapropiado, no se si el uso de los chorus aquí y alla, quizás los arreglos y conducción orquestal por Dave Stewart, tal vez la gran cantidad de instrumentación o el extraño resultado que se da cuando mezclas músicos de jazz y de rock, pero lo cierto es que particularmente me gusta, tal vez mas su segundo CD, el cual encuentro mas arriesgado y tenebroso además el encontrarnos con la suite "Raider II" con sus mas de 23 minutos, dónde se da cita gran parte de todo lo que es capaz hoy en día de transmitir musicalmente Steven Wilson.

Lo que no es normal es que coincidiendo con este disco, ha sido editado la remasterización de a Starless and Bible Black y Larks Tongues in Aspic, haya colaborado en el nuevo trabajo de Opeth, grabado además un proyecto conjunto con el lider Mikael Åkerfeldt de Opeth y acabo el 2010 trabajando en su nuevo álbum como Bass Communion titulado "Cenotaph". ¿Tiene freno este hombre?

"Grace For Drowning’ es un intento por volver el aspecto jazz al rock progresivo".
Steven Wilson

2. BeardFish - Mammoth

No seria justo decir que la música de los suecos BEARDFISH en este su sexto album Mammoth deriva "en negativo" al Hard Rock, al Heavie o al Metal prog, ciertamente es un trabajo con mas ingrediente metálico que sus predecesores, es decir con mayor presencia de riffs guitarreros y de pasajes mas oscuros y enérgicos, así como una composición en su generalidad mas plana, menos cambiante, pero la esencia de la música de Beardfish continua latente, solo hay que deleitarse con el segundo tema "And The Stone Said: If I Could Speak" donde curiosamente se ha incluido la presencia de SAXO, que ciertamente no le sienta nada mal al rock de los suecos.

3. The Divine Baze Orchestra - Dead but dreaming

Realmente de lo que mas he disfrutado de este trabajo, es su frescura, originalidad y descaro a la hora de ofrecernos un rock progresivo, que a "grosso modo" se podría encasillar en el Heavie Prog, pero mas allá de esta etiqueta, los suecos de TDBO surcan varios estilos con una facilidad pasmosa, desde el Art Rock setentero, el rock sinfónico de unos Genesis con Peter Gabriel con el canterbury de unos Caravan.
En definitiva un trabajo fresco, original y sobretodo desenfadado con continuos cambios y una voz muy especial que imprime Oliver Eek, todo dentro de su manifiesta sencillez. ¿Porque por el mismo fin complicarse la vida?

4. Wobbler - Rites At Dawn

Los YES nórdicos, GENTLE GIANT dándose un paseo por los fiordos, la banda noruega WOBBLER reiventándose, incorporando a un cantante llamado Andreas Wettergreen Stromman Prestmo que tiene la voz casi calcada a la de Jon Anderson.
Premeditado o no la musica gira en torno a YES y GENTLE GIANT. ¿Que ha sido de los Wobbler de Hinterland? aquel sonido entre ANGLAGARD y ANEKDOTEN.... Tranquilos la esencia escandinava sigue ahí, a veces cuesta al estar debajo de una gran capa de influencias anglosajonas pero otras surgen con facilidad recordando su procedencia y personalidad.
Un álbum que seguro no defraudara a nadie a pesar de sus claras referencias y que os aseguro va ganando con el tiempo y las escuchas, no obstante hay tantos detalles que desgranar en sus excasos casi 46 minutos, que realmente saben a poco.

5. Opeth - Heritage

Si con Damnation dejaron mas que boquiabiertos, tanto en positivo a la parroquia prog como en negativo a sus fan mas acérrimos del Death metal, los suecos de Opeth comandados por Mikael Åkerfeldt, vuelven a "hacerla" con este Heritage, un trabajo sin voces guturales, sin descargas guitarreras y metaleras, con un sonido entre prog folk y proto-prog, como si de una dedicatoria al sello Vertigo se tratara, una composición sombría con sorprendentes cambios de ritmo, el Death con toques a jazz y a psicodelia, su tema homenaje heavie a Ronnie James Dio, además de la colaboración mas que evidente de Steven Wilson.

6. Magic Pie - The Suffering Joy

La banda noruega de Magic Pie siguen practicando un metal progresivo melódico, bañado de claras influencias de los clásicos del genero en los 70's pero con un sello particular y con referencias mas o menos palpables a Dream Theater, Shadow Gallery y Pain Of Salvation. Magic Pie ha hecho que vuelva a recobrar el interés perdido hace tiempo por el Metal progresivo. Recomendado para los fan de este genero en su faceta mas melódica y épica.

7. Syndone - Melapesante

Romanticismo, melodía, expresión, introspección, teatralidad y un toque moderno encima de una base clásica del rock progresivo setentero italiano. Malpensante, es una obra de rock clásico de la vieja escuela progresiva italiana, basada en los teclados, ausente de guitarra eléctrica, sustituida por el vibrafono y la diversidad de teclados, instrumentos de viento y cuerda, con un protagonismo desmesurado pero brillante en la parte cantada, de la mano de Riccardo Ruggeri. No llego a entender porque tanta sencillez y pulcritud sonora puede resultar tan elegante y cautivadora respecto a una obra compleja y sobresaturada compositivamente hablando.

8. Neal Morse - Testimony 2

Neal Morse vuelve con un trabajo que aunque no vaya a destacar ni mucho menos por su originalidad o alto riesgo compositivo, si que estoy seguro que agradara a todos los seguidores del NEAL de las obras majestuosas, épicas, sinfónicas con grandes pasajes vocales e instrumentales, como sucediera curiosamente con la primera parte de este album Testimony 1, que coincidió con su marcha de Spock's Beard.
Este Testimony 2 solo hace que demostrar que Neal puede hacer todavía buen progresivo, sin repetirse o aburrir como hizo en sus dos anteriores trabajos.

9. AKT - Blemmebeya

Sorprendente segundo trabajo con sonido italiano clásico progresivo setentero pero con toques proto prog y modernos. Suena muy bien, fresco con buenas ideas, un sonido sorprendentemente maduro, con buenos arreglos, atmósferas y desarrollos instrumentales y con la voz del cantante que aunque no sea ni de lejos lo mas destacable, llegas al final a encajarlo en el concepto de la música de AKT... su voz me recuerda en alguna fase a Franco Battiato.
Destacan las fases electrónicas, no obstante el trío se ha defendido muy bien estos años atrás en este estilo, ahora su progresivo parece mas influenciado por King Crimson y Genesis, adoptan el jazz rock de unos por ejemplo Weather Report, la psicodelia de The Doors y como no la herencia de los grupos italianos setenteros.
El disco curiosamente se puede descargar gratuitamente a través de su web (y los anteriores).
http://www.abstrakt.it/

10. Moogg - Le ore i giorni gli anni
Los caravan italianos, buen prog canterburiano y clasico de esta banda italiana procedente de Brescia, poderosa sección ritimica y temas muy bien trabajados. Un grandisimo descubrimiento de última hora.

11. Wicked Minds - Visioni, Deliri E Illusioni

La banda de Hard prog piscodelica italiana Wicked Minds, homenajea en "Visioni, Deliri E Illusioni" al progresivo italiano setentero con temas de bandas tan representativas de aquella época dorada como Le Orme, Balletto DI Bronzo, Osanna, Delirium, New Trolls.
No tan solo se trata de covers, además de conseguir un sonido mas modernizado, cuentan con la colaboración de los propios protagonistas Lino Vairetti (Osanna), Martin Grice (Delirium), Sophya Baccini (New Trolls/Circus 2000), Aldo Tagliapietra (Le Orme), Antonio Bartoccetti (Dietro Noi Deserto, Antonius Rex, Jacula) y Stefano “Lupo” Galifi (Museo Rosenbach). Wicked Minds ha sabido escoger los temas mas apropiados a su forma de sonar Hard prog psicodelica.

12. Arabs in Aspic 2 - Strange Frame in Mind

ARABS in ASPIC (2) nos ofrecen una música influenciada básicamente de los 70's, stoner rock, rock sinfónico, piscodelico y Hard rock, a mi me viene a la mente escuchándolos grupos como Trettioåriga Kriget, Beardfish, primeros Pink Floyd y primeros King Crimson, época In the Court of the Crimson King. Si os va el HARD progresivo y sinfónico, el stoner rock, el Hammond y el mellotron y ese continuo respirar de finales de los 60 y comienzos de los 70's no dejéis de escuchar este disco.

13. Höstsonaten - Summereve

Tras varias escuchas de estos excasos 44 minutos instrumentales que dura el disco, creo que Fabio consigue un gran trabajo que podría compararse a Springsong por su intensidad y emotividad tanto en la composición, hilo conductor y ejecución instrumental, que se ve beneficiada por la gran cantidad variada de instrumentación aportada por los 10 músicos que le acompañan.
Si os va el sinfónico instrumental pastoral de una gran belleza y sensibilidad, no dejéis de escuchar este trabajo con referencias en Camel, Eris Pluvia, Mike Oldfield, Anthony Phillips, Finisterre.

14. White Willow - Terminal twilight

Un trabajo que no puede defraudar al fan de siempre de los noruegos White Willow, toques delicados, melancólicos y oscuros marca escandinava, con la estupenda voz de Sylvia Skjellestad y que decir de sus músicos, Mattias Olsson, bateria de Anglagard, el lider y compositor Jacob Holm-Lupo, el teclista Lars Fredrik Frøislie de Wobbler y destacar como invitado en el tercer tema "Kansas Regrets" a Tim Bowness de No-Man.

Para mi el mejor tema es "Searise" con sus 13 minutos, un tema de esos que aglutina toda la esencia y mejores momentos de un grupo, tampoco están nada mal el tema que abre el disco, "Hawks Circle the Mountain" con el toque inquietante, melancólico y misterioso con un mas que correcto pasaje instrumental, el cual predominara en el resto de temas por su calidad compositiva. La marcial, triste y sentimental "Snowswept" que bien pudiera encajar en los últimos trabajos de Paatos, el romantico tema "Kansas Regrets" made in Tim Bowness (No Man) y por último destacar la épica "Natasha of the Burning Woods" con un cierto toque a lo Mike Oldfield.

No es mejor ni peor que sus primeros trabajos (ejemplo Ex Tenebris o Sacrament), es diferente por su modernidad y acercamiento "tímido" al post rock, pero la banda de Jacob Holm Lupo no podrá defraudar a nadie, sigue ofreciéndonos como mínimo buena música y como no con la dulce y encautivadora voz de Sylvia, a la cual añoramos desde que Trude Eitang participo en Signal to Noise.

15. Paatos - Breathing

Nuevo álbum de la banda sueca Paatos, compuesto por 12 temas de corte mas sencillo que sus precedentes trabajos pero no por ellos menos elaborados, notándose además una madurez en el sonido, sigue destacando la maravillosa y seductora voz de Petronella Nettermalm y esas influencias entre unos Anekdoten, Landberk y Anekdoten. En resumen, la banda sueca Paatos vuelven a deleitarnos con su estilo "post-rock melancólico" bajo el sello característico escandinavo. No creo que este trabajo defraude a nadie que haya seguido la carrera musical de Paatos en estos años, si bien es cierto que se han alejado de sonidos heredados de Landberk, de hecho ya no queda nadie de la banda tras la marcha de Reine Fiske y Stefan Dimle, apuestan por un sonido propio dentro de la nueva escena post rockera.

16. Le Orme - La Via Della Seta

Primer trabajo en estudio de la remodelada banda italiana LE ORME sin Aldo Tagliapietra y Tony Pagliuca y bajo las ordenes del batería Michi Dei Rossi junto al renombrado fichaje del cantante Jimmy Spitaleri (Metamorfosi), que curiosamente aparece como invitado y no como fijo de la banda, el que si lo esta es el bajista Fabio Trentini y otros invitados como William Dotto a la guitarra y el jovenzuelo Federico Gava a los teclados.
Pues bien LA VIA DELLA SETA, obra conceptual basada en el camino de 8.000 kms entre China, Roma y Venecia que hizo famoso Marco Polo, ha sido compuesta mayoritariamente por el teclista MICHELE BON que lleva en el grupo desde los 90's, su sonido podríamos emparentarlo en los últimos trabajos de LE ORME como ELEMENTI (tiene todos los elementos característicos de la banda) y posteriores trabajos editados desde el 2001 con letra escrita en esta ocasión por Maurizio Monti
En definitiva un estupendo disco, que sin ser ni mucho menos como lo mejor de LE ORME, indudablemente se deja escuchar y porque no disfrutar, eso si dejando de lado inútiles polémicas de si se nota o no que faltan Aldo y Tony.

17. Riverside - Memories in My Head (EP)

Para celebrar su décimo aniversario y nueva gira (no pasaran por España), los polacos de Riverside lanzan este EP compuesto por tres temas que forman una suite de una media hora de duración, no esta nada mal, vuelven con los temas largos, atmosféricos, momentos oscuros y cargados a lo Anathema.. algo de Pink Floyd, por ponerle una pega... quizás el asuntillo de las melodías / armonías deberían trabajarlas mas, se repiten un pelin.

18. Senogul - III

Un trabajo que recoge el testigo progresivo traspasado de su álbum debut, pero que además viene enriquecido musicalmente hablando, por las vivencias y aprendizaje de cada uno de sus músicos en proyectos precedentes, tanto en solitario como en grupo. Se refleja y traduce en un trabajo que no solo sobresale en una mayor madurez musical sino además en un elaborada y esmerada producción del disco, con un amplio registro y detalles sonoros donde tiene cabida casi todo.
Encontramos de nuevo, como claras señas de identidad en SENOGUL, la experimentación y ese espíritu libre de su forma de componer. Hay componentes fijos como el sonido étnico, la tímbrica, la variedad percusiva, el jazz, el canterbury, el RIO, el rock andaluz... todo esto forma parte de un concepto ecléctico que hace difícil encasillar su apuesta y consecuentemente abre un gran abanico de posibilidades de llamamiento a un tipo de progfan muy heterogéneo.
... en definitiva, estamos sin duda ante uno de los mejores trabajos progresivos realizados en nuestro país desde hace mucho tiempo, SENOGUL creo que ha encontrado un estilo y sonido personal y propio. Lo que queda claro a partir de este III álbum es que el futuro de SENOGUL es mas que prometedor.

19. Glass Hammer - Cor Cordium

Un año después de la edición de "IF", vuelve la banda americana de Steve Babb y Fred Schendel a escena con este album titulado "COR CORDIUM" - Corazón de Corazones - con un sonido si cabe mas YES e intimista / romántico que sus predecesores trabajos. Repiten diseñador de la portada obra de Tom Kuhn de Designerloge y de cantante Jon Davison, al cual curiosamente lo descubrieron en Youtube, una voz muy parecida a la de Jon Anderson y una historia paralela a la que le sucedio al canadiense Benoit David, actual cantante de YES.
Si "IF" suposo el retorno a las raices musicales de Glass hammer, este Cor Cordium es la prolongación y diria yo que la confirmación absoluta del objetivo a sonar a YES. Escuchar la voz de Jon Davison ya no solo puede recordar a Jon Anderson sino incluso a la de Benoit David y es que ademas hasta ciertos fragmentos pueden hacer pensar que tanto el Fly from Here como Cor Cordium tiene algo mas que parecido.
En definitiva un trabajo que mantiene el "savoir faire" de IF. Glass Hammer, quizás sus mas que claras referencias e influencias en YES le puede restar mérito, pero otros grupos lo hacen también y parece no importar demasiado.

20. The Tangent - COMM

Para mi, un disco que retoma las buenas maneras de componer, sigue sonando a rock sinfónico clásico (The Flower Kings en su vertiente mas cercana a Pink Floyd y Yes) y canterburiano a lo Caravan con la voz a lo Peter Hammill (VDGG), respecto a sus anteriores trabajos suena un pelin mas heavie pero este factor le cae como anillo al dedo.

21. Sithonia - La soluzione Semplice

Tras trece años inactivos, Sithonia vuelve con el álbum "La soluzione semplice". Su apuesta musical viene a ser un compendio de rock clásico anglosajón con el rock clasico italiano de los 70's, en bastantes momentos se les podría compara con bandas como CAP o La Maschera di Cera y en la parte anglosajona a Genesis. Destacar la presencia de dos teclistas como son Oriano Dasasso al piano y Paolo Nannetti en el organo y mellotron.

El resultado de La Soluzione Semplice es un rock progresivo sencillo, sin grandes pretensiones, pero efectivo, en cuanto las melodías y armonías, no pueden de ninguna manera defraudar al fan del progresivo italiano de los 70's. Yo destacaría los pasajes instrumentales bien realizados y en los momentos mas oportunos.

22. Nemo - R€volu$ion

Con Révolu$ion NEMO vuelve a ofrecernos su lado mas imaginativo en cuanto a composición, retrovandose de nuevo con el buen hacer de sus primeros discos. La música la definiria como una mezcla de Neo progresivo con toques de Metal prog o viceversa, con pinceladas a Pink Floyd con el añadido de las letras cantadas en su idioma original el francés.
En resumen, los NEMO vuelven a recobrar el buen prog ecléctico que nos ofrecieran antaño, si os gusta el Metal prog épico light con aderezos de NEO y las obras conceptuales, no dejéis de oír este álbum, seguro que nos os defraudara

23. DeWolff - Orchards/Lupine

Este trío holandés, dos de ellos hermanos, nos ofrecen en este trabajo titulado "Orchards / Lupine" un rock pogresivo Hard blues psicodelico, que hacen recordarme a los Blackmountain mas stoneros y también algo de Beardfish e Hypnos 69. Si os va el asunto retro entre lo psicodelico, el hard prog y el stoner, este trabajo no os defraudara.

24. Herba d’Hamelí - Girafes A Sibèria

Gran trabajo prog-sinfónico de los catalanes Herba d'Hamelí, un trabajo mas compacto y mas elaborado en mi opinión que su álbum debut, siguen ofreciendonos un rock sinfónico tradicional con influencias en el rock laietano de Iceberg y los Camel época carteburiano y sinfónica, entre otros grupos. Hecho en falta en este disco la flauta travessera y sigo en mis trece que me gustaria que la voz estuviese mas acorde con la música.

25. Albatros - Ursus

Bajo el sello frances Musea Parallele, la banda ALBATROS nos muestra ya una madurez musical y un enfoque mas cercano al progresivo que en sus anteriores trabajos, estos mas cercanos a la psicodelia. La música de Albatros navega cruzando constantemente el delgado filo de la frontera del Hard Rock y el Rock Progresivo, teniendo como máximas influencias a Pink Floyd, Extremoduro, Deep Purple, Porcupine Tree y otras hierbas.
Un trabajo realmente inspirado y maduro que refleja las inquietudes setenteras de la banda igualadina que consolida en este URSUS un prometedor futuro y demostrándonos que aun hay cantera en este nuestro pequeño terruño.

26. Garden Wall - Assurdo

La banda italiana GARDEN WALL nos ofrecen en "ASSURDO" una obra ambiciosa y difícil de encasillar, donde predominan los sonidos experimentales y extraños, mucho riesgo compositivo especialmente en la construcción de los ritmos y las armonías, voces teatrales. Fusión de estilos, desde el Avant Math, el Trash metal, el ambient, el Death Metal. el Funk. el Jazz, electronica extrema, el Post-rock, BSO de terror y ciertos sonidos étnicos, dan como resultado un trabajo difícil de digerir a la primera pero cautivadora en escuchas posteriores, música en definitiva vanguardista y contemporánea, un auténtica experiencia para el oído.
Experimentación, caos musical y letras en ingles e italiano se desarrollan en los 10 temas que forman parte de este fin de la trilogía, el quinteto se ha hecho acompañar de varios colaboradores que han aportado básicamente instrumentos de viento como la flauta y de cuerda como el cello, el violín así como abundante percusión y teclados
Resultando difícil su apuesta musical y mas tocando tantos palos, la continua experimentación en la voz, propio de la escuela de Demetrio Stratos, quizás y repito en un primer escucha puede tirar para atrás, pero a medida que el oído se acostumbra y entran los demás sentidos, la obra de Garden Wall se convierte en cautivadora, por su originalidad, frescura, poseía y transmisión de imágenes,

27. Glazz - Cirquelectric

El trio portuense GLAZZ vuelven a ofrecernos su particular visión de fusión de estilos musicales como el Funk, el rock sinfónico, el flamenco y los ritmos étnicos siempre con base en el Jazz Rock además en sus actuaciones en directo acompañados de la estética a través de la danza, los vídeos, las luces y el sonido.
GLAZZ nos presenta un espectáculo circense compuesto de un explosivo coctel de música donde se da cita el Jazz, el Rock, el pop, el Hard, el Flamenco, lo latino, lo étnico y como no el Rock Sinfónico, cercana en bastante ocasiones a los parámetros marcados por el Rock Laietano, eso si... salvando las distancias.

28. Pandora - Sempre e Ovunque Oltre il Sogno

En este trabajo prácticamente instrumental, nos hallamos ante esa mezcla de orquestación a lo New Trolls, con lo sinfónico tipo Yes y Genesis, el metal prog digamos a Dream Theater y un toque melódico distintivo italiano que solo saben darle ellos, como no. Resalta el protagonismo de los teclados, no obstante tenemos a dos componentes Beppe y Corrado en estas funciones. Huelga decir que no hay guitarras eléctricas.
En resumen, "Sempre E Ovunque Oltre Il Sogno" nos muestra un MIX de diferentes estilos, con sus altibajos pero en su generalidad creo que puede gustar tanto a los fan del clásico progresivo italiano como los que aceptan la modernidad en el progresivo de siempre.

29. Varios: Decameron "Ten Days in 100 Novellas"

Como nos tiene acostumbrados Colossus Projects y Musea Records a finales del 2011 publicaron un disco cuádruple basado en el Decameron de Boccaccio, donde podemos disfrutar de temas expresamente escritos y compuestos para la ocasión por bandas como La Coscienza Di Zeno, Nexus, los italianos Pennelli Di Vermeer y Faveravola, el sorprendente descubrimiento de Posto Blocco 19, nuestros paisanos asturianos Senogul, los sorprendentes Rhys Marsh, los holandeses Trion y los griegos Ciccada.

30. Ignatius - Lights From the Deep

Banda barcelonesa formada por Toni Castarlenas y Ricardo Boya. En su album debut "Lights From the Deep", nos muestran un rock progresivo clásico ecléctico cercano a los parámetros mas actuales del Neo progresivo con ese toque moderno heavie y un sabor especial a los Pink Floyd mas sinfónicos. Buenos pasajes instrumentales. En resumen Ignatius no innova ni aporta nada nuevo al mundo sinfoprogresivo, solo sus ganas de hacer buena música, con buenos arreglos, armonías y cuidadas instrumentaciones.

salu2
Juan

White Willow: "Terminal twilight" (2011)

2012-01-20T12:47:00.000+02:00

Un trabajo que no puede defraudar al fan de siempre de los noruegos White Willow, toques delicados, melancólicos y oscuros marca escandinava, con la estupenda voz de Sylvia Skjellestad y que decir de sus músicos, Mattias Olsson, bateria de Anglagard, el lider y compositor Jacob Holm-Lupo, el teclista Lars Fredrik Frøislie de Wobbler y destacar como invitado en el tercer tema "Kansas Regrets" a Tim Bowness de No-Man.

Para mi el mejor tema es "Searise" con sus 13 minutos, un tema de esos que aglutina toda la esencia y mejores momentos de un grupo, tampoco están nada mal el tema que abre el disco, "Hawks Circle the Mountain" con el toque inquietante, melancólico y misterioso con un mas que correcto pasaje instrumental, el cual predominara en el resto de temas por su calidad compositiva (flauta y teclados en especial).

La marcial, triste y sentimental "Snowswept" que bien pudiera encajar en los últimos trabajos de Paatos, el romantico tema "Kansas Regrets" made in Tim Bowness (No Man) y por último destacar la instrumental épica "Natasha of the Burning Woods" con un cierto toque a lo Mike Oldfield.

No es mejor ni peor que sus primeros trabajos (ejemplo Ex Tenebris o Sacrament), es diferente por su modernidad y acercamiento "tímido" al post rock, pero la banda de Jacob Holm Lupo no podrá defraudar a nadie, sigue ofreciéndonos como mínimo buena música y como no con la dulce y encautivadora voz de Sylvia, a la cual añoramos desde que Trude Eitang participo en Signal to Noise, por cierto han pasado ya 5 años desde entonces.

© Juan 2011

White Willow: "Terminal twilight" (2011)

Discografica: Termo Records (Europa) y The Laser Edge (USA)

Temas:

1. Hawks Circle the Mountain (7:09)

2. Snowswept (4:12)

3. Kansas Regrets (4:39)

4. Red Leaves (8:39)

5. Floor 67 (9:53)

6. Natasha of the Burning Woods (6:28)

7. Searise (13:10)

8. A Rumour of twilight (2:33)

Line-up / Musicians

- Jacob Holm-Lupo / guitars

- Lars Fredrik Froislie / keyboards

- Sylvia Skjellestad / vocals

- Mattias Olsson / drums

- Ketil Vestrum Einarsen / flutes, woodwinds

- Ellen Andrea Wang / bass

Invitados:

- Tim Bowness/vocals (3)
- David Lundberg/fender rhodes and wurlitzer (3), orchestration (2)
- Michael S Judge/ guitar solo (1)

Sithonia: "La Soluzione Semplice" (2011)

2012-01-02T12:38:00.000+02:00

Banda italiana procedente de Bolonga que lanzo su primer trabajo "lungo il sentiero di pietra" en 1989 y tras 9 años de actividad y cuatro albums en su haber, dejo aparcada su carrera musical para trece años después volver a retomarla con el álbum "La soluzione semplice" editado en este 2011.

La música de SITHONIA viene a ser un compendio de rock clásico anglosajón con el rock clasico italiano de los 70's, en bastantes momentos se les podría compara con bandas como CAP o La Maschera di Cera y en la parte anglosajona a Genesis. Destacar la presencia de dos teclistas como son Oriano Dasasso al piano y Paolo Nannetti en el organo y mellotron.

El resultado de La Soluzione Semplice es un rock progresivo sencillo, sin grandes pretensiones, pero efectivo, en cuanto las melodías y armonías, no pueden de ninguna manera defraudar al fan del progresivo italiano de los 70's. Yo destacaría los pasajes instrumentales bien realizados y en los momentos mas oportunos.

© Juan

Temas:

1. Treni di passagio (8:02)
2. Tornando (9:07)
3. Cronaca persa (22:02)
4. Il tram del topo (1:09)
5. La soluzione semplice (6:03)
6. Passeggiata (1:31)
7.Il vento di Nauders (11:38)

Musicos:

- Oria Cenecchi / Drums
- Oriano Dasasso / Piano, Synth
- Marco Giovannini / Vocals
- Roberto Magni / Mandolin, guitars, programming
- Paolo Nannetti / Mellotron, Organ
- Valerio Roda / Accoustic and electric bass

Glass Hammer: "Cor Cordium" (2011)

2011-12-08T14:25:00.001+02:00

Un año después de la edición de "IF", vuelve la banda americana de Steve Babb y Fred Schendel a escena con este album titulado "COR CORDIUM" - Corazón de Corazones - con un sonido si cabe mas YES e intimista / romántico que sus predecesores trabajos. Repiten diseñador de la portada obra de Tom Kuhn de Designerloge y de cantante Jon Davison, al cual curiosamente lo descubrieron en Youtube, una voz muy parecida a la de Jon Anderson y una historia paralela a la que le sucedio al canadiense Benoit David, actual cantante de YES.

Si "IF" suposo el retorno a las raices musicales de Glass hammer, este Cor Cordium es la prolongación y diria yo que la confirmación absoluta del objetivo a sonar a YES. Escuchar la voz de Jon Davison ya no solo puede recordar a Jon Anderson sino incluso a la de Benoit David y es que ademas hasta ciertos fragmentos pueden hacer pensar que tanto el Fly from Here como Cor Cordium tiene algo mas que parecido.

Lo cierto es que la continua cortina y solos de teclados de Fred Schendel hacen olvidar esta sensación, su sonido se acerca mas a los patrones de Emerson que a los de Wakeman, como la guitarra de Alan Shikoh nada tiene que ver con la de Steve Howe y me acuerdo cuando escribo esto de que en IF lo buscaba. Con todo, la sensación de "deja vu" yessesiana puede ser debida en mayor culpa a que se le ha dado rienda suelta en la composición al Sr. Jon Davison, ese final acústico y baladistico lo delata. Lo mas seguro es que me equivoque y tan solo se trate de sospechas, indudablemente infundadas.

Me quedo con el último tema "She, A Lonely Tower", un tema muy sinfónico, con buenas melodías y armonías, lo mas cercano a una mini-suite, donde lo intimista se entremezcla con pasajes bombisticos y algún destello country. Tampoco esta nada mal la oscuridad y complejidad de One Heart" o "Dear Daddy" aunque como ya he comentado se me hace dificil emparentar a Glass Hammer con lo acústico y con ese toque a balada, aunque la aparición entre medias de pasajes instrumentales muy a Yes y la participación de un violín y viola a cargo de dos invitados.

El resto de temas les falta algo de gancho para llegar a convencer del todo, el caso de "Nothing Box" mejoraría si las armonías fueran algo mas cautivadoras,

En definitiva un trabajo que mantiene el "savoir faire" de IF. Glass Hammer, quizás sus mas que claras referencias e influencias en YES le puede restar mérito, pero otros grupos lo hacen también y parece no importar demasiado.

Curioso que el batería Randall Williams no aparezca como titular sino como colaborador ¿?

Labirinto Di Specchi: "HANBLECHEYA" (2011)

2011-11-21T17:58:00.004+02:00

Labirinto Di Specchi es una banda procedente de Montepulciano, de la conocida Toscana italiana, muy cerca de Siena, Banda formada en el 2005 con una pretensión musical consistente en unir la música con la poesía, filosofía y las artes plásticas.

Hanblecheya significa en idioma Lakota de los indios Sioux americanos "el grito de la visión", la búsqueda individual por encontrar un camino y es que con HANBLECHEYA nos encontramos con un disco conceptual sobre la búsqueda de la visión a través del baile tribal alrededor del fuego.

Diría que es un disco esencialmente instrumental donde Paolo Carelli, conocido por ser el vocalista de la banda oscura italiana PHOLAS DACTYLUS pone su voz en forma de relato. la música diría que es una fusión de estilos como el rock progresivo clásico, Avant-Garde, Kautrock y el Post-Rock más actual, sonido basado en dos teclistas que crean unas atmósferas inquietantes, hipnóticas, rupturas caóticas de la guitarra, contenidos espacios para el prog metal. fondo instrumental nacido de la improvisación, música minimista y repetitiva en su rítmica psicodelica, algo parecido a lo realizado por Porcupine Tree en Signify.

Difícil destacar un tema en concreto, haciendo el esfuerzo diría que la tripleta formada por la misteriosa, caotica y onírica "Nel nulla etereo soggiogato dall'ignoto la mente si espande", seguida de la post-rockera furiosa y machacona "Purpurea" y por último la relajada acústica, minimalista"Follia" con unos teclados que me recuerdan vagamente a JM Jarre y su Oxigeno.

Un viaje visionario experimental y evocativo a través de la música y la poesía. Su discográfica Lizard Records los describe como "Porcupine Tree meets Pholas Dactylus?", quizás efectivamente haya un intento de unir los Porcupine Tree mas psicodelicos con las atmósferas mas oscuras de Pholas Dactylus..

Juan

Discografica: Lizard Records

Temas:

1. Eclissi pt. 1 - L'occio e la maschera (8:23)
2. La maschera della visione (5:58)
3. Fantasia (8:58)
4. Nel nulla etereo soggiogato dall'ignoto la mente si espande (7:01)
5. Purpurea (10:00)
6. Follia (19:12)
7. Eclissi pt. 2 - La genesi (9:36)

Total Time 69:08

Musicos:

- Gabriele Marroni / guitars
- Filippo Menconi / bass
- Andrea Valerio / piano, synth
- Raffaele Crezzini / drums, percussion
- Diego Armando Samo / keyboards, synth

Colaboraciones:

- Paolo Carelli / vocals, narration
- Michele Sanchini / cello
- Matteo Canestri / bass
- Lucio Pacchieri / drums
- Giovanni Ferretti / piano, synth

Garden Wall: "Assurdo" (2011)

2011-11-15T17:11:00.001+02:00

La banda Garden Wall inicio su andadura musical a finales de los 80's a través de Alessandro Seravalle, fue en 1993 cuando se edito su primer CD titulado "Principium" con una apuesta claramente Neo progsinfonica y no tardo mas de un año en salir su segundo CD "Path of Dreams" donde ya se observo un pequeño cambio en su forma de entender la música, pero por supuesto nada comparable con la agresividad y rotura rítmica de su tercer CD titulado "Chimica".

En 1997 sale editado “Chimica” con una forma especial de entender el Metal Progresivo. En el 2000 Garden Wall autoproduce una demoCD titulada "Aliena (c) ción" con una música mas enfocada a la experimentación y fusión de sonidos con un transfondo Heavie. En el 2001 a través de Mellow Recods edita su quinto CD “Forget the Colours” donde vuelven a experimentar con fusiones entre el Metal extremo, prog clasico, contemporaneo y ethno jazz rock.

El sexto CD se llamara “Towards the Silence” editado en el 2004 como una especie de segunda parte pero algo mas digerible que “Forget the Colours”. En el 2008 Mellow Records edita aquellos tres temas que formaron parte de la demoCD del 2000 mas algún tema grabado en directo para dar forma a “Aliena(c)tion” y finalmente este año sale la tercera parte de la trilogia formada por “Forget the Colours” y “Towards the Silence”

El Disco:

La banda italiana GARDEN WALL nos ofrecen en "ASSURDO" una obra ambiciosa y difícil de encasillar, donde predominan los sonidos experimentales y extraños, mucho riesgo compositivo especialmente en la construcción de los ritmos y las armonías, voces teatrales. Fusión de estilos, desde el Avant Math, el Trash metal, el ambient, el Death Metal. el Funk. el Jazz, electronica extrema, el Post-rock, BSO de terror y ciertos sonidos étnicos, dan como resultado un trabajo difícil de digerir a la primera pero cautivadora en escuchas posteriores, música en definitiva vanguardista y contemporánea, un auténtica experiencia para el oído.

Detalles:

Experimentación, caos musical y letras en ingles e italiano se desarrollan en los 10 temas que forman parte de este fin de la trilogía, el quinteto se ha hecho acompañar de varios colaboradores que han aportado básicamente instrumentos de viento como la flauta y de cuerda como el cello, el violín así como abundante percusión y teclados

De entrada "Iperbole" ya transmite esa inquietud y ganas de sorprender de Garden Wall, un tema delirante, caótico con toques orientales y escasas ráfagas de Metal progresivo pero sobre todo rupturas radicales de ritmo con voces de fondo de tono tenebrosos, el siguiente paso "Butterfly Song" comienza con la melancolía transmitida por el violín, en cierta forma me recuerdan a los Hostsonaten mas arriesgados, pero esto es solo un espejismo, la discontinuidad rítmica los ataques impetuosos enfurecidos de Trash metal y esa continua atmósfera tenebrosa a raiz de las voces tratadas vuelven a ponernos en su sitio.

Trasfiguratofunky como bien dice su titulo nos emerge en sonidos FUNK, especialmente por la sección ritmica, fusionados con sonidos percusivos de la mano de Andrea Fontana, mucha rítmica, congas a cargo del invitado Pietro Sponton y momentos tribales con la intervención de dos teclistas como son Cristina Rigano y Giorgio Pacorig, llega "Negative"con un transfondo ambient que me recuerdan en algo al grupo OSI, como mínimo resulta relajante antes tanta locura mostrada precedentemente, interviene Flavia Quass en la voz. "Just Cannot Forget" te llega a noquear con su sin sentido completamente experimental, "Flash" entra con dobles voces con su sentido musical extraño, los fraseos metal extremos y cortos pasajes de calma aparente.

Seguimos con "Clamores Horrendos Ad Sidera Tollit" y mas tarde "Vacuum Fluctuation" otro tema experimental, con voces tenebrosas, ritmos orientales y el violin de Simone D'Eusanio.

"Re-Awakening" tiene un poco de todo pero su construcción mas convencional lo hace mas entendible, destaca la presencia el Cello de Mariano Bulligan que trabajara ya con Alessandro en el proyecto de danza y electrónica llamado Agrapha Dogmata y la flauta de Massino de Mattia y como no el piano de Alessandro Bertoni, artista acostumbrado a la fusión, funk, nu-jazz y lo que concierna al progresivo, la flauta y el Avant math. Acaba este disco con "Isterectomia" poseia de negación y mucha percusión en su ambiente siniestro y oscuro.

Resultando difícil su apuesta musical y mas tocando tantos palos, la continua experimentación en la voz, propio de la escuela de Demetrio Stratos, quizás y repito en un primer escucha puede tirar para atrás, pero a medida que el oído se acostumbra y entran los demás sentidos, la obra de Garden Wall se convierte en cautivadora, por su originalidad, frescura, poseía y transmisión de imágenes,

Juan

Discografica: Lizard Records

Temas:
1. Iperbole (6:21)
2. Butterfly Song (8:31)
3. Trasfiguratofunky (7:31)
4. Negative (7:03)
5. Just Cannot Forget (2:25)
6. Flash (5:23)
7. Clamores Horrendos Ad Sidera Tollit (6:49)
8. Vacuum Fluctuation (8:04)
9. Re-Awakening (8:03)
10. Isterectomia (7.26)

Musicos:

- Alessandro Seravalle: vocals, electric, acoustic, e-bow & 12-string guitars, synths, keyboards, samples
- Raffaello Indri: electric lead guitars
- William Toson: fretted & fretless bass guitars
- Ivan Moni Bidin: drums
- Gianpietro Seravalle: electronic percussion, soundscapes

Invitados:

- Alessandro Bertoni: piano (9)
- Cristian Rigano: synth solos (3)
- Giorgio Pacorig: keyboards (3)
- Davide Casali: bass clarinet (5)
- Mariano Bulligan: cellos (9)
- Simone D'Eusanio: violin (1, 2, 8)
- Massimo De Mattia: flute (9, 10), bass flute (10)
- Flavia Quass: vocals (4)
- Pietro Sponton: congas (3), vibraphone (4)
- Andrea Fontana: percussion (4)
- Jacques Centonze: percussion (8)
- Carlo Franceschinis: double bass (8)

Sithonia – La Soluzione Semplice (2011)

2011-10-29T14:27:00.000+03:00

Temas:

1. Treni di passagio (8:02)
2. Tornando (9:07)
3. Cronaca persa (22:02)
4. Il tram del topo (1:09)
5. La soluzione semplice (6:03)
6. Passeggiata (1:31)
7.Il vento di Nauders (11:38)

La veterana banda italiana SITHONIA nos ofrece un prog clasico italiano con cierto parecido a La Maschera di Cera, pero sin llegar a la fuerza y oscurismo de estos.
Para fan del prog italiano.

Juan

Steven Wilson: "Grace for Drowning" (2011)

2011-10-17T16:48:00.001+03:00

Esa implicación o colaboración no mostrada en el tercer trabajo de BLACKFIELD (compuesto 100% por Aviv (Geffen), esos momentos dedicados plenamente a mezclar los trabajos para la celebración del 40 aniversario de los trabajos de King Crimson, cierto punto de inflexión en determinado momento de su carrera con Porcupine Tree previo al In Absentia o quizás el redescubrimiento del jazz, todo esta dentro de este envoltorio llamado "Grace for Drowning", segundo trabajo en solitario de STEVEN WILSON, dedicado a experiencias cercanas a la muerte, especialmente por ahogados.

Un buen trabajo de rock progresivo y otras hierbas, que no llega a ser ni mucho menos una obra maestra, pero si supera y con creces a su anterior trabajo “Insurgentes”, el cual me pareció difuso y mas un "aprovecho la morralla de todo lo que no he editado en mis proyectos tanto personales como de colaboración", aquí en "Grace for Drowning" se lo ha currado y de que manera.

No se si las atmósferas misteriosas, trágicas, nostálgicas y filmicas o las rupturas brutales de ritmo en el momento mas inapropiado, no se si los chorus, quizás los arreglos y conducción orquestal por Dave Stewart, tal vez la gran cantidad de instrumentación o el extraño resultado que se da cuando mezclas músicos de jazz y de rock.

Particularmente me gusta mas su segundo CD, mas arriesgado y tenebroso ademas que nos hallamos ante la suite "Raider II" con sus mas de 23 minutos.

Lo que no es normal es que coincidiendo con este disco, ha sido editado la remasterización de a Starless and Bible Black y Larks Tongues in Aspic, haya colaborado en el nuevo trabajo de Opeth, grabado ademas un proyecto conjunto con el lider Mikael Åkerfeldt de Opeth y acabo el 2010 trabajando en su nuevo album como Bass Communion titulado "Cenotaph". ¿Hay quien pueda mas?

"Grace For Drowning’ es un intento por volver el aspecto jazz al rock progresivo".
Steven Wilson

juan

The Divine Baze Orchestra: "DEAD BUT DREAMING" (2011)

2011-10-10T16:05:00.000+03:00

The Divine Baze Orchestra es un grupo sueco formado en el 2003, tras su album debut "Once We Were Born..." del 2007, vuelven renovados en este 2011, principalmente causado por la toma de posesión como vocalista de Oliver EeK, cuestión que realmente y tras escuchar el primer disco, agradezco de forma sincera... en detrimento del ausente Alexander Frisborg, ademas cambio en los teclados y en el bajo lo que hace de TDBO en su faceta musical totalmente distinto.

Realmente de lo que mas he disfrutado de este trabajo, es su frescura, originalidad y descaro a la hora de ofrecernos un rock progresivo, que a grosso modo se podría encasillar en el Heavie Porg, pero mas allá de esta etiqueta, los suecos de TDBO surcan varios estilos con una facilidad pasmosa, desde el Art Rock setentero, el rock sinfonico de unos Genesis con Peter Gabriel con el canterbury de unos Caravan.

No podría destacar un tema en concreto, me fascinan prácticamente todos los temas, desde "Origins" con la voces tratadas de Oliver, otro tema"What mustn't be spoken" tiene ese sonido característico del proto prog y el Glam Rock de The Sensational Alex Harvey Band, "The cellar" suena a Caravan, contiene unos magníficos cambios rítmicos y de nuevo la voz tratada de Oliver en esta ocasión algo socarrona.

El tema "Lastly, lament" me recuerda a Blackmountain y en algún pasaje o intervención puntual a los madrileños Maroon(Ed). Pero la semblanza mas curiosa es el parecido razonable en alguna fase, como por ejemplo en "Flow/Unity" o incluso en la mencionada "Lastly, lament" a el Jazz rock andaluz de IMAN o CAI, especialmente en los teclados, muy similares a lo realizado por Marcos Mantero.

En definitiva un trabajo fresco, original y sobretodo desenfadado con continuos cambios y una voz muy especial que imprime Oliver Eek, todo dentro de su manifiesta sencillez.

© Juan

Discografica: Transubstans Records TRANS074

Temas:

1. It came from the stars... (2:30)

2. They rise (4:59)

3. Origins (5:56)

4. Flow/Unity (6:00)

5. What mustn't be spoken (7:44)

6. The cellar (8:40)

7. Lastly, lament (13:04)

8. 1927 - A homage (2:14)

Musicos:

- Oliver Eek / guitar & vocals

- Joel Loof / organ, piano & vocals

- Christian Eklof / drums

- Mattias Johansson / synthesizers & mellotron

- Joel Berntson / bass

ENTREVISTA A GLAZZ (SEPTIEMBRE 2011)

2011-10-03T11:10:00.004+03:00

El trío portuense Glazz ha edita su segundo trabajo "Cirquelectric", tuve ocasión de verlos en directo en la SALA FAKTORIA D'ARTS en Terrassa el pasado 9 de Septiembre 2011 y aproveche la brillantez para realizarles la siguiente entrevista.

"Lo que hacemos tiene que ver con el Rock Progresivo pero no nos sentamos a componer pensando en que somos una banda de ese estilo. Hacemos lo que nos va
pidiendo el disco y si encaja va a mezcla".
Glazz

ENTREVISTA A GLAZZ (SEPTIEMBRE 2011)

J: ¿Nos puedes hacer una breve presentación de Glazz ?

GLAZZ: Somos trío instrumental que hace Jazz y Rock Progresivo a partes iguales pero que bebe de otros estilos como el Funk, las músicas del mundo la fusión...

J: ¿Creo haber leído que en vuestros directos incluís además de la música un elemento escénico coreográfico?

GLAZZ: Cuando podemos contamos con la presencia de Lucía Ruibal. Interpreta algunos de los personajes y hace que el espectáculo sea redondo.

J ¿De que manera evoluciona el grupo desde vuestros inicios y como os adentráis en el mundo progresivo?.

GLAZZ: La propia música nos ha llevado a ello. De todas formas no nos gusta encasillarnos en un estilo. Lo que hacemos tiene que ver con el Rock Progresivo pero no nos sentamos a componer pensando en que somos una banda de ese estilo. Hacemos lo que nos va pidiendo el disco y si encaja va a mezcla.

J: ¿A que bandas o solistas podrías decir que hacéis referencia / influencia? Son esas referencias, además, influencias reales de los todos músicos de Glazz?

GLAZZ: Cada uno aporta lo que más a escuchado o trabajado. Desde los doble LP de Rock Sinfónico de los ‘70 a lo último de Avishai Cohen , un blues pantanoso tipo Toma Waits...Cada uno tiene su lista de reproducción personal y es algo que se nota en el estudio.

J: JAZZ FUSION o FUNK ¿ Hacia donde se mueve el grupo musicalmente?

GLAZZ: Con respecto al primer disco nos hemos movido un poco más hacia el Jazz/ Rock aunque en directo pasamos bastante por el funk. La única forma de saberlo es escuchando el futuro tercer disco...

J: Al componente flamenco como le dais rienda? ¿Es importante para la búsqueda de vuestra originalidad y estilo?

GLAZZ: Nos sentimos cómodos tocando sobre palos flamencos, además es una música que casa muy bien con el Rock por la pasión que desprenden ambos estilos.

J: Hablarnos un poco del proceso de creación de Cirquelectric, ¿De donde salen las ideas? ¿Quién es el principal compositor? ¿Cómo trabaja la banda en general?.

GLAZZ: En cada tema se graba lo que pide el tema, en alguna que otra ocasión hemos tenido la sensación de que los temas estaban ya dentro del estudio y que tan solo había que darles forma. Por lo general solemos traer ideas más o menos maduras y las ponemos en común hasta que suenan como tenemos en la cabeza. El principal compositor y arreglista es Jose.

J: ¿Habéis dejado material grabado o por grabar?

GLAZZ: Sí, pero muy poca cosa.

J: Vertigo, El domador y especialmente La adivina pastora son los temas mas progresivos del disco, aún asi noto que el grupo se mueve no se si intencionadamente por senderos jazzeros y fusión ¿Es premeditado?

GLAZZ: En lo que hacemos no hay nada premeditado. Afortunadamente es lo que nos sale.

J: A partir del tema cantado de Miguel Rios noto los temas mas enlazados, mejor cohesionados a nivel compositivo, es una sensacion de que haya como una primera parte adsequible para todos los publicos y otro segunda parte mas compleja para oídos mas selectos. ¿Que pensáis de esta opinión?

GLAZZ: Puede ser, hicimos tres órdenes provisionales y este fue el que nos convenció. La Adivina Pastora es un tema con un desarrollo un poco más lento y dos solos amplios que nos pareció bien dejar para cuando el oído estuviera acomodado.

J: ¿Del resto de invitados que nos podéis comentar? Javier Ruibal, Carmelo, Pepa Niebla, etc..?

GLAZZ: Les debemos a todos una cena, su trabajo ha sido extraordinario y para nosotros ha sido todo un placer poder trabajar con ellos.

J: Habéis utilizado tanto José como Javi la guitarra portuguesa. ¿Alguna razón especial?

GLAZZ: José le cambió las cuerdas a una perteneciente a Javier Ruibal y empezó a probarla, el resto salió solo.

J: ¿Como ves la escena progresiva aquí en España?

GLAZZ: No la seguimos muy de cerca en realidad, es complicado dar con las bandas y sobre todo verlas en directo. Las que más nos han llamado la atención son Senogul, WhyGo y Ocnos. Hace cosas muy curiosas y de una calidad notable. Lo mejor de este mundillo es que estamos pendientes los unos de los otros y nos seguimos mutuamente.

J: ¿y fuera de aquí? ¿Que grupo(s) te gustan mas de los actuales?

GLAZZ: Quien más sigue el Rock Progresivo actual es Daniel. Artistas como David Gilmour, Transatlantic, Porcupine Tree , Spock’s Beard y por supuesto Dream Theater se encuentran entre sus favoritos.

J: ¿Como fue la experiencia de tocar en el Jazz Plaza de La Habana, en Japon, en Manchester y en el festival de Bornos junto a la PFM?.

GLAZZ: Fueron todas muy buenas, nos sorprende siempre el recibimiento que solemos tener fuera de nuestras fronteras, en Manchester fuimos la actuación con más público del Festival de Jazz y en Japón hemos hecho negocio con una de las cadenas de tiendas más importantes del país por citar algunos ejemplos.

J ¿Cuáles son vuestros planes de futuro? ¿Estáis componiendo nuevo material? ¿Cómo van vuestras actuaciones en directo?

GLAZZ: Ahora estamos inmersos en la promoción de Cirquelectric pero no paramos de pensar en el tercer álbum. Antes de todas formas tenemos pensado publicar el segundo disco en una mezcla 5.1 edición disco libro.

Gracias y mucha suerte
Juan

GLAZZ actuó en Terrassa

2011-09-12T13:57:00.004+03:00

El pasado Viernes 9/9 asistí al concierto del grupo portuense GLAZZ en la sala BRUC FAKTORIA de Terrassa.

Curiosamente, en un principio, la entrada al concierto costaba en preventa 5€, pero el mismo día del concierto, la web indicaba "gratiss", supongo que a esa hora todavía nadie había comprado la entrada por internet y decidieron anunciarlo gratis. Comentar que el domingo estuvieron tocando en La sala Circus de Cerdanyola del Valles.

Esto "beneficio" que la sala, amen de los que íbamos a ver el concierto, diera lugar a las entradas y salidas constantes de personal variopinto que estaban la mayoría esperando mas la hora de la discoteca que lo que allí se cocinaba.

(*)

Pues bien a eso de las 23:30H subieron a la pequeña tarima de la sala para actuar ante unas yo diría que alrededor de 30 personas

Tocaron principalmente temas de su último disco Cirquelectric alternadolo con temas de su primer trabajo.

Su concierto fue totalmente eléctrico, salvo la utilización de algún loop o pregrabados y el solo del guitarrista con un ebow.

(*)

Por supuesto (era de esperar) todos los efectos e instrumentación variada (eche de menos la guitarra portuguesa) que han incluido generosamente en su último trabajo las tuvieron que dejar en Cádiz, por lo que los temas adquirieron otra textura y sonido. Además claro esta, no hubo vídeos ni danza como acostumbran a realizar en sus shows, bastante harán para poder actuar mas allá del Puerto de Santa María.

Yo destacaría la compenetración del trío, sus ganas, la ilusión, la complicidad y el feeling que tiene Jose Recacha a la guitarra, concentrado en todo momento.

La verdad se me hace difícil destacar algún tema, tarea casi imposible cuando te sientes como en una montaña rusa con los constantes cambios de ritmos y de estilos.

En definitiva un magnifico concierto que sin dudarlo volvería a asistir, espero que lo hagan pronto, tal vez en ese tercer trabajo que dijeron tienen casi ya listo.

juan
(*) fotos realizadas por Marina Ruiz Villagordo del concierto del 25 agosto 2011

Ignatius: "Lights From the Deep" (2011)

2011-09-10T13:29:00.008+03:00

Ignatius es una banda formada hace ya 10 años en Barcelona por Toni Castarlenas y Ricardo Boya, los cuales se reparten el trabajo de composición e interpretación.

Ha pasado casi un año desde que se comento el lanzamiento de su primer disco, por fin y a través de Musea sale a la luz "Lights From the Deep", un trabajo compuesto de seis temas, donde la banda barcelonesa nos muestran un rock progresivo clásico ecléctico cercano a los parámetros mas actuales del Neo progresivo con ese toque moderno heavie y un sabor especial a los Pink Floyd mas sinfónicos.

El grupo gusta de los pasajes instrumentales como se puede apreciar en el tema que cierra el álbum "Morning Moon", muy a lo Pink Floyd especialmente en los pasajes atmosféricos que imprime los teclados, omnipresentes en todo el álbum, amen de la guitarra en plan solista desprendiendo mucho sentimiento. Otro tema del mismo calibre es precisamente el tema mas largo y que da nombre al álbum "Lights from the Deep" con esos interminables y lineales solos instrumentales.

Los temas cantados por Ricardo Boya suenan muy NEO progresivo, especialmente "Emptiness", una descarga emocional e intensa con la voz desgarrada de Ricardo, me recuerda y mucho a los trabajos mas actuales de ARENA o PENDRAGON. Otro tema parecido y cantado pero mas enérgico es la inicial "Bleeding Souls".

Mas próximo al HARD Rock tenemos "Resurrection" mezclados con pasajes suaves e intensos a Pink Floyd.y algún toque caótico a lo King Crimson en su parte central. El tema BCN, siglas de Barcelona es abierto con un caos instrumental y efectos de sonido para que imaginemos una ciudad cosmopolita, es una tema variado, donde podemos oir Metal prog, Neo progresivo y como no la interacción de guitarra y teclados.

En resumen Ignatius no innova ni aporta nada nuevo al mundo

sinfoprogresivo, tan solo sus ganas de hacer buena música, con buenos arreglos, armonías y cuidadas instrumentaciones, en muchos momentos se les podría calificar como Neo progresivos, ellos alegan no haber escuchado nunca a Arena (por ejemplo) y que el Neo progresivo no es lo que mas le llena, lo cual induce a pensar que lo NEO les sale espontáneamente, en otras ocasiones recuerdan a los mas atmosféricos y lisérgicos Pink Floyd, en definitiva cada oyente sacara su conclusión. Dicen tener ya material para un segundo CD, lo esperaremos con ansia de ver como evoluciona el grupo.

La distribución en España se realiza a través de su pagina

Myspace.com/ignatiusrock y el facebook.

(c) Juan

Discografica: MUSEA

Temas:

1. Bleeding Souls (8:02)
2. Emptiness (6:47)
3. Resurrection (8:41)
4. Lights from the Deep (12:39)
5. BCN (9:30)
6. Morning Moon (11:01)

Músicos:

- Ricardo Boya: Bass, Keyboards and vocals
- Toni Castarlenas: Guitars

Invitados / colaboradores:

- Marcelo Ortiz: Drums
- Daniel Campos: teclados

Arabs in Aspic 2: "Strange Frame of Mind" (2011)

2011-09-06T13:54:00.000+03:00

Cuarteto noruego que inicio su andadura en 1997 y que tras una desbandada se reformaron hace poco añadiendo un 2 al nombre del grupo, es decir ARABS in ASPIC (2).

La música que nos ofrecen esta influenciada básicamente de los 70's, stoner rock, rock sinfónico, piscodelico y Hard rock, a mi me viene a la mente escuchándolos grupos como Trettioåriga Kriget, Beardfish, primeros Pink Floyd y primeros King Crimson, época In the Court of the Crimson King.

Tras un continuo machaque de teclados Hammond y Mellotron en grandes dosis como fondo musical, se van desarrollando temas tan dispares y atractivos como "The Flying Norseman" con un excelente pasaje instrumental, este tema concretamente me suena a los suecos Trettioåriga Kriget, seguidamente resaltaría el cuarto tema "In to my Eye" por el protagonismo del mellotron y la psicodelia de los primeros Pink Floyd, a continuación "Moerket" nos conduce al Hard Progresivo, para desembocar en otro tema con sabor a Trettioåriga Kriget, como es "Fall til Marken", aqui el mellotron, lo sinfónico recuerda perfectamente al In the Court of the Crimson King. Tras un boogie hard rockero titulado "TV", llega el mejor tema para mi gusto del álbum, precisamente el que da titulo al album "Strange Frame of Mind", me recuerdan a los Beardfish con un toque a los primeros King Crimson, extraordinaria de nuevo la utilización del Mellotron. Cierra el álbum la cañera "Have you ever seen the Rain, Pt. 2", la balada doom psicodelica "Arabide" y una versión meritoria del Hocus Pocus de Focus.

En definitiva si os va el HARD progresivo y sinfónico, el stoner rock, el Hammond y el mellotron y ese continuo respirar de finales de los 60 y comienzos de los 70's no dejéis de escuchar este disco.

© Juan

Arabs in Aspic 2: "Strange Frame of Mind" (2011)
Discografica: BLACK WIDOW RECORDS

Temas:

1. Aspic Temple (0:56)
2. The Flying Norseman (4:14)
3. Dive (1:06)
4. In to my Eye (3:17)
5. Moerket (4:32)
6. Fall til Marken (7:14)
7. TV (4:52)
8. Strange Frame of Mind (3:32)
9. Have you ever seen the Rain, Pt. 2 (2:46)
10. Arabide (7:39)
11 Hocus Pocus (3:54) CD bonus track

Músicos

- Jostein Smeby / guitar / vocals
- Stig Jorgenson / organ / keys / vocals
- Erik Paulsen / bass / vocals
- Eskil Nyhus / drums, percussion

Entrevista a SENOGUL - Agosto 2011 (1a parte)

2011-08-30T20:00:00.000+03:00

El grupo asturiano SENOGUL ha editado su tercer trabajo discográfico, un álbum que recupera el tono progresivo desarrollado en su álbum debut y trasnmite claramente la experiencia vivida durante estos años. A continuación tenéis la entrevista realizada a los miembros del grupo, donde nos cuentan sus opiniones y vicisitudes para la realización del álbum, así como algún detalle mas que interesante.

“nuestra música puede resultar incomprensible o poco digerible por la masa en general y suele ser más apreciada entre los músicos y los oyentes experimentados y de mente abierta…”

Pablo de SENOGUL

- Entrevista a SENOGUL (Agosto 2011) -

J: - Además de Senogul, a nivel particular estáis inmersos en varios proyectos ¿Podríais hablarnos de ellos?

Eduardo: todos los miembros de Senogul solemos implicarnos en otras actividades musicales paralelas al grupo. En mi caso, intento mantener una trayectoria sólida como instrumentista de estudio y de directo junto a otros músicos, siempre que el proyecto me interese; también como arreglista y, en ocasiones, director musical. El folk, el jazz y el pop siempre me han atraído mucho, al igual que la música académica y los discursos de fusión. Uno de los más próximos a la filosofía de Senogul ha sido Cuac!, cuarteto en el que milité junto a Pedro A. Menchaca y cuyo disco debut publicamos con Disconsonancia. También como musicólogo me dedico mucho a investigar y a escribir artículos sobre rock progresivo, profundizando en el análisis estilístico y en los elementos socio-culturales adquiridos en la escena de la Transición española. De hecho, es uno de los temas fundamentales de mi tesis doctoral, algo que también estoy llevando a cabo con un grupo de investigación internacional integrado por distintos especialistas y autores interesados en el estudio del género.

Pablo: después del segundo disco de Senogul comencé a componer y grabar temas a los que podría denominar como “folclores imaginarios”, pues utilizo instrumentos de todos los continentes, elaborando unas composiciones totalmente eclécticas y libres, inclasificables desde el punto de vista estilístico. Cuando reúna una duración musical suficiente pretendo editar estos temas como algo íntimo y totalmente personal, pero que me gustaría compartir con todo aquel que esté dispuesto a escuchar. Aparte, fundé junto al acordeonista Alejandro M. Ares el proyecto denominado Melange, con el que editamos un único disco hasta la fecha (bajo el sello de Disconsonancia) en el que tratamos diferentes tipos de música (tango, pasodoble, forró brasileño, clásica española, psicodelia, etc.), siendo el acordeón el instrumento principal. En Melange actúo como compositor, intérprete y productor. Actualmente también ofrezco mis servicios a quien me requiera como “pintor de sonidos” o “alquimista sónico” en sesiones de grabación o música en directo.

Pedro: yo he editado un disco en solitario, Arco iris de lluvia ácida, bajo nuestro sello Disconsonancia. Es una recopilación de composiciones propias de estos últimos años, donde colaboran músicos de la órbita de Senogul. También sigo participando en la célula de libre improvisación Colmena, y en cualquier “bombardeo” al que me llamen para hacer sonar cosas.

Israel: por mi parte, desde hace años compagino mi actividad en Senogul con la de guitarrista de la Gigia Sax Band, una big band en la cual hacemos versiones de clásicos de los últimos 50 años. Por otro lado, siempre estoy abierto a colaboraciones como músico de estudio o en directo. Así, ha sido un placer poder aportar mi granito de arena a los trabajos de Pablo en Melange y al primer disco en solitario de Pedro. También he vuelto a reencontrarme con Misha Goldfarb y su Estudio Ardilla & Feedback, con quien estoy colaborando de nuevo como músico de sesión y con un par de actuaciones ya programadas acompañando a varios coros de voces blancas. Recientemente he puesto mi guitarra al servicio del 15M en Gijón, participando en la grabación de un CD que podríamos definir como la banda sonora del movimiento. Finalmente, llevo un tiempo grabando temas para el que será mi primer trabajo en solitario, concebido básicamente en formato de dúos con otros músicos, y en el cual me gustaría que estuviesen involucrados todos los miembros de Senogul.

J - ¿Qué otros proyectos habéis compartido bajo el nombre de Senogul?

Eduardo: como grupo hemos desarrollado varias actividades como la creación de Disconsonancia, nuestro propio vehículo para sacar a la luz trabajos discográficos que cuenten con algún miembro del grupo y que lleven una filosofía estética similar (ya tenemos tres entregas publicadas), la configuración del fondo sonoro para la exposición El viaje en tres dimensiones. Fotografía estereoscópica del transporte en Asturias (1900-2008) –realizado a partir de material de estudio ya conocido– o el arreglo y el registro de una pieza inédita en homenaje al músico asturiano fallecido en los 80 Berto “Turulla”, a partir de motivos inspirados en su estilo o procedentes de algunos de sus grupos más representativos.

J - El trabajo Orfeo: a ba-rock opera ¿Fue llevado a escena y/o publicado al final?

Israel: la adaptación de la ópera de Monteverdi L’Orfeo, favola in musica, realizada por el director italiano Massimiliano Toni, fue llevada a escena en verano de 2009, dentro del Festival de Música Antigua de Gijón. Por desgracia, no se conserva una grabación de buena calidad del evento –aunque sí hicimos alguna grabación puntual en estudio a nivel promocional–, por lo que no sería posible publicar material de aquella representación. El evento y sus intensas sesiones de ensayo marcaron un antes y un después en Senogul. La experiencia influyó en la dinámica de trabajo del grupo y nos enriqueció mucho musicalmente. El hecho de tocar bajo la batuta de un director de orquesta, trabajar con partituras, tocar con una sección de cuerdas, grupo de cámara, banda de saxos y cantantes líricos... todo ello supuso un salto de calidad en la banda, nos abrió aún más nuestras miras e hizo que Senogul ganase en matices y sonoridad. Nuestro último trabajo, Senogul III es en cierto modo herencia del trabajo realizado durante aquella intensa primera mitad de 2009.

J - ¿Cuál es vuestra forma de entender el rock progresivo?

Eduardo: es muy complicado definir el rock progresivo, pues depende mucho de lo que quieras explicar. Además, el término ha sido utilizado para definir distintas coyunturas y creo que no se entiende igual lo “progresivo” en los 60 que en los 00, al igual que el propio “rock”. En el caso de Senogul, lo progresivo se entiende como algo actitudinal. Es decir, buscamos trabajar con todas aquellas referencias artísticas que nos motivan y nos rodean, integrándolas en nuestro propio lenguaje y tratando de utilizar dichos códigos (pues al final todo son códigos) en pos de un mensaje universal. Si utilizamos gaitas, guitarras eléctricas o arpas de boca es lo de menos. Vamos al contenido. Me identifico con la idea de trascendencia del arte, la búsqueda de ir más allá. Por otro lado, tampoco me obsesiono con un afán de renovación porque sí. Hay mucha música que no es rompedora pero que puede transmitir una idea o un valor artístico interesante.

J - El segundo trabajo oficial de Senogul fue Concierto de evocación sonora, donde os pasasteis del sinfo-prog al Folk World Music ¿Qué os ha aportado este proyecto tan arriesgado al concepto musical del grupo?

Eduardo: yo destacaré, fundamentalmente, la integración del silencio en nuestra visión musical (notas tenidas cuyo sonido se desvanece de forma natural, ausencia de motor rítmico en algunos pasajes e incluso la propia irregularidad en las repeticiones). Significó mucho, tanto para nuestro proceso auditivo como para plantearnos la composición y la evocación musical desde entonces.

Pablo: nos ha supuesto abrirnos mentalmente a otras dimensiones de la música, un giro de 360º, rompiendo las barreras o clichés del rock en todas sus formas. Con ese disco hemos aprendido mucho, especialmente en cuanto al manejo del sonido en sí y a la utilización del estudio de grabación como un instrumento más. Cabe citar que nosotros no usamos samplers en nuestros discos y que todos los sonidos que se recogen en ellos son grabados por nosotros mismos (por ejemplo los sonidos de pájaros pueden haber sido grabados in situ por nosotros, en un bosque, o simplemente recreados mediante la utilización de reclamos de caza). El haber pasado por este segundo disco, nos ha aportado mayor madurez como compositores e intérpretes.

J - Contadnos cómo han sido esas colaboraciones con la institución finlandesa "Colossus Projects" ¿Es cierto que obligan a utilizar teclados 70's (Hammond, Moog, Mellotron, Fender Rhodes, Grand Piano etc.) nada de loops, ni baterías programadas ni sonidos digitales de los 80's - 90's y que el sonido final fuera los más parecido a Museo Rosenbach, PFM, Banco, Le Orme, Latte e Miele?

Eduardo: es cierto que en la mayoría de estos proyectos suelen mostrar una predilección por el aspecto más vintage de los patrones formales del rock progresivo de los 70. Ellos te envían una serie de instrucciones de lo que buscan para cada proyecto y, en ese sentido, nosotros nos amoldamos. En cualquier caso, en todas nuestras experiencias (muy gratificantes, por cierto), siempre hemos aportado algún elemento típicamente “Senoguliano”, algo que también otorga un matiz más personal en una trayectoria discográfica tan extensa como la de “Colossus Projects”.

Israel: la experiencia con Colossus ha sido muy positiva para el grupo. Nos ha colocado en una nueva tesitura para nosotros, que es el trabajar con unos requerimientos bastante específicos: versionar temas de bandas sonoras de películas italianas de los años 70 (en nuestra colaboración para Cani Arrabbiati: opening themes… a tribute), evocar musicalmente una historia de terror (en The Tales of Edgar Allan Poe: a syNphonic collection) o un cuento de Boccaccio (en Decameron – Ten days in 100 novellas, aún por publicar). A esto se unen unos requerimientos en cuanto a instrumentación y duración de los temas para cada uno de los proyectos.

J - Eduardo, paralelamente y personalmente has colaborado en el disco de The Samurai of Prog ¿En qué consiste esta colaboración?

Eduardo: tras haber participado con dos composiciones propias en Iliad: a grand piano extravaganza, un doble disco grabado exclusivamente con pianos de cola, me propusieron colaborar en este singular disco de versiones de clásicos del rock progresivo. La base de Samurai of Prog son Marco Bernard (antiguo bajista de Elektroshock), Kimmo Pörsti (baterista de Mist Season) y Steve Unruh (voz, guitarra, violín y flauta, miembro de Resistor), sumándose algunos colaboradores de lujo como Roine Stolt, Michael Manring o Jonas Reingold. En mi caso, colaboro junto al guitarrista serbio Srdjan Brankovic (de la banda de metal progresivo Expedition Delta) en una versión de “Jerusalem” (versión, a su vez, de Emerson, Lake & Palmer) con ciertos aromas góspel.

J - Encuentro como señas de identidad de vuestra música la improvisación y ese espíritu libre de vuestra forma de componer. Hay componentes fijos como el sonido étnico, la tímbrica y variedad percusiva, el jazz, el canterbury, el RIO, el rock andaluz... todo esto forma un concepto ecléctico que hace difícil encasillar vuestra apuesta pero en contra a su favor abre el abanico de posibilidades en cuanto al abanico de progfans que os escuche: Supongo que en lo primero os dará igual eso de etiquetar vuestra música pero en lo segundo ¿Qué pensáis de tener un público poco heterogéneo?

Pablo: nuestra música puede resultar incomprensible o poco digerible por la masa en general y suele ser más apreciada entre los músicos y los oyentes experimentados y de mente abierta. No obstante nosotros componemos lo que nos sale del alma, sin preocuparnos de etiquetas o de que podamos llegar a más o menos público. El hecho de que seamos tan inclasificables es un desafío a la hora de vender discos, entrar en ciclos de conciertos, etc. De todos modos, no hace falta entender la música para disfrutar de ella, simplemente hay que sentirla (uno no necesita ser especialista en botánica para pasear por un bosque y disfrutar del paisaje forestal). Dentro del rock progresivo hay muchas corrientes, sub-etiquetas o movimientos; creo que si alguien se cierra únicamente a uno de estos estilos en sus escuchas, difícilmente podría disfrutar de la totalidad de un álbum de Senogul. Por otra parte, es siempre interesante saber qué temas le gustan más a los oyentes del mundo el progresivo. Hay gente que detesta las sonoridades ibéricas y el “Sopa colorá” puede resultarle tedioso; sin embargo otros oyentes afirman que es su pieza favorita del disco. Para gustos, colores, y lo que no le falta a nuestro nuevo disco es precisamente color.

continua...

The Nightstalker - Pijamas

Entrevista a SENOGUL - Agosto 2011 (2ª parte)

2011-08-30T19:00:00.002+03:00

J - Un elemento característico de vuestra música es la faceta étnica, en algún momento me recordáis a XII Alfonso y en otros, en vuestra faceta mas enrevesada a King Crimson. ¿Esto es un aspecto que cuidáis en especial o sale de forma espontánea, me refiero al hecho de huir de sonar o clonar a otros grupos?

Pablo: a este respecto puedo afirmar que nunca buscamos conscientemente sonar a ningún grupo y creo que actualmente hemos encontrado nuestro propio estilo y sonido: ni buscamos nada, ni huimos de nada, simplemente somos nosotros. No obstante, es inevitable que algún pasaje pueda sonar al estilo de algún grupo del mundo del rock progresivo, porque es un estilo que todos hemos “mamado” ampliamente durante años y lo llevamos grabado a fuego en el subconsciente. Si algo nos gusta no nos importa que se parezca al estilo de Gentle Giant o Curved Air, por ejemplo. Es gracioso que a veces cuando estamos ensayando o componiendo bautizamos alguna parte con un nombre. A veces decimos cosas como “vamos a retomar la parte Weather Report”, porque puede recordarnos al estilo de ese grupo, por citar un caso. En el caso de la parte de marímbula eléctrica del “Pijamas”, compuesta por mí, cuando comienza a sonar el e-bow de Pedro suelo hablar de la sección “Goblin” sin que me haya inspirado necesariamente en ese grupo para componerla.

Israel: Como bien dice Pablo, el estilo de Senogul nace de forma espontánea. No existe una intención consciente de no-sonar-a-nadie o de componer siguiendo unas pautas o estilos determinados. Vamos creando la música tal cual la sentimos en un momento determinado de nuestras vidas y todo surge de un modo muy natural. De ahí que no existan dos temas nuestros que suenen igual y que no puedas escuchar un único tema y decir “así suena Senogul”. Esto supone que nuestra música, siempre con un marcado espíritu progresivo, recorra una gran variedad de estilos, sonoridades e instrumentación a lo largo de nuestros trabajos discográficos. Hay a quien le gusta cada elemento de esta amalgama o fusión y obviamente siempre habrá quienes no terminan de entrarles a ciertos temas, bien porque suena un acordeón y resulta no ser su instrumento predilecto, porque en un momento dado jugamos con la música brasileña, etc. Como en cualquier faceta de la vida, somos conscientes de que no es posible agradar a todo el mundo y no es algo que nos preocupe. Afortunadamente, como ya hemos comentado en otras ocasiones, que Senogul no sea nuestro medio de vida nos permite tocar la música tal como la sentimos.

J - ¿Podríamos asegurar que con este tercer disco volvéis de una forma intencionada a la sonoridad del primer disco?

Eduardo: creo que más que intencionado, es nuestro registro natural actual. La música la sentimos así en estos momentos y así la plasmamos. Por eso, a la hora de valorar la producción musical de un artista con una larga trayectoria no podemos criticar per se una voluntad de cambio por necesidades artísticas. Creo que es lógico que, con el paso de los años, los músicos necesiten renovarse y cambiar ciertos elementos. Pasa en todos los ámbitos de la vida.

Israel: para mí, eso es precisamente “progresar”. Es decir, si un músico no siente la necesidad de avanzar, experimentar, evolucionar, creo que no es muy merecedor de la etiqueta “progresivo”. Todos en Senogul somos músicos inquietos y grandes consumidores de música, lo cual nos lleva a interesarnos por diferentes estilos y modos de entender y disfrutar la música, por lo que nuestra evolución es inevitable. Sí es cierto que en Senogul III el rock vuelve a estar más presente como base de nuestra propuesta, tras una incursión en la “música progresiva” (desprovista de esa etiqueta “rock”) en nuestro Concierto de evocación sonora.

J - Este tercer trabajo me suena más maduro, mejor producido y los temas más compactos que en el primer disco, ¿A grandes rasgos a qué es debido? ¿Quién se ha encargado de la producción? ¿Estáis satisfechos?

Pablo: desde el año 2007 hemos invertido muchas horas en los estudios de grabación, hemos comenzado a grabarnos también nosotros mismos (algo que ayuda mucho a conocerse mejor a uno mismo, con sus virtudes y carencias), hemos trabajado con músicos de diferentes ámbitos y prácticamente todos nosotros participamos como músicos de sesión o de apoyo para otras agrupaciones o solistas de diferentes estilos, en estudio y en directo. Esto nos ha hecho mejorar mucho como compositores, arreglistas e intérpretes. También es verdad que quizá ahora tendemos a desarrollar más una misma idea musical, a darle vueltas, construirla y deconstruirla y sacarle más partido que en el primer disco, donde era común escuchar un montón de ideas consecutivas sin que ninguna de ellas se viese sometida a un desarrollo importante. Creo que parte de la madurez del grupo reside en estos motivos. En cuanto al sonido, la mezcla y masterización la ha llevado a cabo Ángel Berdiales, al igual que los dos primeros discos. Después de tantas grabaciones y horas de estudio nos conoce bien musical y personalmente y eso es decisivo para conseguir el resultado deseado. Ángel es una persona abierta de mente y su experiencia con el estudio creció exponencialmente desde que empezó la grabación del primer disco de Senogul. Contamos con medios de grabación modestos, pero el resultado es óptimo porque nuestro técnico sabe manejar muy bien todos los aparatos de los que dispone y sacarles el máximo partido. De nada sirve tener la nave de Star Trek delante si no la sabes ni hacer despegar. De todos modos, nuestro deseo es siempre el de mejorar en todos los aspectos.

J - Explicadnos el significado de la portada.

Israel: tanto nuestra música como los libretos de nuestros discos buscan en muchas ocasiones evocar sensaciones o imágenes en el oyente. Obviamente, el mejor ejemplo es nuestro anterior trabajo, el Concierto de evocación sonora para conjunto instrumental. La portada de Senogul III es un nuevo intento de catalizar una reacción en el espectador. Su gran impacto visual radica en su originalidad, en esa sensación de “inestabilidad” que se siente al observarla (una figura enmascarada en equilibrio meta-estable). Es una imagen que evoca una sensación y un significado diferente en cada observador. Nuevamente jugamos con la idea de que nuestros oyentes se hacen con un producto al que ellos mismos deben dar su propia interpretación, que en sus manos adquiere su significado final.

Pedro: curiosamente, las fotos del artwork ya existían antes del disco, no se hicieron pensando en que iban a acabar aquí. Lo único que hicimos fue rescatarlas del interesantísimo archivo de su autor, el fotógrafo Noé Baranda.

J - Ser profeta en tu tierra es difícil. Grabar para Musea sabiendo que no dispone de venta en España ¿Es una decisión que subraya mi afirmación?

Israel: en realidad la decisión de escoger a Musea como distribuidora de nuestro trabajo en el extranjero (contamos también con Azafrán Media en Latinoamérica) deriva de nuestra experiencia con nuestro segundo disco. En aquella ocasión decidimos lanzar el Concierto para evocación sonora con una discográfica española, Margen Records, quienes llevaron la distribución dentro de nuestras fronteras, encargándonos nosotros mismos de la promoción y venta en el extranjero. No tardamos en darnos cuenta de que la tarea era demasiado ardua para poder llevarla nosotros mismos. Por ello, en esta ocasión hemos decidido hacer justamente lo contrario. Delegamos la distribución en el extranjero y la venta en formato digital y nos reservamos para nosotros la distribución dentro de España, pues ya conocemos mejor el mercado y tenemos los medios y contactos necesarios para llevarla a buen puerto. Tras apenas un mes desde la edición del disco, ya estamos convencidos de que hemos tomado la decisión correcta.

J - Siendo así. ¿Como se puede comprar vuestro disco?

Eduardo: Para comprar nuestro disco en España, tenemos un botón paypal en la sección discografía de nuestra Web (www.senogul.com). Tan sólo hay que pinchar en el icono de la portada de "Senogul III" y allí se encontrará el link de paypal. También pueden mandar un m@il directamente a info@senogul.com Nosotros mismos respondemos los mensajes, así que puede ser una forma más directa de contactar con nosotros y también de intercambiar impresiones, algo que animamos a todos los aficionados. Nos gusta mucho saber vuestra opinión.

J - Se me antoja corta la duración del trabajo, no supera los 48 minutos, más contando que el tema "The Black Cat" ya lo habíamos escuchado del álbum The tales of Edgar Allan Poe: a syNphonic collection en el 2010 ¿Qué os ha hecho decidir que el álbum sea de corta duración?

Pablo: lo bueno, si breve… la duración es algo que tuvimos muy en cuenta en este disco. Nuestro primer disco superaba los 70 minutos y en él se aglutinaban todos los temas que teníamos compuestos y finalizados hasta aquel momento. Para algunos oyentes 70 minutos pueden resultar excesivos, a pesar de todo, creo que nuestro primer disco se escucha fácilmente dada la variedad de sonidos y estilos. Nuestro segundo disco rondaba los 60 minutos y descartamos algunas piezas que iban en consonancia estilística con el mismo para darle más coherencia a la estructura. En nuestro tercer disco sucede algo similar, actualmente tenemos grabados y listos unos 3 temas más, que no incluimos en el disco por motivos de coherencia artística. Queríamos hacer un álbum sólido y coherente y por eso decidimos que con los temas que finalmente se han incluido nos quedaría un disco redondo.

Israel: cuando un disco tiene una duración muy extensa, como puede ser el caso de nuestros primeros trabajos, siempre corres el riesgo de que las últimas piezas desluzcan un poco por el “cansancio” acumulado de la escucha (máxime teniendo en cuenta que este estilo no es de fácil asimilación para mucha gente). Es lo que yo siempre he sentido por ejemplo al escuchar “La mulata eléctrica”, situada casi al final de nuestro primer disco. Tras más de 50 minutos de música creo que la mente no está lo suficientemente fresca para afrontar una larga suite de rock andaluz. En Senogul III cerramos con nuestro tema más largo hasta la fecha, con casi 14 minutos, por lo que me gusta escuchar que al finalizar el disco el oyente se queda con ganas de más. Creo que en la actualidad, y dado que los trabajos se editan en formato CD, se espera que los discos tengan una duración más extensa que hace unas décadas, como si hubiese que aprovechar forzosamente hasta el último surco del CD. Nuevamente, no podemos agradar a todo el mundo, y todo depende del cristal con que se mire. Si lo piensas, 48 minutos es una duración considerable si tenemos en cuenta que el Close to the Edge, disco referente en el rock progresivo, no llega a los 38 minutos.

J - ¿Qué temas de este tercer album fueron concebidos en fase de elaboración del primer o segundo trabajo?

Eduardo: hay un poco de todo, efectivamente. El germen de “Pijamas” y de “Sopa Colorá” están más cerca, cronológicamente, del primer álbum que del segundo; “La serpiente de Jade” y “Paraná” se empezaron a grabar en las sesiones propias del disco de Melange, aunque se acabaron descartando por acabar desarrollándose más próximas a la filosofía de Senogul; “Tales from Buanga” ya lo tocábamos en directo –como introducción a “Dr. Gull III”– desde 2009; “The black cat” se compuso ex profeso para el citado proyecto de Colossus y la idea de trabajar con una pieza de gamelan ya la teníamos pendiente hace años, al igual que trabajar con un pasodoble (lo que materializamos en el álbum de Melange). Sin embargo, el acabado final de todas las piezas ya se hizo pensando en este nuevo álbum.

J - El toque de jazz incluso algún pasaje de Canterbury sigue presente en la música de Senogul ¿Quién tiene la culpa? ¿Y de que sonéis a ratos al King Crimson más científico, sesudo y caótico?

Eduardo: resultaría un poco reduccionista intentar identificar ciertos elementos estéticos con cada instrumentista, puesto que hay bastante mezcla de personalidades. Por la parte que me toca, a mí me gusta mucho la armonía y los ritmos Canterbury (tipo Dave Stewart), al igual que los devaneos jazzísticos, pero no creo que sea algo exclusivamente mío en la banda.

Pablo: son característicos de la banda pasajes en los que la suma de elementos sencillos da lugar a un esquema complejo en el que cada línea instrumental encaja a medida con las demás como un puzzle. Este tipo de estructuras también son características de grupos como King Crimson.

J – Contáis con un buen elenco de invitados en este disco ¿Cómo surgió la idea y como fue el contacto con ellos?

Pablo: en Senogul todos somos seguidores y buenos conocedores del rock progresivo nacional y cuando nos pusimos a componer, por ejemplo, el “Sopa Colorá”, no dudamos en contactar con músicos de Guadalquivir (una banda a la que todos admiramos por su tremenda calidad y sentimiento) para invitarles a participar con nosotros en la grabación, a lo que accedieron encantados desde el primer momento, algo a lo que estaremos siempre agradecidos. En el caso del “Paraná”, yo estaba grabando ese tema con el objeto de incluirlo en el proyecto Melange; quería sustituir unas partes vocales de Airto Moreira por solos de sintetizador y para ello pensé en Marcos Mantero, que ya era amigo mío hace tiempo. Marcos maneja muy bien los sintetizadores analógicos y tiene un sentimiento melódico estupendo, además es también admirador del teclista uruguayo Hugo Fattoruso (compositor original del tema y miembro del grupo OPA). Es más, en el CD de Iman Especial 30 Aniversario, Marcos improvisa en uno de los temas jugando con la melodía principal del tema “Paraná”, así que no me hicieron falta más razones para convencerlo a grabar en nuestra propia versión del tema. Finalmente el tema se escapó un poco de lo que era la línea a seguir en Melange y acabó formando parte del material de Senogul.

Eduardo: en todos los casos hay una valoración y respeto mutuo por la trayectoria artística de cada invitado. A John Falcone, fagotista co-principal de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y líder de un cuarteto de jazz, le conocía desde hace años y encontraba muchos puntos musicales en común, con muchas ganas de poder colaborar en algún proyecto. Recuerdo escuchar con él discos de Univers Zero y News From Babel, por ejemplo. Con Juan Antonio Martínez o Chema Fombona había compartido ya algún proyecto musical, mientras que en el caso de Theodosii Spassov, todo surgió de manera espontánea a raíz de conocer su música hace varios años y de un viaje a Bulgaria en el que me traje varios CDs suyos. Ha habido mucha coordinación y un espíritu muy creativo por parte de todos, algo que no es nada fácil teniendo en cuenta que había un poco de todo: gente de todas las edades, de diferentes trayectorias, de distintas regiones, idiomas diferentes… y aún así, hemos sido capaces de coordinarlos a todos. Eso también habla a favor de nuestra música, naturalmente.

continua...

Tales From Buanga

Entrevista a SENOGUL - Agosto 2011 (3ª parte)

2011-08-30T18:00:00.000+03:00

J -Mencionáis en el librito que os ha ayudado un tal Miguel Fernández con el Mini-Moog. Eduardo cuéntanos ¿En qué ha consistido esta experiencia?

Eduardo: este Mini-Moog estuvo presente en legendarias grabaciones de bandas asturianas como Nuberu o Cuélebre, puesto que fue el que usó el teclista –fallecido en 1983– Berto “Turulla”, uno de los pioneros del rock progresivo en la Asturias de los 70. Miguel Fernández, profesor de acústica y organología del Conservatorio Superior de Música Eduardo Martínez Torner (Oviedo), y un destacado contrabajista y técnico de sonido durante los años 70, mantuvo el Mini-Moog en el conservatorio con fines didácticos. Gracias a él pude adquirirlo y utilizarlo en grabaciones, incluyendo una importante puesta a punto que él hizo, soldando algunos cables que estaban sueltos y consiguiendo una alta estabilidad en sus circuitos. Este Mini-Moog representa una importante faceta de nuestra historia musical, y me enorgullece saber que hoy continúa vivo y con actividad. Últimamente lo estoy utilizando mucho en otros proyectos, en los que exploto los registros graves consiguiendo sonoridades cercanas al bajo fretless.

J - ¿Es difícil tocar en directo un trabajo como este donde habéis contado con bastantes invitados y además habéis utilizado muchos y variados instrumentos?

Eduardo: me gusta pensar en dos formatos en los que el músico se explaya con medios y recursos distintos. Estudio y directo cumplen su función, y al igual que cada directo se ha de plantear de forma distinta (dependiendo del tipo de espacio, audiencia, hora, etc), me gusta redefinir cada pieza y que cobre una vida diferente en vivo (lo que contribuye a que nuestra música esté en continuo movimiento y re-definición, incidiendo en ese proceso de evolución al que antes aludía). Creo que eso también fue algo que aprendimos al re-arreglar nuestro Concierto de evocación sonora para los recitales en directo. Por ello, a la hora de re-arreglar para directo, aunque no tengamos todos los medios disponibles intentamos que ello no repercuta en la intencionalidad del mensaje musical.

Pablo: como explica Eduardo, en Senogul tenemos un concepto diferente para el estudio y para el directo. En directo solemos imprimir más energía a los temas y suplimos la falta de colaboradores con nuestros propios recursos.

J - ¿Cuál ha sido el tema más difícil de acabar? ¿Cuál es vuestro favorito?

Eduardo: Con respecto a los temas más difíciles, quizás destacaría “The Black cat” por su complejidad técnica y rigurosidad métrica, y “Gameland”, por intentar preservar ese carácter de espontaneidad de la música tradicional y combinarlo con registros más matemáticos. Me resulta muy difícil destacar un tema como favorito, pero señalaré dos: “La serpiente de jade”, por su fluidez y por su swing (creo que es una de nuestras mejores interpretaciones), y “Sopa colorá”, donde además hay una larga cadenza para piano de mi autoría y que significa mucho para mí.

Pablo: El tema más difícil de acabar, quizá haya sido el “Sopa Colorá”, pues cuenta con pasajes de buena complejidad y los arreglos también han sido muy trabajosos. Personalmente “La serpiente de jade” me ha llevado mucho tiempo de trabajo (quizá unos 3 meses). Era un tema que también empezó siendo concebido para el proyecto Melange, pero que por el cariz que adoptaba pasó a formar parte del repertorio de Senogul. Ese tema lo compuse en su mayor parte cantando las líneas de los diferentes instrumentos, grabándolas con la ayuda de un programa informático para maquetarlo. De este modo pude componer de una manera “vocal” los saxos, el violín, el bajo, el acordeón, etc. Israel me ayudó a completar algunas líneas con la guitarra, un amigo (Adrián Marqués, del grupo Nightjar) colaboró con las transcripciones, Edu hizo los arreglos para los saxos y creó sus partes de teclado, etc. El hecho de que las melodías de un tema sean compuestas con la voz (o sea, que sean cantables) le dan una belleza especial y lo hacen más fácilmente asimilable.

J -La percusión parece que ha tomado cuerpo en Senogul ¿Esto viene dado por la importancia que adquirió la percusión en vuestro anterior trabajo?

Pablo: la introducción de la percusión en la banda fue un punto de inflexión en la historia del grupo, algo que sucedió poco antes de la grabación de nuestro segundo disco. Con la percusión trato de ampliar la riqueza rítmica y tímbrica del grupo. Es un complemento que a día de hoy es fundamental en el grupo y parte de su personalidad.

J - La intro del álbum, "The Nightstalker", está interpretada con un instrumento chino llamado Sheng. Como este instrumento aparecen otros de nombre "raro", como una marímbula eléctrica ¿Quién del grupo es fan de estos “cacharros”?

Pablo: soy coleccionista de instrumentos musicales de otras culturas, desde Asia a África, pasando por Oceanía o Sudamérica. El Sheng es un instrumento antiquísimo, procedente de China. Es un aerófono de lengüeta libre, en el que se inspiran instrumentos más modernos como el órgano de iglesia o el acordeón. Utilicé ese instrumento en la obertura del disco porque con él es fácil generar atmósferas de tensión francamente emotivas, recurriendo al empleo de disonancias. La marímbula eléctrica no deja de ser una sanza grave, que en la región de las Antillas hace el papel del bajo eléctrico. No obstante la que utilicé en “Pijamas” es una marímbula un poco peculiar, de pequeño tamaño, con una pastilla encapsulada dentro de una cúpula de barro que le da una reverberación fantasmagórica. Este tipo de instrumentos le aporta una riqueza tímbrica al grupo difícil de conseguir a partir de una formación compuesta exclusivamente por guitarras, bajo eléctrico, batería, etc.

Pedro: Somos fans de los sonidos. El “cacharro” que se utilice para hacerlos no es importante. Tan válida es una guitarra como un sheng o como una aspiradora. Lo que queda en el disco son ondas sonoras, y todo vale con tal de conseguir el sonido que queremos en cada momento. Solamente son raros por motivos socioculturales y porque la música pop se ha limitado mucho a determinados instrumentos. Nosotros optamos por romper esa barrera.

J - Personalmente el tema "Parana", versión que hacéis de forma muy personal del tema original de Airto Moreira y Hugo Fattoruso, lo encuentro descolocado de la onda del álbum, un tema alegre y divertido... pero poco "sesudo" respecto al resto de temas ¿Qué opináis sobre esto?

Eduardo: bueno, todo es muy relativo, por supuesto. A nosotros siempre nos ha gustado que en nuestros trabajos haya variedad de dinámicas, contrastes (sin llegar a límites abruptos) y piezas que reflejen distintas facetas e inquietudes del grupo. La colocación de las piezas en el disco estuvo muy estudiada, y de hecho, el carácter alegre y fluido de “Paraná” choca conscientemente con la oscuridad y la densidad del universo de Poe (presente en “The black cat”). Observando la globalidad de la obra creo que ese tema encuentra una identidad bien distinta a la que pueda apreciarse a nivel individual, al margen de la apreciación de cada uno, claro. Nunca se ha planteado como un tema menor dentro del disco, ni muchísimo menos. Se me ocurre, por ejemplo, cuando a veces en un disco clásico de rock progresivo se identifica una pieza como “balada” o como “pieza liviana”, en comparación con las grandes suites y ello conlleva connotaciones negativas. Pienso, como ejemplo, en un boogie como “Benny the bouncer”, de Emerson, Lake & Palmer, y creo que en ocasiones es más criticado por lo que no es que por lo que es realmente.

Pablo: Paraná aparece originalmente en el disco Fingers de Airto Moreira en 1973 (fantástico año para el rock progresivo y para la música en general). Curiosamente Airto se acompaña en ese disco de los músicos uruguayos de OPA, una formación muy próxima al rock progresivo. OPA influyó en mayor o menor medida en el sonido y la música de Imán y nosotros estamos también influidos por sendos grupos. Esto que aquí relato son una serie de correlaciones o enlaces entre influencias más o menos indirectas. El que nosotros hayamos escogido ese tema para versionar tiene fundamentalmente una razón sentimental, pues comenzamos a tocarlo en nuestros primeros directos con Senogul, allá por el año 2005 (aunque no lo registramos en nuestra demo Cosecha años 70). Tomamos el tema original y le dimos un tratamiento sinfónico con la inclusión de los solos de guitarra y los acompañamientos de sintetizador, aumentando también si cabe, la potencia de la línea vocal.

Israel: Es cierto que al lado de temas como “The black cat”, “Paraná” puede sonar demasiado “ligero” o sencillo. El ser un tema brasileño tampoco ayuda a que los seguidores más acérrimos del rock progresivo logren digerirlo en su justa medida. El quid de este tema está en que hemos derivado la canción hacia el rock sinfónico. Para lograr disfrutarlo recomendaría centrarse en los colchones de teclado durante el solo de Marcos Mantero, que proporcionan una variación armónica muy al estilo de Tony Banks.

J – El aspecto serio o formalista de la mayoría de los temas contrasta en ocasiones con momentos donde rompéis con un toque étnico, alegre y bailable a través de la bossanova o de la salsa. ¿Cómo veis esta cohesión entre lo serio y lo alegre?

Pablo: Nosotros consideramos nuestra música como algo muy serio, pero desenfadado. En Senogul conviven perfectamente lo culto o formal, con lo callejero, hay una coexistencia natural entre ambas formas de entender la música, o sea que los puristas de cualquier estilo podrían detestarnos fácilmente, o quizá admirarnos por la facilidad con la que pasamos de un “estilo” a otro. Si reducimos la música a ritmos y melodías, nos es indiferente que algo tenga un ritmo de bossa nova o salsa, lo importante es que tenga una buena energía y una melodía bella sin caer en babosadas. Si reducimos la música a fórmulas matemáticas quizá el cuerpo agradezca que después de varios compases de 5 x 4 o 9 x 8, se presente un 4 x 4 con el que puedes mover fácilmente la cabeza sin pillar tortícolis. Por otra parte opino que el hecho de que una música sea bailable no le resta seriedad ni calidad (en cualquier caso puede ser un valor añadido). La música de camdomblé o el bembé son músicas bailables y sin embargo cualquiera les dice a los santeros que no es seria, porque para ellos es lo más serio del mundo, así que todo es relativo.

Pedro: nos divertimos tocando y eso se traduce inevitablemente en la música. Y nos gusta que la gente se divierta en los conciertos, claro. Nos gusta el feedback del público, y el baile es la forma más básica de esa interacción. Aparte de eso, hay temas sin elementos étnicos que tienen un aire desenfadado y hasta cómico (“Pijamas”).

J - “Sopa Colorá” subraya vuestra pasión por el rock andaluz, tal como sucediera en el primer trabajo, a mí me suena mucho a Alameda por la faceta coplista. ¿Para cuándo os atreveréis con un tema con más riesgo compositivo a lo Triana?

Eduardo: Creo que es arriesgado (valga la redundancia) hablar de “riesgo compositivo” ¿La música de Triana tiene más riesgo compositivo que la de Alameda? No estoy seguro, al menos a nivel técnico o incluso estructural. Quizás te refieres –entiendo yo – a una mayor carga de profundidad emocional y de supuesto dramatismo (lo que parece que otorga mayor seriedad y trascendencia) frente al carácter más desenfadado y bailable de Alameda (algo que no siempre es así, pero que puede valer para entendernos). Bueno, supongo que todo será cuestión de emociones. En “Sopa Colorá” hay una parte central en tonos menores que, para mi gusto, se acerca más a Triana que a Alameda, al igual que pasa en “La mulata eléctrica”. El swing y la danza es algo que llevamos dentro y que nos gusta que fluya, pero creo que se equilibra bastante con otros pasajes más introspectivos. En cualquier caso, creo que en Triana tenían mucho peso las letras de Jesús de la Rosa, cuya poesía marcó mucho la sensibilidad de su propio sonido. Al menos de momento, nosotros no canalizamos esas emociones ni trabajamos con textos.

continua...

Sopa Colorá

Entrevista a SENOGUL - Agosto 2011 (4ª y última parte)

2011-08-30T11:05:00.001+03:00

J - En "Black cat" Pablo utiliza "voces espectrales" ¿De alguna sesión de espiritismo? ¿Los maullidos son de algún gato en especial? ;-)))

Pablo: los maullidos del gato los hice con mi bajo eléctrico conectado a un pedal de EHX, el Microsynth para bajo, a base de bendings. Creo que quedó bastante real porque el gato de mi vecino siempre se altera cuando llega esa parte. Las voces espectrales fueron bautizadas así por lo que representan, que es la voz de los espíritus, más que por la forma en la que se grabaron. Aunque puedo decirte que una vez escuché el trabajo de las guitarras acústicas me vinieron a la cabeza las voces y las grabé a primeras tomas con una buena inspiración, como el médium que hace escritura automática.

Eduardo: en el Concierto de evocación sonora empezamos a desarrollar, además, una faceta más poética con respecto a todos los textos de nuestros libretos (algo que cuidamos muchísimo). En su día escribí lo que bauticé como “Texto evocacional” y que finalmente se incluyó en el libreto, como una pequeña guía sugerente para que el oyente se introdujera en el disco, intentando cuidar no condicionar demasiado la escucha. Esto derivó en una conferencia con audiciones sobre el método de composición y recepción utilizado en este álbum y que he impartido en algunos círculos académicos. Yo, como musicólogo, y Pablo, como coleccionista de instrumentos, intentamos confeccionar para los libretos una pequeña guía instrumental que puede ayudar, al oyente curioso, a que profundice en otros estilos y culturas, buscando información sobre cada recurso instrumental utilizado. También nos gusta mucho usar referencias poéticas hacia ciertos sonidos, con los valores que nos inspiran. Por ejemplo, para la pieza incluida en el proyecto Cani Arrabbiati, un pasaje creado y grabado por Israel que implicaba la superposición de varias líneas de saxofón, lo bautizamos como extravaganza, como guiño a las texturas corales de Queen y que como tal se indican en el libreto de A night at the Opera.

J - Gameland se basa en una melodía balinesa arreglada por Pablo ¿Cómo trabajáis el tema de melodías y armonías a la hora de componer?

Pablo: después de descubrir la música de “gamelan” de Bali, sentí que ahí teníamos un filón para poder hacer una adaptación o arreglo sobre alguno de aquellos temas de ritmos desenfrenados. Sabía que podríamos hacer algo original. Con “Gameland”, seleccioné una pieza de gamelan que me gustaba particularmente y sustituimos los gongs por los teclados de Edu (sonido marimba, el mismo que en “De Nooijer”) y le añadimos el bajo para darle consistencia. Las flautas Suling del gamelan fueron sustituidas por las guitarras eléctricas de Israel y Pedro añadió unos contrapuntos rítmicos a algunas partes contundentes, dándole un aire un poco cómico a alguna de las secciones. El kaval se añadió posteriormente, como un momento solista dentro del tema, que debía desembocar en un clímax. En cuanto a la composición de los temas, cada tema es un mundo y utilizamos muchas formas de composición diferentes.

Eduardo: por seguir con el caso de “Gameland”, en las partes de marimba tuve muy presente la música de Steve Reich (obras como Six marimbas o sus distintas Phases). Cuando creamos las texturas electrónicas, lo planteamos como una especie de analogía entre lo tribal ancestral y los ritmos hipnóticos de la electrónica actual, como dos prácticas culturales con elementos comunes pero medios distintos. Igualmente al final hay una sección “pregunta-respuesta” entre instrumentos acústicos y eléctricos. Con el Minimoog me inspiré en el Rick Wright de piezas como “On the run”. Como ves, hay muchos elementos que están en la base creativa de cada composición. Luego, al materializarse en estudio, cobran otra impronta. Siempre vi un aire muy a lo John Zorn en esa mezcla con ritmos punk y hardcore y pasajes más minimalistas, alternados de forma abrupta y sin concesiones. Son dos minutos muy intensos.

J - Un instrumento como el kaval interpretado por Theodosii Spassov en "Gameland" fue grabado en Bulgaria ¿El resto de colaboraciones han sido también grabadas en el lugar de origen del invitado? ¿Cómo se realiza la mezcla final?

Israel: En el caso de Theodossi, dada la distancia que nos separa y que él cuenta con medios para hacer sus propias grabaciones, el único modo de formalizar nuestra colaboración fue que él grabase por su cuenta sobre una pista base que le enviamos. En el resto de los casos, dado que se trata de músicos residentes en Asturias o al menos España, siempre pudimos contar con algún miembro de Senogul presente en las grabaciones. Éstas se efectuaron en diferentes estudios, en muchos casos caseros, como el del propio Manglis. Marcos Mantero grabó en casa de Pedro, pues tiene familia en Gijón y viene por aquí con cierta frecuencia. Chema Fombona (batería y percusión) tiene su propio estudio, en el cual también grabó John Falcone (fagot). Alejandro Ares grabó el acordeón en el estudio de Ángel Berdiales (el sexto Senogul), que es donde finalmente se mezclaron y masterizaron todos los temas.

J - Eva D. Toca ha dejado la banda y en su lugar a entrado Rafa Yugueros a la batería ¿Qué puede aportar a la música de Senogul?

Pablo: Eva es una grandísima baterista, con un sentido del ritmo estupendo y muy buen gusto en los arreglos percusivos. Rafael Yugueros es un batería con tanta experiencia como Eva, abierto a múltiples estilos musicales, aunque es especialista en rock y heavy metal. La presencia de Yugueros en el grupo creo que puede incrementar aún más la energía de los directos, dándoles si cabe más espectacularidad. Aparte de eso, Rafa es un soporte rítmico preciso y contundente para el grupo.

J - Creo haber leído que vuestro próximo trabajo será grabado en directo ¿Es así?

Pablo: a día de hoy lo único que tenemos en mente es llevar nuestra música lo más lejos posible y promocionar especialmente nuestro tercer disco. Es cierto que algunos temas del segundo disco adoptan otra dimensión mucho más rockera en directo y nos gustaría algún día plasmar esa faceta en una grabación en vivo, con repertorio de los tres discos. Espero que algún día podamos llevarla a cabo, quizá en los próximos años.

Pedro: lo íbamos a grabar en las ruinas de Pompeya, pero parece ser que ya lo hizo alguien antes…

J: ¿Algún contacto con los organizadores de los tres festivales progresivos que se celebran en España (Peralta, Finisterra y Bornos)?

Eduardo: Con respecto a lo de los festivales, te diré que estamos en contacto con los organizadores de los tres festivales (incluso hemos asistido como público a los dos primeros) y que apoyamos su iniciativa. Para nosotros sería un privilegio que contarán con nuestra aportación. Veo de gran importancia la unión de músicos, promotores y aficionados a géneros como el rock progresivo, puesto que todos son eslabones de la misma cadena y cada uno cumple su función. Me gusta mucho respirar el ambiente que se crea en estos eventos.

J: pregunta obligada por su actualidad. ¿Que pensáis sobre el asunto del SGAE?

Eduardo: En cuanto a la SGAE, la verdad es que es un asunto muy complejo. Mi idea sobre lo que debe acoger los "derechos de autor" ha ido cambiando con los años. Entiendo que la obra del artista se ha de proteger y reconocer, para lo que existe la propiedad intelectual. Cómo se puede velar y gestionar de una forma equilibrada y coherente, permitiendo la difusión y también beneficiando al artista sin perjudicar al público, pues no lo sé. Desde luego, condeno la corrupción y el excesivo mercantilismo en cualquier ámbito. Para la SGAE será muy sano regenerar su junta directiva. Creo también que hay que buscar nuevas formas de integración y co-existencia con la distribución digital.

También es importante reforzar en la educación que todo conlleva un esfuerzo. En el caso del proceso de creación y registro, está muy claro; también en el que consume la cultura. Hay que buscar el acercamiento al ítem artístico sin promover su devaluación a través de no poner límites. Creo que, precisamente, uno de nuestros peores males es que hoy la cultura se entiende más como consumo que como enriquecimiento.

J - ¿Queréis añadir algo más? ¿Alguna pregunta esperada pero no realizada para responder?

Senogul: muchísimas gracias a ti, Juan, por la entrevista y por tu interés. Saludos a todos.

Gracias a vosotros y un saludo
Juan

Senogul : III (2011)

2011-08-22T16:04:00.005+03:00

Estamos ante el tercer álbum de la banda asturiana SENOGUL, un trabajo que recoge el testigo progresivo traspasado de su álbum debut, pero que además viene enriquecido musicalmente hablando, por las vivencias y aprendizaje de cada uno de sus músicos en proyectos precedentes, tanto en solitario como en grupo, precisamente uno de ellos como grupo fue su segundo trabajo "Concierto de evocación sonora", que supuso un punto de inflexión en la apuesta musical del grupo que derivo del sinfo-prog al Folk World Music, pues bien todo esto se refleja y traduce en un trabajo que no solo sobresale en una mayor madurez musical sino además en un elaborada y esmerada producción del disco, con un amplio registro y detalles sonoros donde tiene cabida casi todo.

Encontramos de nuevo, como claras señas de identidad en SENOGUL, la experimentación y ese espíritu libre de su forma de componer. Hay componentes fijos como el sonido étnico, la tímbrica, la variedad percusiva, el jazz, el canterbury, el RIO, el rock andaluz... todo esto forma parte de un concepto ecléctico que hace difícil encasillar su apuesta y consecuentemente abre un gran abanico de posibilidades de llamamiento a un tipo de progfan muy heterogéneo.

Personalmente encuentro corta la duración del disco, no supera los 48 minutos, más contando que el tema "The Black Cat" ya lo habíamos escuchado del álbum "The tales of Edgar Allan Poe: a syNphonic collection" en el 2010, pero bueno todo es cuestión de opiniones.

En cuanto a los temas, empezaría destacando la corta intro "The Nightstalker" con sus atmósferas étnico oscuras y donde podemos escuchar el instrumento chino Sheng. Me encanta en especial el tema "Pijamas", muy elaborado con su transfondo jazzero, la melodía cambiante y la acertada inclusión del basson interpretado este por el invitado John Falcone.

Destacable también el prog complejo y los momentos jazzeros de "La Serpiente de Jade" que contrasta con incursiones étnicas, acrecentado este aspecto por la intervención de instrumentos atípicos en el prog como el acordeón amen de la presencia de violín y saxos.

Tras "Parana" tenemos el tema mas complejo, tenso y misterioso de SENOGUL hasta la fecha, "The Black Cat" incluido como ya he comentado en el doble álbum dedicado al escritor Edgar Allan Poe grabado para Musea en el 2010, a continuación "Tales From Buanga" ofrece la personal experimentación y el protagonismo del bajo y las percusiones de Pablo Canalís.

En "Gameland" tema basado en una melodía balinesa arreglada por Pablo, escuchamos a los King Crimson mas científicos, sesudos y caóticos conviviendo con un pasaje de Canterbury y los trazos étnicos.

Cierra el álbum el tema acostumbrado por SENOGUL homenajeando al rock andaluz, el mas largo grabado por SENOGUL hasta la fecha, "Sopa Colora" con un sonido claro a Alameda y su visión mas coplista y salsera del rock andaluz, aquí intervienen los músicos de Guadalquivir, Luis Cobo "Manglis" y Pedro Ontiveros. Este tema no toca solo el palo del rock andaluz, además hay momentos para la salsa y un magnifico colofón de solo de piano clásico a cargo de Eduardo.

Por poner pegas, personalmente el tema "Parana", versión personal del tema original de Airto Moreira y Hugo Fattoruso, con la participación en los teclados de Marcos Montero de Iman y cantado en portugués por Pablo Canalís, lo encuentro descolocado de la línea musical del álbum, mas entre temas de tono digamos mas serio como "La Serpiente de Jade" y "The Black Cat" y por otro lado respecto a esta faceta mas étnica, la dificultad que puede suponer al oyente mas acérrimo al progresivo en la cohesión de un modelo serio como es el progresivo con lo alegre y bailable que surge de la vena mas étnica de grupo, pero ahí esta la gracia y ese esfuerzo por ser auténticos, por huir o alejarse de los clásicos y a veces de los esquivos clichés.

... en definitiva, estamos sin duda ante uno de los mejores trabajos progresivos realizados en nuestro país desde hace mucho tiempo, SENOGUL creo que ha encontrado un estilo y sonido personal y propio. Lo que queda claro a partir de este III álbum es que el futuro de SENOGUL es mas que prometedor.

Solo me resta aconsejaros encarecidamente su escucha !!!
© Juan

Senogul : III (2011)
Discografica: Disconsonancia / Musea

Temas:

1. The Nightstalker (0:37)
2. Pijamas (8:01)
3. La Serpiente de Jade (5:14)
4. Parana (6:06)
5. The Black Cat (9:09)
6. Tales From Buanga (3:47)
7. Gameland (2:02)
8. Sopa Colora (13:41)

Musicos:

- Pablo Canalís : bajo eléctrico, percusiones, voces
- Eduardo Gª Salueña : piano, teclados, minimoog
- Pedro A. Menchaca : guitarras eléctrica y acústica
- Israel Sánchez : guitarras eléctrica y acústica
- Eva D. Toca : batería

Colaboran:

- John Falcone: fagot (2)
- Juan Antonio Martínez: saxos alto y barítono (3)
- Iris Cárcaba: violín (3)
- Alejandro M. Ares: acordeón (3)
- Rafael Yugueros: batería (3)
- Chema Fombona: percusiones latinas, vibráfono, batería (4, 8 )
- Marcos Mantero: sintetizador (4)
- Theodosii Spassov: kaval (7)
- Pedro Ontiveros: flauta travesera, saxo soprano (8 )
- Luis Cobo "Manglis": guitarra eléctrica, 12 cuerdas y acústica (8 )
- Abelardo Freitas: Abotronics

Wicked Minds – Visioni, Deliri E Illusioni (2011)

2011-07-12T11:28:00.006+03:00

La banda de Hard prog piscodelica italiana Wicked Minds, homenajea en "Visioni, Deliri E Illusioni" al progresivo italiano setentero con temas de bandas tan representativas de aquella época dorada como Le Orme, Balletto DI Bronzo, Osanna, Delirium, New Trolls.

No tan solo se trata de covers, además de conseguir un sonido mas modernizado, cuentan con la colaboración de los propios protagonistas Lino Vairetti (Osanna), Martin Grice (Delirium), Sophya Baccini (New Trolls/Circus 2000), Aldo Tagliapietra (Le Orme), Antonio Bartoccetti (Dietro Noi Deserto, Antonius Rex, Jacula) y Stefano “Lupo” Galifi (Museo Rosenbach). Wicked Minds ha sabido escoger los temas mas apropiados a su forma de sonar Hard prog psicodelica.
Destaca el tema Zarathustra de Museo Rosenbach con la voz de Stefano “Lupo” Galifi y una gran instrumentación del grupo Wicked Minds dandole ese toque intenso y heavie con una gran intervencion del Hammond. Otro tema destacable es el Mix que hacen de Nuova Idea con "Un’Isola / Un Illusione da Poco y Clessidra", de nuevo el Hammond es protagonista. Tambien destacan la inicial "Caronte" del grupo The Trip, L'Uomo de Osanna con Lino Vairetti en las voces, como no Aldo Tagliapietra poniendo su particular voz en el tema Figure di Cartone de Le Orme, el Hard psicodelico de Dentro Me del grupo Dietro Noi Deserto con su cantante Antonio Bartoccetti, un single aparecido en 1971 para Decca.

Temas menos agraciados a mi parecer son los cantados por las cantantes Monica Sardella y Sophya Baccini, no se si por el tema en si o por la voz chillona y descompensada, lo cierto es que temas como "Un Posto" de Il Balletto di Bronzo, "La Prima Goccia Bagna il Viso" de New Trolls y que decir de "La Strega" de Circus 2000 en ambas ocasiones cantadas por Sophya Baccini y finalmente "Un Villaggio, un’Illusione" de Quella Vecchia Locanda quedan algo mal paradas.

Pero por lo demás, un placer auditivo sin lugar a duda.

JUAN

Temas:

1. Caronte I (Trip)
2. L’Uomo (Osanna – feat. Lino Vairetti)
3. Un Posto (Balletto di Bronzo)
4. Dio del Silenzio (Delirium – feat. Martin Grice)
5. La Prima Goccia Bagna il Viso (New Trolls – feat. Sophya Baccini)
6. Figure di Cartone (Le Orme – feat. Aldo Tagliapietra)
7. Un’Isola /Un Illusione da Poco/ Clessidra (Nuova Idea)
8. Dentro Me (Dietro Noi Deserto – feat. Antonio Bartoccetti)
9. Io, La Strega (Circus 2000 – feat. Sophya Baccini)
10. Zarathustra (Museo Rosenbach – feat. Stefano “Lupo” Galifi)
11. Un Villaggio, un’Illusione (Quella Vecchia Locanda)
12. Farfalla senza Pois (Gleemen)
13. La Carrozza di Hans / Impressioni di Settembre (P.F.M.)

Musicos:

- MONICA SARDELLA – Vocals
- LUCIO CALEGARI – Guitars
- PAOLO “APOLLO” NEGRI – Keys, Mellotron, Hammond
- ENRICO GARILLI – Bass
- RICKY LOVOTTI – Drums

Invitados:

- J.C. CINEL – Vocals in Farfalla senza pois and Così come in Dio.
- ANDREA CONCAROTTI – Drums
- Lino Vairetti (Osanna), Martin Grice (Delirium), Sophya Baccini (who sings New Trolls and Circus 2000 songs), Aldo Tagliapietra (Le Orme), Antonio Bartoccetti (Dietro Noi Deserto, Antonius Rex, Jacula), Stefano "Lupo" Galifi (Museo Rosenbach)

YES - Fly From Here (2011)

2011-07-06T13:11:00.000+03:00

La reformación de Yes con Benoît David a las voces y Geoff Downes a los teclados (que ya participara en el Drama) junto a los clasicos Chris Squire al bajo, Steve Howe a la guitarra y Alan White a la bateria, amen de la colaboración de Trevor Horn como productor, alguna aportación vocal y teclados llegan tras diez años desde su ultima publicacio`´n con Magnification, en este 2011 con un nuevo trabajo titulado FLY FROM HERE que fue anunciado a bombo y platillo como una secuela del DRAMA, y que decir tras oirlo que lejos de la realidad el resultado se acerca al DRAMA de 1980.

Un trabajo resulton con muchos altibajos que claramente dista de poder ser considerado digno de la obra discografica de YES, quizás sirva para promocionar la futura gira por los EEUU y Europa, una excusa a la postre perfecta.

Juan

NEMO - Révolu$ion (2011)

2011-06-22T15:35:00.004+03:00

NEMO es una banda francesa con bastante actividad, en cuanto a publicaciones de discos desde que editaran su primer disco en el 2002 "Les Nouveaux Mondes". Concretamente Révolu$ion es su septimo trabajo, siempre en un modo conceptual como el resto de su discografía.

Con Révolu$ion NEMO vuelve a ofrecernos su lado mas imaginativo en cuanto a composición, retrovandose de nuevo con el buen hacer de sus primeros discos. La música la definiria como una mezcla de Neo progresivo con toques de Metal prog o viceversa, con pinceladas a Pink Floyd con el añadido de las letras cantadas en su idioma original el francés.

Temas destacables en mi opinión son "Seul dans la foule" con ese toque ya mencionado a Pink floyd, la larga "Loins des yeux (Barbares parties VIII a XII)" que transcurre desde una balada inicial a pasajes instrumentales propios del Metal prog y momentos entre melancólicos y románticos, mencionar también el tema que da nombre al álbum "Révolu$ion" donde confluye el Metal y el Neo Prog.

En resumen, los NEMO vuelven a recobrar el buen prog ecléctico que nos ofrecieran antaño, si os gusta el Metal prog épico light con aderezos de NEO y las obras conceptuales, no dejéis de oír este álbum, seguro que nos os defraudara.

Juan

Temas:

1. Liberté, Egalité, Insurrection ! (2:23)
2. Je suis un objet (5:43)
3. Révolu$ion (5:08)
4. Aux portes du paradis (2:21)
5. Seul dans la foule (9:36)
6. Chiens en laisse (5:35)
7. Loins des yeux (Barbares parties VIII a XII) (24:30)
8. Notes pour plus tard..(6:43)

Total Time 61:01

Musicos:

- Guillaume Fontaine / keyboards, vocals
- Lionel B. Guichard / bass, vocals
- Jean Pierre Louveton / guitar, lead vocals
- Jean Babtiste Itier / drums, vocals

Neal Morse: "Testimony 2" (2011)

2011-06-11T11:33:00.003+03:00

Neal Morse vuelve tras un corto periodo de tres años desde su último trabajo Lifeline, supongo que para el bueno de Neal ha pasado mucho tiempo acostumbrado a editar un album cada año (amén de sus trabajos mas enfocados si cabe al cristianismo), vuelve como he dicho con un trabajo que aunque no vaya a destacar ni mucho menos por su originalidad o alto riesgo compositivo, si que estoy seguro que agradara a todos los seguidores del NEAL de las obras majestuosas, epicas, sinfonicas, de grandes pasajes vocales e instrumentales, como sucediera curiosamente con la primera parte de este album Testimony 1 que coincidio con su marcha de Spock's Beard.

Tras una intro con claros recuerdos de la primera parte del Testimony, menuda caña a partir del segundo tema cercana a los parametros del Metal Prog pero conservando en todo momento el sello particular que imprime Neal Morse en sus trabajos, que decir del siguiente tema con toques a YES, de hecho me atreveria a decir que en este Testimony 2 se hace mas que patente esta influencia. Curioso el quinto tema con ese comienzo con sonido LIVE y Hard rockero festivo...

y asi de espectacular lo que nos espera del resto del primer CD, entre tonos epicos, baladas, Metal prog mezclado con rock sinfonico y un magnifico trabajo de Mike Portnoy a la bateria.

El segundo CD me ha defraudado un poco, los dos primeros temas no aportan nada, cierto toque pop alegre para pasar a la suite con una composición bastante predicible, muy buenos pasajes epicos instrumentales con referencias a GENTLE GIANT.

Me quedo con el primer CD.

Este Testimony 2 solo hace que demostrar que Neal puede hacer todavia buen progresivo, sin repetirse o aburrir como hizo en sus dos anteriores trabajos.

Temas:

Disc One
Part Six: 22:50
Mercy Street
Overture No. 4
Time Changer (with Spock's Beard)
Jayda

Part Seven: 22:54
Nighttime Collectors
Time has come Today
Jesus' Blood
The Truth Will Set You Free

Part Eight: 32:36
Chance of a Lifetime
Jesus Bring Me Home
Road Dog Blues
It's For You
Crossing Over
Mercy Street Revisited

Total Time: 78:22

Disc Two
Absolute Beginner 4:39
Supernatural 6:11
Seeds of Gold 25:59

Total Time: 36:52

Musicos:

- Neal Morse: voz, teclados y guitarras
- Mike Portnoy: bateria
- Randy George: bajo

Invitados:

- Nick D'Virgilio
- Alan Morse
- Dave Meros
- Steve Morse
- Paul Bielatowicz
- Matthew Ward
- Eric Brenton
- Members of the Nashville Symphony

Wobbler: "Rites at Dawn" (2011)

2011-05-27T15:47:00.003+03:00

Los YES nórdicos, GENTLE GIANT dándose un paseo por los fiordos, la banda noruega WOBBLER reiventándose, incorporando a un cantante llamado Andreas Wettergreen Stromman Prestmo que tiene la voz casi calcada a la de Jon Anderson.

Premeditado o no la musica gira en torno a YES y GENTLE GIANT. ¿Que ha sido de los Wobbler de Hinterland? el sonido entre ANGLAGARD y ANEKDOTEN.... Tranquilos la esencia escandinava sigue ahí, a veces cuesta al estar debajo de una gran capa de influencias anglosajonas pero otras surgen con facilidad recordando su procedencia y porque no su personalidad.

Empezando por el corto instrumental "Ludic" que tendrá su continuación para cerrar el disco con "Lucid Dream" donde la banda nos muestra su faceta instrumental mas Space Rock, nada que ver con lo que se avecina acto seguido con "La Bealtaine" donde uno empieza a preguntarse si se ha equivocado de CD con ese toque ya mencionado, la larga "In orbit" que comienza con un solo acústico parecido a Porcupine Tree, para seguir con los YES mas complejos y enrevesados que uno pudiera imaginar. "This Past present" con un pasaje instrumental a lo ANEKDOTEN, seguido de "A Faerie's Play " donde las referencias a GENTLE GIANT son mas que evidentes y por si a alguien no le hubiera quedado claro estas referencias las tendrá de nuevo a continuación con "The River", aquí con la guitarra a lo Steve Howe y todo el disco inundado de mellotron.

Un álbum que seguro no defraudara a nadie a pesar de sus claras referencias y que os aseguro va ganando con el tiempo y las escuchas, no obstante hay tantos detalles que desgranar en sus excasos casi 46 minutos que realmente saben a poco.

© Juan (2011)

Discografica;: Termo Records

Temas:

1. Ludic (1:40)
2. La Bealtaine (7:52)
3. In Orbit (12:30)
4. This Past Presence (6:14)
5. A Faerie's Play (5:19)
6. The River (10:04)
7. Lucid Dreams (2:19)

Musicos:

- Morten Andreas Eriksen / guitars
- Lars Fredrik Fraislie / keyboards, marxophone, vocals
- Kristian Karl Hultgren / bass, saxaphone, glockenspiel
- Martin Nordrum Kneppen / drums, percussion
- Andreas Wettergreen Stromman Prestmo/ vocals

Invitados

- Ketil Vestrum Einarsen/ flute
- Hanne Rekdal/ basson

Albatros: "Ursus" (2011)

2011-05-27T15:37:00.001+03:00

Albatros es una banda catalana, concretamente de Igualada, capital de la comarca de Anoia en Barcelona, formada hace ya 10 años, que en este 2011 nos ofrecen su tercer trabajo titulado URSUS bajo el sello frances Musea Parallele, donde se les nota ya una madurez musical y un enfoque mas cercano al progresivo que en sus anteriores trabajos, estos mas cercanos a la psicodelia.

La música de Albatros navega cruzando constantemente el delgado filo de la frontera del Hard Rock y el Rock Progresivo, teniendo como máximas influencias a Pink Floyd, Extremoduro, Deep Purple, Porcupine Tree y otras hierbas.

El disco comienza con el mejor tema según mi opinión y que precisamente da nombre al álbum, URSUS, un tema donde los vestigios de la psicodelia se mezcla con el Hard Rock mas convencional y donde ya comienza a destacar la potente voz de su cantante JAVI esta vez cantando en castellano.

Otro tema destacable es la balada medio tiempo de ICARO con un final apoteósico instrumental realmente progresivo, mezclado con una larga jam psicodelica sesentera a lo Pink Floyd. Por último destacaria el último tema PLANETA PROHIBIDO, donde se desprende algo de Hard-Doom y el Rock lisergico de unos The Doors, con la utilización de voces tratadas electrónicamente.

Un trabajo realmente inspirado y maduro que refleja las inquietudes setenteras de la banda igualadina que consolida en este URSUS un prometedor futuro y demostrándonos que aun hay cantera en este nuestro pequeño terruño.

Se puede escuchar tres temas en el facebook o myspace del grupo, plataformas digitales y próximamente estará en Spotify.

http://open.spotify.com/album/6bLlZOGxfKjSIwRSQumrye

Discografica: Mueas Parallele

Temas:

1. Ursus (05:41)

2. El camino de Swann (04:42)

3. Loki (05:31)

4. La Ciénaga (07:25)

5. Rey Lombriz (03:21)

6. Icaro (10:34)

Musicos:

- Javi Fernández: guitar, vocals

- Red Perill: keyboards, vocals

- Juanito: bass, vocals.

- Marc G. Rosell "Red Pèrill": guitar, vocals

- Tolo: drums

ENTREVISTA A ALBATROS - MAYO 2011 -

2011-05-24T18:47:00.005+03:00

Albatros es un grupo catalán, concretamente de Igualada que a través de Musea Parallele han editado su tercer trabajo titulado URSUS donde ya se les nota una madurez musical y un enfoque mas cercano al progresivo que en anteriores trabajos.

Por este motivo me puse en contacto con ellos y aquí tenéis la entrevista.

ENTREVISTA A ALBATROS - MAYO 2011 -

"Definiríamos nuestra música como un viaje donde cada canción intenta explicar una historia con su introducción, su cuerpo y su desenlace, tanto en lo que a cada parte instrumental se refiere como a las letras"
Javi de ALBATROS

JM: Para quien no os conozca ¿Nos puedes hacer una breve presentación de Albatros?

[Javi] Albatros es una banda formada hace ahora 10 años, que empezó con la ilusión de emular a los grandes del rock de los 70. Desde el inicio crean sus propios temas que buscan una identidad propia. Tras varios cambios de formación, es desde que cuenta con sus componentes actuales (hace aproximadamente 5 años) cuando por fin existe la seguridad suficiente como para afrontar los retos de una música llena de influencias que van desde el rock más clásico a los grupos actuales con más trascendencia en el mundo del progresivo y el rock en general. Definiríamos nuestra música como un viaje donde cada canción intenta explicar una historia con su introducción, su cuerpo y su desenlace, tanto en lo que a cada parte instrumental se refiere como a las letras.

JM: ¿Que cambios hay respecto a vuestros dos anteriores trabajos, musicalmente, ideas, músicos?

[Marc] Principalmente la madurez. Desde que se fundó Albatros hasta Ursus han pasado diez años y la formación ha cambiado de componentes, en la manera de componer y tratar las canciones, y en los caminos a elegir. Este es el primer trabajo donde se ha trabajado des de el principio con la formación actual. Creemos que que nuestra mayor madurez como banda ha influido sin duda en Ursus. Quizá la balanza, antes más inclinada hacia la psicodélia, ha dado un giro hacia el prog, pero sin olvidar nunca la atmósfera, o el viaje, como meta.

JM: Tercer trabajo, en esta ocasión editado por Musea Parallele. ¿Estáis satisfechos del resultado final de este trabajo?

[Tolo] Pues la verdad es que si, estamos muy satisfechos de Ursus. Para nosotros supone un gran paso adelante, pero ya tenemos la mente puesta en el siguiente. Que la música no pare!!

JM: Háblanos un poco del proceso de creación de Ursus, ¿De donde salen las ideas? ¿Quién es el principal compositor? ¿Cómo trabaja la banda en general?.

[Javi ] En lo que se refiere a la composición, normalmente parte de ideas que aporta Javi, el cantante y guitarrista. A partir de esos esbozos, el grueso del trabajo lo hacemos en el local de ensayo, donde cada uno aporta su manera de entender el tema.

En Ursus, la química compositiva entre Javi y Marc (teclista) ha sido muy importante a la hora de realizar la esqueleto de los temas. A partir de ahí, las canciones no tendrían sentido sin la participación constante de los demás miembros, ya que del borrador inicial a la canción final puede haber un mundo (y muchos meses de trabajo). Pese a darle mucha importancia a la parte de producción de los temas, en el momento de grabar el disco, el productor Magí Batalla también jugó un papel esencial, participando en cada canción con un grado de implicación muy alto, y ayudando a darle la identidad definitiva.

JM ¿De que manera ha evolucionado el grupo desde que comenzarías con esto de la música y como os adentrasteis en el mundo progresivo?.

[Red] Pues la evolución ha sido bastante grande. Los 4-5 años que llevamos con la actual formación, y la constancia que hemos tenido en el trabajo, nos ha hecho mejorar mucho como grupo, y se nota en las composiciones, donde tenemos cada vez más confianza para asumir nuevos retos. Hemos tenido muchas caídas, y momentos dolorosos, pero hemos sabido levantarnos con más fuerza. Creo que hemos sabido aprender de los errores para ir a mejor, y las críticas nos han motivado y ayudado a partes iguales. Hace unos años, prácticamente nadie hubiera dado un duro por nosotros. La verdad es que parte de razón tenían. No teníamos el camino muy claro, y éramos un poco sosos.

JM: Siempre me he quejado de que los grupos de aquí brillan por la ausencia de canciones con inspiradas melodías, cuestión que hasta el mas pintado fuera de aquí consigue con suma facilidad. ¿Que pensáis vosotros de esta opinión?

[Joan ] Creemos que no es verdad, aquí se hacen muy bueno grupos aunque muchas veces no tengan el reconocimiento que se merecen.
Nosotros en Ursus hemos explotado mucho la melodía tanto en voces, como en teclados y guitarras, y estamos muy orgullosos de ellas.
Aunque a veces también nos gusta construir los temas a base de riffs y meterles ritmos cañeros y machacones, incluso bailongos.

JM ¿Cómo se ve esto de que os dediquéis al Hard-prog entre vuestros amigos y entre la familia?

[Red] No creo que haya ningún familiar cercano que sepa que existe algo llamado hard-prog hahaha. Bueno, a algunos les gusta y a otros no, pero creo que la mayoría entienden que si hacemos esto así, es porque así es como nos sale. Tampoco tiene ningún estigma especial. Saben que no nos haremos ricos, pero también, incluso los menos melómanos, se dan cuenta de que hay una evolución, de que cada vez parecemos más a un grupo “serio” por decirlo así.

JM: En vuestro myspace preguntáis en la Bio Progressive? Psychedelic? Heavy space-prog? Yo diría que Hard Prog. ¿Que me respondéis vosotros?

[Marc] Nosotros hacemos lo que sentimos sin pensar en las etiquetas, sino más bien en qué podemos expresar y de que forma, según nos venga en gana en el momento. Las etiquetas son un instrumento para clasificar, pero si una musica no te emociona, sea del estilo que sea, no nos interesa... Aunque hay que decir que Hard-prog quizá recoge bastante bien nuestro estilo actual. Prog con cierto gusto por el metal y/o el hard-rock es una buena manera de enfocarlo.

JM: En mi opinión navegáis en la frontera del Hard rock / Heavie y del Rock progresivo. ¿No os da miedo de que vuestra apuesta no llegue a gustar ni a los fan de un estilo ni del otro?

[Red] Pues algo así ocurre, si. No gustamos a todos los fans del prog, quizá algunos son muy quisquillosos con las etiquetas, ni a muchos de los que van a ver puro rock ‘ n ‘ roll muchas veces tampoco. Creo que la gente que nos escucha es un poco heterogénea. Sobretodo gente a la que le gusta el prog, a gente que le gusta el metal, pero también mucha gente que tiene gustos variados. Siempre con afición por el rock, claro está. Pero hay que tener en cuenta que la etiqueta es posterior a la música. Primero existe la creación y después se intenta clasificar o englobar.

JM: Si os obligaran a elegir ¿Hacia donde se movería el grupo musicalmente, hacia el Hard o hacia el prog?

[Javi] Bueno, la verdad es que no nos lo hemos planteado de antemano, de la misma manera que no nos planteamos hacia dónde irían los temas de Ursus. Normalmente trabajamos sobre lo que nos fluye en cada momento, y con meses de trabajo sobre cada tema, puede variar mucho el estado emocional de cada uno de ellos, y por lo tanto de su estilo. Con las nuevas composiciones parece que nos estamos acercando más al prog, pero de momento todavía les quedan muchas vueltas que dar.

JM: ¿ No os saldría más a cuenta dedicaros a hacer pop - comercial?

[Marc] Hay pop comercial que nos gusta, escuchamos de todo. Pero nosotros hacemos discos para nosotros mismos y eso es lo que nos llena. Luego si alguien nos escucha y le gustamos, magnifico!

JM: ¿A que bandas o solistas podrías decir que hacéis referencia / influencia? Son esas referencias, además, influencias reales de los todos músicos de Albatros?

[Tolo] 5 componentes. 5 gustos musicales... Grunge, jazz, metal, psicodelia, sinfónico.. Hay una serie de grupos en los cuales coincidimos todos, que son los que marcan más la línea conjunta: Por encima de todo Pink Floyd y Triana, pero también están Led Zeppelin, Camel, The Doors, King Crimson, Maiden, Metallica... En la época de creación de Ursus también hemos escuchado bastante a Opeth, Crosby, Stills & Nash, Porcupine Tree, Ozric Tentacles o a los andorranos Hysteriofunk.

JM: Hay cierto regusto a Porcupine Tree, evidentemente a Pink Floyd, incluso algún destello al Doom ¿Es premeditado o espontáneo?

[Javi] Nos alegra que noten en nuestras canciones las diferentes influencias, pero no es premeditado, o no del todo. ¿Sabes cuando tienes una época en la que flipas con un grupo y lo escuchas a todas horas? Bueno, pues a la hora de componer eso se nota. Porcupine es uno de ellos y alguna canción creo que debe notarse incluso un regusto “riffero” a Mastodon. Nada es descartable si nos gusta tocarlo.

JM: En algunas fases del disco URSUS me recordáis a BLOQUE o quizás a alguno de aquellos grupos heavies de los 80's Barricada, Topo, Leño y de los 90’s como Extremoduro… pero también cierto toque de rock andaluz, ¿Que pensáis de esto?

[Javi] Es normal, Javi ha escuchado mucho rock estatal, sobretodo en su etapa adolescente. La agresividad del rock junto a las letras más emotivas de Triana o las más potentes de Extremoduro marcan la composición de los temas desde lo más profundo de esos recuerdos. Sobretodo siendo el letrista y cantante es evidente que debe estar presente.

JM: Parece que al final os habéis decidido a cantar exclusivamente en castellano, cuando en Pentalia predominaba el ingles. ¿Como os habéis decidido por nuestro idioma?

[Javi] Como comentaba en la pregunta anterior, Javi está muy influenciado por el rock estatal y además es la manera más cómoda de cantar. No pensando en cómo pronunciar una palabra, sino que preocupándote mejor de darle el “feeling” que precisa. Si el nivel de inglés de la banda fuera más alto quizás, aunque después de algunas críticas sobre nuestro acento inglés de Igualada no sabemos si volveremos a intentarlo, jeje.

JM: ¿Hablarnos de los directos que habéis hecho hasta ahora y los que haréis próximamente?

[Joan] Supongo que como todas las bandas empezamos tocando en nuestra ciudad en fiestas, bares musicales y locales de allí. Y con algún concierto esporádico en Barcelona.
Fue con la aparición de nuestro primer álbum que se nos brindó la oportunidad de tocar en distintas salas de Barcelona (Sidecar, Màgic, Be Cool, Rocksound, Estraperlo).
Este último año estuvimos liados con el disco y hemos hecho pocos conciertos.

También recordar conciertos que fueron noches mágicas para nosotros como el Festival de Porquerisses, nuestro primer concierto con la formación actual, el festival de Rock de Canet de Mar o en Sta. Coloma de Queralt donde presentamos por primera vez Pentadèlia.

Nos gusta hacer conciertos porque es la manera de darnos a conocer y siempre conocemos a alguien que se ha flipado y esto nos llena de orgullo.

Próximamente, el 10 de junio, tocaremos en en un teatro de nuestra ciudad, Igualada, para presentar URSUS. Estamos muy ilusionados porque el sitio invita a preparar un concierto muy interactivo con el público, y miraremos de hacer algo conceptual.

Para septiembre ligaremos algún concierto en Barcelona, y ojalá más adelante tengamos la oportunidad de tocar en Madrid.

Ya os iremos informando.

JM: Actuasteis hace poco en Granollers con el grupo The Soulbreaker Company. ¿Que pensáis de su éxito?

[Joan] La verdad es que es una banda que nos impresionó bastante y creemos que su éxito es muy merecido, tienen auténticos temazos y un directo aplastante. Cabe destacar que hicieron un concierto brutal pese a numerosos problemas de sonido y monitoraje. Suenan a bloque, y de los que podríamos aprender mucho. Podríamos incluso decir que nos dieron una auténtica lección sobre el escenario. Les deseamos mucha suerte.

JM: ¿Como ha sido el contacto o interés de los medios de comunicación, estamentos institucionales para apoyar a un grupo novel como vosotros?

[Marc] Como en todos los grupos noveles, ninguno. Pero lo que tenemos claro es que poco a poco y a fuerza de ir trabajando cada dia nos damos más y más a conocer, ya no solo en Catalunya sinó en otros países. Sin ir más lejos, la discografica que nos publica y distribuye el álbum (Musea Parallele) distribuye discos en toda Europa y parte del mundo, excepto en España, donde no les salía muy rentable el negocio..

JM: ¿Como véis la escena progresiva aquí en Catalunya?

[Tolo] Aquí siempre hubo cierta tendencia por el progresivo años ha, pero actualmente, aunque haya algunas buenas bandas, parece que el interés del público es prácticamente nulo.

JM: ¿y fuera de aquí? ¿Que grupo(s) te gustan mas de los actuales?

[Marc] Hay cantidad de grupos contemporaneos que nos gustan, como por ejemplo Mastodon, Porcupine Tree, Opeth, The Mars Volta, My Morning Jacket, Black Mountain, Fleet Foxes, Big Elf, Flaming Lips, Radiohead...

JM: ¿Crees que hay un interés desmesurado en la escena musical progresiva y no progresiva por compararse con los grupos extranjeros?

[Red] Pues no lo sé realmente. Supongo que aquí siempre se ha imitado bastante a lo de fuera por las circunstancias que todos sabemos, que hicieron que España siempre fuera un poco atrasada musicalmente hablando, exceptuando fenómenos concretos como el rock andaluz o la onda laietana.
Por eso está bien echar la mirada atrás y ver también que se puede aprender de Tríana, o de Pau Riba, por citar 2 ejemplos distintos, aunque también ellos bebían en su mayor parte de influencias anglosajonas.

Hay que decir, sin embargo, que somos, al menos en Cataluña, unos rajadores y unos envidiosos de cuidado, y acostumbramos a ser más exigentes con lo que sale de aquí. Yo he oído melodías en Senogul, Hysteriofunk, o Gurth, por ejemplo, que no tienen nada que envidiar a ningún grupo foráneo.

JM: - Que piensas de Internet en cuanto a que ayude a los grupos a darse a conocer, mostrar vuestra música y difundir aquello que los medios de comunicación os niegan?

[Red] Internet nos ha ayudado mucho, la verdad, y más tocando un tipo de música más bien impopular en España. Aunque tampoco es la panacea, evidentemente.

Hay millones de grupos como tú, y todos ellos están buscando una estrategia o una idea genial que les permita relucir un poco más que los demás. Con internet, los grupos amateurs, fuera de horas de trabajo, tenemos que componer, aprender a programar webs, saber usar el photoshop, aprender de marketing, dominar todas las redes sociales…. y tener colegas que dominen la fotografia, el vestuario, el masaje, la psicología, y que encima vengan en masa a los conciertos y lleven nuestras camisetas para promocionarnos allá donde vayan . Hahahahaha!! Eso sí, es difícil encontrar el equilibrio entre informar, y ser pesado, y te encuentras constantemente inmerso en una lucha entre la ilusión de compartir tus logros con la de no entrometerte en la vida de los demás como si tuvieras que ser su única preocupación inmediata. TU disco, TUS conciertos...

JM: El inevitable tema del pirateo. ¿Que pensáis de que haya webs o blogspots donde se puede bajar vuestro trabajo con suma facilidad y de forma gratuita?, ¿Que podéis hacer vosotros para evitar esto? ¿Que formula habría para combatirlo o bien unirse y sacar algo de beneficio? ¿No habría que cambiar la forma de venta de discos?

[Joan] Es una manera de conseguir llegar a mucha más gente. Nuestro primer trabajo lo colgamos en la red para que se pudiera descargar gratis, y a nosotros no sirvió para darnos a conocer a través de foros y webs de manera sorprendente.

Maneras de combatir la piratería: quizá una de ellas sería bajar el precio de los discos. A todo el mundo le gusta tener el disco original de las bandas que le gustan.

En cuanto a cambiar la forma de vender los discos ya está sucediendo con las plataformas digitales. Creemos que es una gran idea porque aumenta la educación musical, precisamente porque se abre el abanico de oferta musical, y también es verdad que mucha gente ya no usa los cd's para escuchar música, bien porque usa su reproductor mp3, o porque ya los tiene en el ordenador. Es pronto para saber que va a pasar en el futuro...

JM: ¿Como ha ido la bajada gratis de vuestro anterior trabajo Pentalia? ¿Como se os ocurrió esta idea?

[Javi] Pues la verdad es que muy bien. En total ha habido más de 1500 descargas que se han traducido en muchos casos en entrevistas o recomendaciones. Hoy en día hay muchos medios aunque también una gran saturación de obras. Esto hace que todo sea extremadamente asequible y por lo tanto, para una banda como nosotros, primeriza en la publicación de un disco, nada interesante ser descartada de la escucha de alguien por unos cuantos euros.

JM: ¿Cual crees que seria el camino para que el rock progresivo regresara a sus fueros "popular" como en los 70's?

[Tolo] Ésta la contesto yo porque viví ésa época en mis propias carnes. El progresivo requiere de un punto más de atención que muchos de los estilos musicales más corrientes. Y la gente, hoy en dia, no está mucho por la labor.

JM ¿Cuáles son vuestros planes de futuro?

[Red] El primero y más inmediato es tener un montón de groupies, poder dejar nuestros trabajos, y girar en una furgoneta (risas). Ahora en serio, ser más reconocidos? Si bien no puedes gustarle a todo el mundo, sientes un gran orgullo cuando ves que llega un momento en que te ganas un cierto respeto, eso para un músico es muy satisfactorio. Creo que con “Ursus” lo conseguiremos un poco más. Y ya tenemos al menos 3 composiciones nuevas. Por motivos varios, tardamos tanto en grabar los discos que cuando salen ya los tenemos aburridos (risas) y nos acostumbra a pillar con la mira puesta ya en el siguiente. Cuando empieza un ensayo, dejamos de mirar para atrás, y ya solo pensamos en hacer un tema mejor que el anterior.

Gracias y Suerte !!!

© Juan (2011)

Akt: "Blemmebeya" (2011)

2011-05-09T17:40:00.000+03:00

Sorprendente segundo trabajo con sonido italiano clasico progresivo setentero pero con toques proto prog y modernos. Se trata de "BLEMMEBEYA" de los italianos AKT que suena muy bien, fresco con buenas ideas, un sonido sorprendentemente maduro, con buenos arreglos, atmósferas y desarrollos instrumentales y con la voz del cantante (resulta ser tambien poeta) que aunque no sea ni de lejos lo mas destacable, llegas al final a encajarlo en la musica de AKT... su voz me recuerda en alguna fase a Franco Battiato.

Destacan las fases electrónicas, no obstante el trío se ha defendido muy bien estos años atrás en este estilo, ahora su progresivo parece mas influenciado por King Crimson y Genesis, adoptan el jazz rock de unos por ejemplo Weather Report, la psicodelia de unos The Doors y como no la herencia de los grupos italianos setenteros.

Destacan prácticamente todos los temas, desde la inicial y evocativa "Prima Della Fine" que pudiera recordar a los primeros King Crimson, pasamos por la jazzera "L'assalto" con su cambiante estribillo y el piano de cola solista, el jazz rock de "TG Egeo" que pudiera sonar a lo realizado por los grupos de rock andaluz en los ochenta, tipo CAI, la rockera "Favonio" con el sonido del órgano de iglesia en su inicio, "Stati D'animo Uniti" con la voz apagada como si se tapara la nariz junto a un sonido realmente particular caótico y experimental que recuerda y bastante a The Doors. El proto prog bluesero de "Di Vento", la flauta en plan solista de "Mani Aperte", la balada semidramatica en "Zeitgeist" y para acabar la misteriosa y experimental "La fine" que parece grabada en un directo.

El disco curiosamente os lo podéis descargar gratuitamente a través de su web. Os recomiendo bajaroslo, probar a ver si os gusta y tan solo tenéis que dejar o enviar vuestro comentario al grupo.

http://www.abstrakt.it/

© Juan (2011)

Temas:

1. Prima Della Fine (1:13)

2. L'assalto (9:56)

3. TG Egeo (5:10)

4. Favonio (4:55)

5. Stati D'animo Uniti (5:50)

6. Di Vento (10:17)

7. Mani Aperte (4:55)

8. Zeitgeist (3:44)

9. La Fine (5:27)

Musicos:

- Simone Negrini / drums, percussion, piano, guitar, electronics, synths

- Marco Brucale / guitars, guitar synth

- Alessandro Malandra / bass, electronics

District 97: "Hybrid Child" (2010)

2011-05-09T17:35:00.000+03:00

Disctrict 97 es una joven banda americana, concretamente de Chicago, que practican un MIX progresivo, con predominio del metal progresivo pero con otros elementos sinfoprogresivos que lo hacen un tanto originales, una composición cambiante, presencia de cantante femenina en la voz de Leslie Hunt, conocida por ser finalista en el 2007 del programa "American Idol" y la presencia atípica como instrumento solista del cello interpretado por Katinka Kleijn, que curiosamente ha anunciado en este mes de abril 2011 desde su myspace que deja el grupo por incompatibilidad con su trabajo en la Chicago Symphony.

En definitiva temas muy inspirados y con un sonido muy maduro, con referencias a Kansas, Meshuggah, ACT, King Crimson, Magenta.... destacan desde la inicial "I Don't Want To Wait Another Day" pasando por la alegre y con de estribillo de tono comercial " I Can't Take You With Me", la acelerada "Termites" hasta la culminación del álbum con una suite de 25 minutos titulada "Mindscan", con pasajes desde atmosféricos, misterioso, experimentales (curioso el parecido razonable de Mindscan V: Examination” al “The Waiting Room” de Genesis), sinfónicos y metal progresivos.

Aconsejo este álbum a los que le guste el Metal Prog y que se lo imagine con la presencia de cello y una cantante femenina salida de los triunfitos americanos.

© Juan (2011)

Temas:

1. I Don't Want To Wait Another Day (7:17)
2. I Can't Take You With Me (5:36)
3. The Man Who Knows Your Name (8:48)
4. Termites (5:53)
5. Mindscan I: Arrival (1:30)
6. Mindscan II: Entrance (3:07)
7. Mindscan III: Realization (2:45)
8. Mindscan IV: Welcome (2:47)
9. Mindscan V: Examination (2:53)
10. Mindscan VI: Hybrid Child (3:30)
11. Mindscan VII: Exploration (2:19)
12. Mindscan VIII: What Do They Want (2:42)
13. Mindscan IX: When I Awake (3:12)
14. Mindscan X: Returning Home (2:42)

Musicos:

- Jim Tashjian - guitarra
- Rob Clearfield - teclados
- Patrick Mulcahy - bajo
- Jonathan Schang - batería
- Leslie Hunt - voz
- Katinka Kleijn - cello

Altare Thotemico: "Altare Thotemico" (2009)

2011-04-28T15:59:00.001+03:00

AREA, concretamente su cantante y lider Demetrio Stratos crearon escuela allá en los inicios de los 70 en la bota itálica. Gianni Venturi cantante y poeta integrante de la banda italiana ALTARE THOTEMICO, recoge su testigo y nos ofrecen en su álbum debut homónimo un ejercicio vocal e instrumental cambiante, irónico, emocional, teatral y con un puntito de locura en cada uno de los 8 temas que componen este trabajo editado en el 2009.

Referencias incluiría a Area, La Maschera Di Cera, Biglietto Per L'Inferno... en definitiva un rock progresivo con rasgos proto-prog, psicodelicos e influencias del prog clásico setentero practicado en Italia.

Destacan el inicial " Il canto che sprofonda" un tema evocativo con reminiscencias al primer disco de King Crimson, con un toque dramático y la flauta pululando de forma inquietante similar a como lo realiza Andrea Monetti de LMDC. la jazzera "Lo sciamano" con un rabioso final de piano, "L'interessante via del topo" con la locura vocal a lo Claudio Milano de NICHELODEON o Scott Walker, solo mencionados para que os hagáis un idea de lo que intento describir y por último mencionar "La mente mia" por el protagonismo de la flauta tanto en plan solitario como interactuando con el resto de instrumentos.

Resultado final una música caótica, a ratos asfixiante y melodramática que a bien seguro hara las delicias a todos aquellos que nos gusta el sonido del rock progresivo italiano setentero.

Videos de Youtube:

Temas:

1. Il canto che sprofonda (7:20)

2. Lo sciamano (7:47)

3. L'interessante via del topo (7:12)

4. Demon (4:39)

5. Computer organico (7:32)

6. L'addormato (6:42)

7. La mente mia (7:03)

8. Suite per Marianna (6:34)

9. Oltre (6:36)

Total Time 61:25

Musicos:

- Gianni Venturi / Vocals and Poetry

- Valerio Venturi / Electric Bass

- Leonardo Caligiuri / Keys, flute, organ

- Enrico Scaccaglia / Guitars

- Davide Zannotti / Drums

Nuova Era - Nuova Era (2010)

2011-04-18T10:00:00.004+03:00

Nuova Era es un grupo veterano toscano (Italia) que funciono entre 1987 y 1997. En el 2008 el teclista Walter Pini reunifico el grupo llamando al batería David Guidoni y al ex-Taproban y bajista Guglielmo Mariotti.

Desde la fecha participaron con un tema para las tres partes de la Divina Comedia de Dante (Inferno, Purgatorio y Paradiso) para el proyecto Colossus/Musea, los temas concretamente "Lasciate Ogni Speranza…Voi Ch’entrate (Inferno)" donde interviene como invitado el saxofonista Alessandro Papotto de Periferia Del Mondo que además colabora habitualmente con Banco del Mutuo Soccorso en los directos, "Canto VII (Purgatorio) y "Canto II (Paradiso)" han servido creo como excusa para armar este CD, que además ha sido completado con una nueva versión de su tema "Dopo l'infinito" de 1998, mas una demo versión de "Io E Il Tempo" de 1992, una swing versión del tema "L'ultimo Viaggio" de 1988 y por ultimo tres temas pertenecientes a un directo, siendo sincero con un sonido pésimo pero normal para la época en que se grabo.

Los tres temas que forman esta trilogía de la divina Comedia, Nuova Era convertido en power trio, tiene un sonido denso con un toque misterioso, cercano a las ideas de EL&P... un sonido bastante alejado al practicado en su primera etapa cuando eran quintento y formaron parte de aquel renacimiento del prog italiano.

En resumen, si no habéis podido degustar a Nuova Era como trio power en sus tres colaboraciones para la Divina Comedia de Dante editada por Colossus y Musea esta es una buena excusa para hacerlo, seguro que no os arrepentís.

© Juan

Temas:

1. Lasciate ogni speranza...voi ch'entrate (Lucifero) - Inferno (6:17)
2. Canto XII - (Purgatorio) (6:41)
3. Canto II - (Paradiso) (6:21)
4. Dopo l'infinito (remake version) (17:44)
5. Io e il tempo (demo version) (14:27)
6. L'ultimo viaggio (swing version) (3:54)
7. Cattivi pensieri (live) (6:33)
8. La tua morte parla (Live) (10:32)
9. Epilogo (live) (3:03)

Musicos:

- Walter Pini / Hammond organ, piano & synthesizers (all tracks)
- Guglielmo Mariotti / bass (tracks 1-3), guitar (tracks 2-3)
- Davide Guidoni / drums (tracks 1-3)
- Riccardo Vello / vocals (track 4)
- Claudio Rovai / bass (track 4)
- Alex Camaiti / vocals & guitar (tracks 5 & 7-9)
- Enrico Giordani / bass (tracks 5 - 9)
- Gianluca Lavacchi / drums (tracks 4-9)
- Ivan Pini / words (tracks 4-5)

Invitados:

+ Alessandro Papotto / saxophone (track 1)
- Salvo Lazzara / electric guitar (track 2)

Paatos: "Breathing" (2011)

2011-04-13T13:32:00.007+03:00

Nuevo álbum de la banda sueca Paatos, compuesto por 12 temas de corte mas sencillo que sus precedentes trabajos pero no por ellos menos elaborados, notandose ademas una madurez en el sonido, sigue destacando la maravillosa y seductora voz de Petronella Nettermalm y esas influencias, ahora mínimas, entre unos Anekdoten y Landberk.

Comienza el disco con el tema titulado "Gone", bastante efusivo y enérgico con un pasaje instrumental que bien pudiera recordar a Anekdoten, le sigue "Fading out" un medio tiempo melodioso con un buen pasaje de teclados en plan sinfónico, a continuación "Shell", un tema triste y melancólico para pasar a uno de los tres mejores temas bajo mi opinión como es "In that Room" con un fondo musical a lo BSO Twin Peaks y la voz sensible y misteriosa de Petronella Nettermalm, tras un corto instrumental de tono misterioso con violonchelos, flautas y piano y con una base rítmica jazzera, llega otro de mis temas favoritos "Breathing" y aqui es donde me viene a la memoria el estilo musical de Amy Winehouse (salvando las distancias), es decir la fusion del Soul y el Jazz llevados al prog sinfónico, esto sucede de igual forma en "Precious", mi tercer tema favorito de este disco.

Seguidamente tenemos tres temas que no me han llamado mucho la atención como son la melódica "Surrounded", la intima y mística "Smärtan" y la breve "Ploing My Friend" donde suena una caja de música y para acabar la frenética "Over & Out" que recuerda algo a Anekdoten como sucediera en el tema que abre el disco.

En resumen, la banda sueca Paatos vuelven a deleitarnos con su estilo "post-rock melancólico" bajo el sello característico escandinavo. No creo que este trabajo defraude a nadie que haya seguido la carrera musical de Paatos en estos años, si bien es cierto que se han alejado de sonidos heredados de Landberk, de hecho ya no queda nadie de la banda tras la marcha de Reine Fiske y Stefan Dimle, apuestan por un sonido propio de nuevas tendencias enmarcado claramente en el Post Rock.

© Juan

Pandora: "Sempre E Ovunque Oltre Il Sogno" (2011)

2011-03-28T10:39:00.002+03:00

En el 2005 el batería piamontes Claudio Colombo decidió formar un proyecto musical llamado PANDORA junto a los teclistas Beppe Colombo (padre de Claudio) y Corrado Grappeggia que además se erige como vocalista solista del grupo. Su música se basaría en los clásicos anglosajones como Genesis y Yes y en los actuales grupos metal progresivos como pudiera ser Dream Theater dándole un toque italiano a lo Le Orme o New Trolls, así nació su primer trabajo titulado "Dramma di un Poeta Ubriaco" en el 2008 y 3 años después sale al mercado "Sempre e Ovunque Oltre il Sogno".

En este trabajo prácticamente instrumental, nos hallamos ante esa mezcla de orquestación a lo New Trolls, con lo sinfónico tipo Yes y Genesis, el metal prog digamos a Dream Theater y un toque melódico distintivo italiano que solo saben darle ellos, como no. Resalta el protagonismo de los teclados, no obstante tenemos a dos componentes Beppe y Corrado en estas funciones. Huelga decir que no hay guitarras eléctricas.

Destaca la larga suite "Sempre e Ovunque" con sus 23 minutos, un compendio macedonia de los estilos utilizados en este álbum, desde la orquestación cercana a una BSO épica y misteriosa, el metal prog que adereza un neo de toques modernos encubiertos a lo IQ, lo sinfónico y como no lo "italiano". Un tema que inicialmente se parece al "Il Re degli Scemi", siendo este casi 100% orquestado. Destaca también "La Formula Finale di Chad-Bat" por su tono épico, los vocales misteriosos y una cierta semblanza a LE ORME. En el album hay varios momentos románticos donde la voz de Corrado Grappeggia suena de fábula pero en otros momentos, no se si por la mezcla o producción suena fatal.

Curiosa el parecido razonable en cierto pasaje instrumental a Genesis en "03-02-1974" o a Pink Floyd en "L’Incantesimo del Druido".

En resumen, "Sempre E Ovunque Oltre Il Sogno" nos muestra un MIX de diferentes estilos, con sus altibajos pero en su generalidad creo que puede gustar tanto a los fan del clásico progresivo italiano como los que aceptan la modernidad en el progresivo de siempre.

© Juan

HOSTSONATEN – «Summereve» (2011)

2011-03-26T11:19:00.004+02:00

HOSTSONATEN – «Summereve» (2011)

Después de 11 años de trabajo, el proyecto "THE SEASONCYCLE SUITE" de HOSTSONATEN ha finalizado.

El proyecto musical liderado por Fabio Zuffanti ha editado la cuarta y ultima entrega de esta serie iniciada en el 2002, dedicada a las 4 estaciones, tras Springsong, Winterthrough y Autumn Symphony, en esta ocasión le ha tocado el turno a Summereve dedicada al verano, que curiosamente resulta ser la primera parte de "THE SEASONCYCLE SUITE"

Tras varias escuchas de estos excasos 44 minutos, prácticamente instrumentales que dura el disco, creo que Fabio consigue un gran trabajo que podría compararse a Springsong por su intensidad y emotividad tanto en la composición, hilo conductor y ejecución instrumental, que se ve beneficiada por la gran cantidad variada de instrumentación aportada por los 10 músicos que le acompañan.

Difícil destacar algún tema entre los ocho que componen el disco, todos "sufren" de un minimalismo cautivador, reflejan perfectamente ese color rojizo y amarillento que predomina en verano, algún toque de jazz, Folk, algo de experimentación, algún destello que pudiera recordar a Mike Oldfield, ambientes misterioso, atmósferas melancólicas y la riqueza de la variedad de instrumentos, especialmente la FLAUTA, auténtica protagonista de esta ofrenda musical.

Desde la tribal, festiva y épica suite "Seasons's Overture", la nostalgia y romanticismo de "Glares Of Light" donde destaca piano y violín tema con referencias a la música clásica, la acústica "Evening Dance" donde podemos disfrutar del protagonismo de la flauta u de un efusivo e intenso in solo de guitarra que da paso acto seguido a una de mis favoritas "On The Sea"continuando la melancolía y el protagonismo de la flauta en "Under Stars" donde curiosamente podemos oír de nuevo como ya sucediera en Springsong del relato de un breve texto. En "Blackmountains" se funde lo Hard-Rock, con el minimalismo de un Mike Oldfield, con lo tribal o estridente, incluye el sonido de la guitarra española y como no la omnipresente flauta , le sigue la ritmica "Prelude Of An Elegy" con una excelente sección rítmica y solo de guitarra y para acabar el mejor tema en mi opinión "Edge Of Summer" solo de piano, fondo de lluvia veraniega, tono épico y romántico y el apoteosis final del solo de guitarra.

Perfecto broche para esta gran obra de Fabio Zuffanti.

Si os va el sinfónico instrumental pastoral de una gran belleza y sensibilidad, no dejéis de escuchar este trabajo con referencias en Camel, Eris Pluvia, Mike Oldfield, Anthony Phillips, Finisterre.

© Juan

Beardfish - Mammoth (2011)

2011-03-23T16:52:00.003+02:00

No seria justo decir que la música de los suecos BEARDFISH en este su sexto album Mammoth deriva al Hard Rock, al Heavie o al Metal prog, ciertamente es un trabajo con mas ingrediente metálico que sus predecesores, es decir con mayor presencia de riffs guitarreros y de pasajes mas oscuros y enérgicos, así como una composición en su generalidad mas plana, menos cambiante, pero la esencia de la música de Beardfish continua latente, solo hay que deleitarse con el segundo tema "And The Stone Said: If I Could Speak" donde curiosamente se ha incluido la presencia de SAXO, que ciertamente no esta nada mal, solo hay que comparar el mismo tema que sale en youtube representado en el templo del progresivo europeo, la sala "Spirit of 66" en Verviers (Bélgica) durante la Convention Prog-resiste del 2010 respecto a la versión final en estudio.

Compara en los siguientes videos extraidos de youtube:

Temas como el inicial "The Platform" con un intenso y metálico protagonismo de las guitarras en detrimento de un composición como comentaba mas cambiante y melódica, la semi-acústica "Tightrope" que tiene un toque Folk Psicodelico que pudiera recordar por el tratamiento vocal en el tramo final a The Doors. El cuarto tema "Green Waves" que se parece mucho a "The Platform" pero con otro tiempo, es de los mas destacable junto al segundo y sexto tema, es un tema efectivamente HARD prog, como anunciban los propios Beardfish, curiosos los destellos / referencias a Metallica y a Rush.

El corto preludio con piano de cola con efectos de fondo de pajaritos "Outside / Inside", da paso al tema instrumental "Akakabotu", dedicado supongo al oso que sale en el Manga Ginga: Nagareboshi Gin, tema donde vuelve a retomar el protagonismo las aportaciones y solo de Saxo, que quizás adrede le da un toque jazzero canterbury.

Acaba el disco con "Without Saying Anything" un tema atípico en las melodías (parece como si estuvieran versionando algún tema conocido), pero que conserva el sonido clásico de Beardfish, en resumen un tema de tono rockero, muy armonioso y melódico y algo entusiasta.

En fin poco que cuesta entrar al principio en este nuevo trabajo donde como novedad, amen de unos temas mas Hard prog es la inclusión en varios temas del saxo. la pega es que parece que han olvidado desgraciadamente darle ese toque de humor que les caracterizaba y que a mi parecer les daba un aire de soltura y desparpajo.

Lamentablemente ni de lejos se acercan a la calidad "progresiva" que nos mostraron en Sleeping in Traffic part 2, pero aún así se deja escuchar, solo el tema "And The Stone Said: If I Could Speak" ya justifica pos si solo la adquisición de "Mammoth". Renovarse o morir, habrán pensado los suecos Beardfish, digo yo...

Discografica: Inside Out Music
Temas:
1. The Platform (8:06)
2. And The Stone Said: If I Could Speak (15:07)
3. Tightrope (4:33)
4. Green Waves (8:53)
5. Outside / Inside (1:43)
6. Akakabotu (5:41)
7. Without Saying Anything (feat. Ventriloquist) (8:10)

Musicos:

- Rikard Sjöblom: vocals, keyboards
- David Zackrisson: guitars
- Robert Hansen: bass
- Magnus Östgren: drums
- Sax ????

© Juan

DeWolff - Orchards / Lupine (2011)

2011-03-21T13:53:00.001+02:00

Este trío holandés, dos de ellos hermanos, nos ofrecen en este trabajo titulado "Orchards / Lupine" un rock pogresivo Hard blues psicodelico, que hacen recordarme a los Blackmountain mas stoneros y también algo de Beardfish e Hypnos 69.

Destacaría el inicial "Diamonds" con presencia mayoritaria del Mellotron y un toque vocal e instrumental a los primeros King Crimson, luego "Love in C Minor" con un inicial toque arabesco y esa referencia en los Black Mountain mas stoneros, la extensa, bluesera y cadente "Everything Everywhere", donde destaca el Hammond y el toque jazzy de la batería, por último destacar "Love in C Minor" con ese inicio hindú y de nuevo la referencia a los Blackmountain mas estoneros.

Luego tenemos temas digamos menos progresivos, donde el Hard Blues se erige protagonista como en "Pick Your Bones Out Of The Wat" con un excelente solo de teclado, "Seashell Woman" pudiera recordar al Hard Rock de unos Whitesnake, "Fever" que me recuerda lejanamente a los Canned Heat y el blues psicodelico de "The Pistol" con un extraordinario solo de guitarra y hammond, todo en suma hace de este trabajo algo disperso pero no por ello menos interesante.

Aquí tenéis el tema Diamonds en youtube

En definitiva, si os va el asunto retro entre lo psicodelico, el hard prog y el stoner, este trabajo no os defraudara.

© Juan (2011)

Influencias:
Pink Floyd, Cream, The Doors, Deep Purple, The Black Crowes, Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin, the Black Keys, The Beatles, Ten Years After, Rolling Stones, Santana, the White Stripes, John Mayall & the Bluesbreakers, Fleet Foxes, Dan Auerbach, Buffalo Killers.

Syndone: "Melapesante" (2011)

2011-03-15T17:45:00.001+02:00

Romanticismo, melodía, expresión, introspección, teatralidad y un toque moderno encima de una base clásica del rock progresivo setentero italiano.

Syndone es una banda liderada por el torinense Nico (Nik) Comoglio, que en 1992 edito el album "Spleen" y un año después, en 1993 "Inca", ambos producidos por Beppe Crovella del grupo "Arti & Mestieri" que dirige la discográfica Vinyl Magic en Milan.

En estos 18 años que han pasado, Nik se ha dedicado privadamente al estudio musical y a proyectos teatrales, musicales, operas, ballets, oratorios y especialmente en el conocimiento de la teoría de la orquestación. El año pasado decide volver con un quinteto con esta obra conceptual que trata de los varios significados y simbología de la manzana "Mela" (Newton, Guillermo Tell, Adan y Eva, NY 11 septiembre, etc..), masterizado en lo celebres estudios londinenses de Abbey Road, producido por Beppe Crovella y editado por Electromantic Music.

Malpensante, es una obra de rock clásico de la vieja escuela progresiva italiana, basada en los teclados, ausente de guitarra eléctrica, sustituida por el vibrafono y la diversidad de teclados, instrumentos de viento y cuerda, con un protagonismo desmesurado pero brillante en la parte cantada, de la mano de Riccardo Ruggeri.

¿Temas destacables? Lo cierto es que es muy difícil destacar algún tema en especial, quizás los momentos mas timbricos y melódicos que se dan cita en "Melancholia D'ophelia", tema inicial orquestado y cuyo tratamiento compositivo de teclados me recuerda a Museo Rosenbach. otra a mencionar seria "Giardino delle Esperidi" por su cadencia final, la presencia del violín y del toque especial que da el vibrafono, similar al xilófono y de los timbales sinfónicos y con ese toque misterioso de voz de Riccardo en forma de relato y mas tarde emulando con juegos experimentales a Demetrio Stratos (salvando las distancias).

Curioso el toque post-rock a lo Radiohead en "Mela Di Tell" donde escuchamos también un solo atípico de armonica. Por ultimo destacar el tema "Malo In Adversity" dedicado al 11 septiembre en el World Trade Center de Nueva York y donde hay un solo de piano a lo Bartòk al inicio, para pasar a un toque musical y cantado cabaresteso y teatral que acaba o da inicio al séptimo tema "Mela Pensante", esta basado en el 5 subtema "Willow Farm" de la suite "Supper's ready" del album "Foxtrot" de Genesis. ¿Os acordáis de Peter Gabriel cuando se pregunta previo al corte mencionado.... Narcissus is turned to a flower.... A Flowers?

Por poner pegas, que ya son ganas.... en mi opinión excesivos minutajes de momentos suaves y baladisticos que viene intercalados en la mayoría de los temas, como sucede con "Magritte" o la desgarradora y teatral "Melapesante", todo en detrimento de temas mas enérgicos y orquestado. Quizás me sucede que no llego a entender porque tanta sencillez y pulcritud sonora puede resultar tan elegante y cautivadora respecto a una obra compleja y sobresaturada compositivamente hablando.

Especialmente indicado para fan del rock progresivo italiano realizado en los 70's con un toque moderno. En definitiva música romántica, melódica, expresiva, jazzy, cabaretesca, oscura y a ratos rabiosa, agraciada por la gran cantidad de instrumentación empleada, amen de los instrumentos clásicos del rock sinfónico, tenemos instrumentos de cuerda y viento.

Juan

Wobbler - Rites at Dawn (2011)

2011-03-04T16:13:00.001+02:00

El 16 de mayo 2011 la banda noruega Wobbler editara su tercer album "rites at Dawn"

Aqui teneis un video de su actuación en el Near- Fest 2005

ya estan tardando !!!

THE WATCH: "Timeless" (2011)

2011-02-24T13:15:00.000+02:00

Nota importante: Antes de seguir leyendo esta reseña, por favor, "Las autoridades progresivas sanitarias advierten que leer la siguiente reseña puede perjudicar gravemente la salud de los prog-sinfonicos que no soportan la falta de originalidad, experimentación, bla, bla, blaaa... Informamos que The Watch contiene un alto contenido de clonismo de Genesis época Gabriel".

Prácticamente ha pasado tan solo un año desde que los italianos THE WATCH nos dejaran su ultimo trabajo "Planet Earth?", simplemente sorprendente que tras una gira por Europa y Canada interpretando "The Watch plays Genesis" hayan sacado tiempo para componer un nuevo disco, como dicen en el titulo del trabajo, TIMELESS que perder.

Un trabajo ciertamente corto en su duración, cerca de 43 minutos que quitándole los temas no propios, estaríamos hablando de 26 minutos de composición propia, siendo generoso en la definición. Efectivamente nos encontramos que de los diez temas, tres son recreaciones de GENESIS, concretamente "In the wilderness" y "Let us now make love" de su album "From Genesis to Revelation" y el bonus "Stagnation" del Trespass.

Temas destacables son el inicial acústico en forma de nana "The Watch" que da paso al mejor tema para mi de este trabajo, "Thunder has Spoken" que tiene un tono rockero especial que enmascara algo el sonido Genesis.

La baladas melancólicas "One day", "Soaring On" y entremedias "In the Wilderness" mas la bohemia "Scene of the Crime" convierten a este trabajo discografico mas intimista del grupo hasta ahora, "End of the Road" con una composición genesiana ya muy machacada, especialmente la melodía, que da paso a un curioso corte instrumental titulado "Exit" que no es mas que el preludio del tema "Stagnation" grabado en directo de uno de los "Blue show" del 2010 y donde como novedad encontramos la presencia de John Hackett, hermano de Steve, que interpreta la flauta.

Todos sabéis que siempre he defendido a este grupo por lo que hace y ofrece, pero en este trabajo noto la falta del tono épico dramático de albums anteriores y también la ausencia de melodías un poco mas trabajadas y para acabar los pasajes instrumentales mas largos.

En definitiva un álbum recomendado solo para aquellos que no tengan prejuicios y que les guste todo lo que suene a Genesis.

Juan

Magic Pie: "The Suffering Joy" (2011)

2011-02-05T12:01:00.005+02:00

La banda noruega de Magic Pie lanza su tercer trabajo titulado "The Suffering Joy" donde siguen practicando un metal progresivo melódico. Recordar que este album sufrió un retraso considerable debido a la perdida de parte del su equipo por un incendio de los estudios de grabación en el 2010.

Su vocalista, que no único, Allan Olsen dejo la banda para ser sustituido por Eiríkur Hauksson. que además toca la guitarra.
Como he comentado practican un metal progresivo "clásico" bañado de claras influencias de los clásicos del genero en los 70's pero con un sello particular y con referencias mas o menos palpables a Dream Theater, Shadow Gallery y Pain Of Salvation.

Realmente magnifica la suite "A Life's Work" dividida en 4 partes, la entrada suave de "Questions Unanswered", que da paso a la descarga metálica del instrumental "Overture" para pasar por el semi acústico "A Brand New Day" que me recuerda algo a los Spock's Beard para finalmente acabar con "The Suffering Joy" que da titulo al album, con sus 17 minutos de duración, donde el Metal épico a lo Dream Theater con pasajes instrumentales y vocales a lo Pain Of Salvation con sus cambios vertiginosos de ritmo.

Aun así, para mi el momento estelar viene de la mano de "Slightly Mad", donde tenemos una coktelera de todo lo mencionado antes, el Metal progresivo mezclado con lo mas melódico, aquí la invitada María Bentsen pone el toque femenino a través de su voz, de igual forma que hace en la parte final de la suite "A Life's Work". "Tired" con sus casi 15 minutos y medio tampoco esta nada mal, algún pasaje instrumental y solos de guitarra pudiera recordar a los Pink Floyd mas sinfónicos.

En definitiva, Magic Pie ha hecho que vuelva a recobrar el interés perdido hace tiempo por el Metal progresivo. Recomendado para los fan de este genero en su faceta mas melódica y epica.

Juan

Pallas: "XXV" (2011)

2011-02-05T11:44:00.006+02:00

La veterana banda escocesa PALLAS edita en este recién estrenado 2011 un nuevo disco titulado "XXV", el cual se anuncia como una secuela de su celebrado trabajo "The Sentinel" de 1984 y tenemos como novedad la presencia del nuevo cantante Paul Mackie, que sustituye al cantante original Alan Reed.

El estilo de PALLAS en XXV es una mezcla de AOR, Heavie y Metal progresivo con predominio de tonalidades misteriosas y épicas... con algo de NEO Prog pero a cuentagotas.

Hay cierto lexo de unión entre "The Sentinel" y "XXV" como las melodías orquestadas del inicio en "Falling Down".

Los temas están enlazados por un hilo conductor en forma narrativa y con efectos de sonido. Yo destacaría "The Alien Messiah" con ese comienzo arabigo y "XXV [part 1]", este ultimo es el que contiene mas ingredientes Neo, en especial los arpegios de piano,... amen de los últimos 3 temas que parecen como enlazados y están en una línea mas sinfónica instrumental, desde la inicial instrumental "Blackwood" con los vocales de la invitada Melissa Allan, la balada melancólica de "Violet Sky" y el final instrumental epico de "XXV (part2)".

El tema "Monster" parece como compuesto adrede para ser radiado, solo hay que oír el gancho del estribillo "·I feel a monster… I feel a monster coming" y el comienzo premonitorio con la letra "I hear no music on the radio". En "Yound God" se escucha alguna referencia a King Crimson y al stoner de Black Sabbath. "Sacriface" con su rock and roll no pega mucho con lo oído hasta ahora pero luego se transforma en heavie retomando la línea musical del album.

Poco mas que añadir, Pallas desde 1998 que edito "Beat the drum" y en el 2001 "The Cross & The Crucible" reivindican el movimiento R.I.P. al Neo progresivo, con su lenta agonía que ya practican otros grupos como Arena, Pendragon, y otros...

El disco XXV sale con una edición especial que contiene en DVD un concierto titulado Sentinel / XXV ofrecido en el 2010 en la llamada ‘Night of The Prog’ festival".

Juan

Morgan: "Nova Solis" (1972)

2011-02-05T11:40:00.000+02:00

Banda inglesa liderada por le teclista Morgan Fisher, que alla en 1973 grabo en ROMA para RCA una obra titulada "Nova Solis" co-producida por Alan Holdsworth, que paso por el mayor de los olvidos y cuyas razones desonozco, puesto que su música se pudo codear perfectamente en el tiempo y en la forma con las agrupaciones que mas gloria dieron al genero progresivo, Genesis, Gentle Giant, Yes, KC, EL&P y Pink Floyd. (bueno salvando las distancias).

Quizás su sonido estaba aun pululando en los cánones de protoprog, pero muchos de sus acordes, melodías y armonías desprendían influencias sobre todo de Pink Floyd, Gentle Giant y Yes, aunque es cierto que Morgan no utilizaban guitarra eléctrica.

Morgan Fisher era su teclista y líder (se dio a conocer por ser el primer músico de acompañamiento de la banda Queen en la gira de Hot Space), se hizo rodear de buenos músicos como el cantante Tim Stafell, encargado de escribir las letras, que fuera cantante de SMILE el grupo donde comenzaron Brian May y Roger Taylor, que luego se fueran a Queen

El mejor tema bajo mi opinión es la inicial "Samarkhand The Goleen" por sus melodías y jugueteo de sintetizador y la presencia del mellotron, clavicordio y el moog. La voz de Tim Staffel es algo especial de esas que o te gustan a la primera o las odias para siempre, hay momentos que su voz esta modulada con el sintetizador VCS3. Le sigue el tema "Alone" mas calmada y donde Tim Staffel además de cantar, con un toque parecido a Freddie Mercury, toca la guitarra acústica, hay un pasaje de flauta pero es sintetizada.

El siguiente tema es "War Games", es un tema sencillo donde prácticamente suena un piano, batería y bajo con pedales distorsión fuzz, introducida por efectos de sonido de aviones de combate. Para acabar el álbum tenemos una suite de 20 minutos que ocupaba completamente la segunda cara del vinilo, escrita para tal ocasión como pieza progresiva, como si lo que acabamos de escuchar fuera de otro estilo. Comienza y acaba con la melodía de Jupiter de Gustav Holst, autorizado su uso por el hijo de este, Imogen Holst. A continuación la forma musical toma derroteros espaciales a través del Morganic, el órgano Hammond y el oscilador VCS3.

Disco aconsejable para fan del proto prog de unos Emerson, Lake & Palmer, The Nice o Trace.

Juan

Paolo Siani & Friends feat. Nuova Idea: "Castles, Wings, Stories & Dreams" (2010)

2011-02-05T11:36:00.000+02:00

Álbum conceptual del batería y cantante Paolo Siani que formara parte de aquel grupazo italiano en los 70's, NUOVA IDEA (Mr. E. Jones, Clowns,). Paolo se ha rodeado de buenas colaboraciones durante los dos años que ha tardado en editar "Castles, Wings, Stories & Dreams", como es el caso de Mauro Pagani a la flauta.

Desde la misteriosa "Un Dono" donde Vittorio Pedrali pone su voz en una breve narración introductoria, da paso a "Wizard Intro" un tema Hard rock épico, un perfecto entrante para la oscura y densa "Madre África" que pudiera recordar en ciertos momentos a Museo Rosenbach y donde podemos deleitarnos con el solo de flauta de Mauro Pagani.

"Questa Penombra e Lenta" nos trae unos momentos relajados y semiacusticos, la invitada Nadia Engheben pone su voz en los coros que pudieran recordar (salvando las distancias) a los coros femeninos en The Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Seguidamente, es el turno de la suite "The game" dividida en 4 partes, tanto la inicial como la conclusión de la suite son de un tono relajado, romantico y percusivo en cambio la parte media juguetea con el Hard Rock y los momentos mas épicos. En el tema inicial "Wizard of your Sky" interviene un solo de saxo a cargo de Gianni Alberti que le da una expresión y toque de jazz, en "Mickey's" interviene un solo de violín a cargo de Carlo Cantini.

La parte final del álbum nos ofrece la Hard space progresiva "Cluster Bombs" entre unos Rainbow y Ayreon, aqui interviene la voz de Roberto Tiranti, a continuación la balada a lo Pink Floyd de "This Open Show" y lo medievo y barroco de "C`era una Volta" con ese precioso sonar de clavicordio, supongo que emulado por los sintetizadores.

En definitiva un trabajo variado, algo disperso, medio cantado en italiano e ingles, donde destaca la suite "The Game" con reminiscencias al rock italiano setentero y el Art-Rock, ciertos pasajes Hard-Rock mezclados con aires a Pink Floyd.

Para fan del progresivo italiano a medio camino del sonido de los 70's y de la actual renovación de su sonido en esta década.

Juan

Mis mejores discos prog del 2010

2011-01-04T15:41:00.005+02:00

1. Areknamés - In Case Of Loss...

2. Big Big Train - Far Skies Deep Time (EP)

3. Ciccada - A Child In The Mirror

4. Argos - Circles

5. Hypnos 69 - Legacy

6. La Maschera di Cera - Petali di Fuoco

7. Glass Hammer - If

8. Black Mountain - Wilderness Hearth

9. The Soulbreaker Company - Itaca

10. The Watch - Planet Earth?

11. Nick Magnus - Children Of Another God

12. Riverblind - Hour Of The Wolf

1. Areknamés - In Case Of Loss...

Sorprendente nuevo trabajo de los italianos Areknamés, el mejor sin duda de los tres editados hasta ahora, magníficos y trabajados arreglos, atmósferas densas, intensas, dramáticas y oscuras y ese personal tono oscuro que transmiten todos los temas. La novedad principal es la inclusión de instrumentos de viento, como el saxo, ademas del violín y del cello que le da otra tonalidad y colorido a la música particular de Areknamés, una mezcla de Canterbury y rock sinfo-progresivo a lo VDGG, Genesis y King Crimson primeros discos, junto a pinceladas de Hard Rock a lo Deep Purple, Quatermass, Atomic Rooster y Standarte, la psicodelia finales de los 60's, el Kautrock, el Stoner rock y el especial tratamiento vocal que imprime Michele Epifani en su voz.

2. Big Big Train - Far Skies Deep Time (EP)

BIG BIG TRAIN nos ofrecen un EP de tan solo 5 temas, con un claro sonido rock clásico progresivo, en esta ocasión mas cercano al Genesis de los 80's sin olvidar algunas pinceladas a los clásicos de Yes y Gentle Giant. De nuevo nos encontramos con la presencia "como fijo" en la batería de Nick D'Virgilio y como invitado a Martin Orford (ex-IQ). Un gran tema inicial "Master of Time" basado en una demo original del guitarrista Anthony Phillips y un gran ultimo tema "The Wide Open Sea" con sus casi 18 minutos de duración con muchas sonoridades a YES y a GENESIS de Phil Collins, justifican ya por si solo la escucha obligada de este corto pero intenso mini trabajo de la banda inglesa.

3. Ciccada - A Child In The Mirror

Grupo griego que en su album debut nos muestran una excelente mezcla de varios estilos, en los que se encuentra el Folk prog Celta y el Balcánico del este de Europa, a lo Gryphon y Jethro Tull, excelentes los momentos de interacción de flauta y guitarra acústica, el progresivo clásico marca escandinava, Anglagard, Wobbler y White Willow, al respecto excelentes todos los pasajes instrumentales en esta onda, el progresivo típico de Gentle Giant, y el canterbury refinado a lo Hatfield and the North. ... En definitiva si os gusta el folk prog, el prog escandinavo y el canterbury, todo bien mezclado y presentado, no dudéis en descubrir a Ciccada.

4. Argos - Circles

Circles es la segunda entrega del grupo alemán Argos, respecto a su anterior trabajo parece que ahora la referencia que predomina es la de Peter Hammill y la banda VDGG, parece que las referencias a Gentle Giant las han dejado a un lado. Un nuevo gran trabajo de rock progresivo retro clásico, con buenas melodías y repleto de mellotron, ideal para los incondicionales de lo canterburiano a lo Caravan y Hatfield and the North, la particular visión del prog de VDGG, lo sinfónico de Genesis y finalmente el proto prog a lo Fruupp.

5. Hypnos 69 - Legacy

Sexto álbum de esta banda belga que mezcla el rock psicodelico con el stoner y el progresivo. LEGACY puede transportarnos con suma facilidad a finales de los 60's, referencias a los primeros discos de King Crimson y algo de VDGG. Ellos en su myspace mencionan como referencias el rock psicodelico de los 60s y '70s, King Crimson, The Beatles, Grand Funk Railroad, Led Zep, Pink Floyd, Hawkwind, Flower Travelling Band y The Who. Un trabajo elaborado de largas jams y pasajes hipnóticos, psicodelicos y atmosféricos, donde el mellotron, el Hammond, la flauta y el saxo predominan junto a solos de guitarra lisergicos. "Psychedelic philosophic esoteric progressive rock", ahí queda eso.

6. La Maschera di Cera - Petali di Fuoco

LMDC nos ofrece en Petali di Fuoco un toque mas romántico, presencia vocal predominante en detrimento de lo instrumental, la presencia de la guitarra eléctrica (Matteo Nahum) y temas cortos sin la presencia de una suite. El sonido en general se resiente de no ser tan oscuro y estridente como en el pasado, la intervención y en ocasiones los solos de guitarra eléctrica, le da otro enfoque y diferente colorido a la música de LMDC, lo cierto es que no les queda nada mal, consiguen un sonido mas variado, apreciándose en la producción que hay el suficiente espacio para que cada uno de los músicos se pueda expresar de una forma equilibrada y homogénea que en anteriores trabajos.

7. Glass Hammer - If

Un trabajo que recobra la esencia musical de Glass Hammer. Sus influencias y referencias se manifiestan mas si cabe en YES, pero también en Kansas, EL&P y Genesis, nos encontramos con buenos momentos de Mellotron y Hammond, pero también son destacables algunas líneas de solo del Bajo de Steve Babb.

8. Black Mountain - Wilderness Hearth

La banda canadiense Black Mountain liderada por Stephen McBean continúan con un sonido proto - prog psicodelico con referencias a Pink Floyd, The Doors, Led Zeppelin, Iron Butterfly, David Bowie y Black Sabbath. En definitiva, a pesar de que los decibelios progresivos se ha reducido mas de la mitad, este álbum Wilderness Heart es un gran trabajo introspectivo, hipnótico, psicodelico y con momentos enérgicos de rock duro a lo Led Zeppelin y Deep Purple, stoner rock de Black Sabbath, space rock a Hawhkick y todo aquello que os recuerde el West Coast folk-rock, que es lo mismo que decir la época flower power, la pisodelica del movimiento hippie californiano.

9. The Soulbreaker Company - Itaca

El grupo gazteiztarra THE SOULBREAKER COMPANY editan su tercer disco titulado ITACA, la apuesta musical de lo de Vitoria era un Hard Stoner psicodelico que en esta ocasión hace un giro hacia lo progresivo. Su manifiestas influencias están dirigidas entre otros a Led Zeppelin, Raw Material, Gong, Atomic Rooster, Amon Duul II, Hawkwind, Black Sabbath, Uriah Heep, Monster Magnet, ... A mi me suenan algunos temas a una mezcla de Beardfish, Blackmountain y Bigelf. The Soulbreaker Company nos ofrecen un trabajo semiprogresivo, a través de unos temas mas elaborados de componente progresivo mezclados con temas mas clásicos de Hard Stoner psicodelico con abundante y mayor presencia de teclados y de saxo.

10. The Watch - Planet Earth?

Nota: Antes de seguir leyendo esta critica, porfavor, "Las autoridades prog cajeras sanitarias advierten que leer la siguiente review puede perjudicar gravemente la salud de los prog fans que no soportan la falta de originalidad, experimentación, bla, bla, blaaa... The Watch contiene un alto contenido de clonismo de Genesis época Gabriel".

Tras una exitosa gira para celebrar el 40 aniversario del álbum TRESPASS de Genesis, la banda italiana THE WATCH edita nuevo disco titulado PLANET EARTH? Nada nuevo bajo el sol !!! THE WATCH siguen queriendo sonar a GENESIS, quizás en esta ocasión lo hacen de una forma bastante mas sencilla y directa, sin complejidades alguna en las composiciones. Ausentes de originalidad, creatividad, experimentación y otras calificaciones que exigen los mas puristas del genero progresivo, la banda de Simone Rossetti nos obsequian con temas en la forma que no en el fondo, muy pero que muy genesianos, utilizando de tanto en tanto alguna concesión digamos sonrojante "made in Genesis" especialmente en algunas partes de teclados y claramente en lo vocal.

11. Nick Magnus - Children Of Another God

El compositor, teclista y vocalista NICK MAGNUS, que ya en 1976 tocara en The Enid antes del lanzamiento del álbum "In The Region Of The Summer Stars" y como teclista y compositor en la banda de Steve Hackett, empezando en la gira del "Please Don't Touch" y colaborando en los trabajos de "Spectral Mornings", "Defector" y "Highly Strung", ha editado un nuevo álbum, esta vez de corte conceptual, titulado "Children Of Another God", donde ha contado como invitados al propio Steve Hackett. Si os gusta las obras conceptuales, las bandas sonoras, lo épico, lo acústico y el sinfónico setentero no lo duraría mas y me haría de este disco.

12. Riverblind - Hour Of The Wolf

Estos jovencitos de Nueva Zelanda realizan un Art-pop-rock basado en la fusión de estilos, entre ellos el Jazz, el blues, lo prog clasico, el hard-rock, etc...

DECEPCIONES

En cuanto a las decepciones, pues varias, la primera viene de la mano de los australianos Unitopia y su ultimo disco "Artificial" como la de los americanos Salem Hill y su "Pennies in the Karma Jar", no digo que sean discos malos sino que simplemente y de entrada no me han respondido a mis expectativas.

En el plano nacional el esperado disco de un grupo estandarte del rock andaluz como fue CAI edito su "Ocho metáforas de luz", en la que bajo mi opinión Cai tomo la peor de las opciones, la de reproducir la música de antaño pero lejos, muy lejos de la calidad compositiva, que a pesar de los pocos medios que se disponían en su época, lograron plasmar en sus dos discos mas emblemáticos, como fueron "Mas allá de nuestras mentes diminutas" en 1978 y "Noche abierta" de 1980. Un disco totalmente decepcionante.

De descubrimientos prog clásicos, anotar este disco de Morgan llamado "Nova Solis" editado en 1972, su sonido claramente setentero aun estaba en los cánones del protoprog pero muchos de sus acordes, melodías y armonías desprendían influencias sobre todo de Pink Floyd y Yes. En el plano nacional los dos discos del grupo vasco

Tirri Tarra liderado por la figura compositiva de Sergio Zurutuza que hizo que el grupo abrazara la música sinfónica, con el resultado de la grabación del álbum "RE + FA" en junio de 1999 y de Luz Negra / Argi Beltz" (2006). Otro descubrimiento nacional ha sido el disco editado en este pasado 2010 por Arabiand Rock del grupo sevillano KHORUS que practicaban en 1975 un rock sinfónico y progresivo, con un toque de experimentación, ciertos aires pink floydianos, con tendencias a largos solos cercanos a la Jam session y otros a Laietano cercano a Iceberg.

En definitiva un año donde he perdido mucho tiempo (del poco que dispongo) escuchando todas las novedades para finalmente un tan pobre balance de 12 discos, que además en una votación de los mejores de esta ultima década estarían la mayoría en la cola.

Juan (Enero 2011)

VII Festa del Grupo de amigos del Rock Sinfónico y Progresivo en Cataluña COSESNOSTRES

2010-12-07T16:52:00.001+02:00

VII Festa del Grupo de amigos del Rock Sinfónico y Progresivo en Cataluña COSESNOSTRES
http://tot-catalunya.com/cosesnostres.htm

Sábado 11 Diciembre 2010
Centre Civic Boca Nord
c/ Agudells, 37-45
Barcelona
Metro mas cercano al Boca Nord ya no es Horta, si no el del Carmel (también de la línea 5).

Entrada: 5€.

CONCIERTOS:
- 20:00H Festa CosesNostres
- 22:00H Syd Barretina
- 22:45H Ignatius

El grupo catalán IGNATIUS se presentan por primera vez estrenando disco nuevo, su música tiene influencies en Bach, Zappa, Judas Priest, Motorhead, Pink Floyd, Genesis, King Crimson, Rush, The Haunted, Keith Jarret, Thelonious Monk, Jethro Tull, Black Sabbath, Stravinsky
... y abrirá la noche SYD BARRETINA el emisario catalán del mensaje de Pink Floyd.

Te esperamos !!!
Juan

Big Big Train: "Far Skies Deep Time" EP (2010)

2010-12-02T19:09:00.001+02:00

BIG BIG TRAIN nos ofrecen un EP titulado "Far Skies Deep Time" que consta de 5 temas con un sabor claro a clásico rock progresivo, en esta ocasión mas cercano al Genesis de los 80's sin olvidar algunas pinceladas a los clásicos de Yes y GG. Como novedad nos encontramos en la banda inglesa la presencia en la batería de Nick D'Virgilio (parece fijo ya en la banda) y como invitado a Martin Orford (ex-IQ).

Los temas que mas destacan son el inicial "Master of Time" una versión del demo original del guitarrista Anthony Phillips que saliera como bonus track en la edición CD del álbum "The Geese and the Ghost" y como no la epica que cierra este breve pero intenso trabajo de BB Train "The Wide Open Sea" de casi 18 minutos de duración, basada en la vida de Jacques Brel y donde a partir de un comienzo con unas notas y crescendo muy a lo Dire Straits con su tema "money for nothing" trascurre el tema por varios estadios, donde destaca la parte media, con un solo parecido al acordeón acompañado de unos supuestos aplausos de un publico supongo que aparente, muchas sonoridades a YES y a GENESIS de Phil Collins.

No puedo dejar de mencionar también el resto de temas, destacables, como "Fat Billy Shouts Mine" dedicada al futbolista William "Fatty" Foulke quien jugo con sus dos metros de altura y 150 kg de peso como portero en el Sheffield United de Inglaterra. Gran intervención de los invitados Jon Barry a la guitarra y de Martin Orford al Moog. La emotiva y cálida "British Racing Green", suena especialmente cuando entran los coros a 10CC o Air Supply y para acabar la penúltima, un tema romántico pero enérgico titulado "The Wide Open Sea".

A pesar de ser presentado como un EP, este trabajo de los ingleses Big Big Train es bastante meritorio como para estar luchando con los mejores discos de este año, un gran trabajo melódico e interpretativo que da lugar a confiar de que esta banda todavía tiene mucho que decir dentro del prog clásico.

¿ Como un trabajo tan corto de duración puede dar tanto de si ?